Blu-ray-Rezension: “Der gnadenlose Vollstrecker”

Veröffentlicht am 22. Januar 2016 von Marco Koch

gnvollstreckerAus der Schatzkammer der Mandschu-Kaiserin wird eine stattliche Summe Gold gestohlen. Die Kaiserin gibt dem Befehlshaber der Garden 10 Tage Zeit, das Gold wiederzubeschaffen. Dieser gibt den Auftrag an seinen besten Mann weiter. Leng Tian-Ying (Chen Kuan Tai), wird auch „der Blutige“ genannt, da er keine Gefangenen macht und auch nicht davor zurückschreckt, Unbewaffnete förmlich zu exekutieren. Leng sammelt fünf seiner treusten Gefolgsleute um sich und macht sich auf den Weg, die Diebe zu bestrafen und das Gold zurückzuholen. Doch die Männer geraten immer wieder in Hinterhalte und so schrumpft Lengs kleine Truppe recht schnell. Schließlich wird Leng vom Anführer der Diebe, Fang Feng-Jia (Ku Feng), eine tödliche Falle gestellt…

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Über den Film „Der gnadenlose Vollstrecker“ lass ich erstmals im Jahre 2000 in der zweiten und leider auch letzten Ausgabe des großartige Fanzine „Absurd 3000“, welches meinen Filmgeschmack und -verständnis vielleicht sogar noch mehr prägte, als die legendäre „Splatting Image“. In einem langen Artikel stellte Hagen Weiss damals den Regisseur Chih-Hung Kuei (alias Gui Zhihong) vor. Chih-Hung Kuei ist einer der aufregendsten (wenn auch leider bis heute unbekannteren) Regisseure der Shaw Brothers Studios. „Der gnadenlose Vollstrecker“ ist sein einziger Film, der dem Genre des Schwertkampf-Films zugeordnet werden kann. Seine anderen Filme, wie der großartige „The Tea House“ und sein Nachfolger „Big Brother Cheng“ (beide ebenfalls mit Chen Kuan Tai) und seine wilden Horrorfilme, wie„Killer Snakes“ oder „The Boxer’s Omen“, harren hierzulande noch einer Veröffentlichung. Auch im Women-in-Prison-Genre hinterließ Chih-Hung Kuei mit seinem berüchtigten „Das Bambuscamp der Frauen“ viel Eindruck und zusammen mit Ernst Hofbauer war er für den Schulmädchen-meets-Kung-Fu-Mash-Up „Karate, Küsse, blonde Katzen“ zuständig. „Der gnadenlose Vollstrecker“ ist ein Remake des 11 Jahre vorher entstanden „Invincible Fist“, den Chang Che mit Lo Lieh und David Chiang in den Hauptrollen inszenierte. Es soll sogar ein Jahr vor dem „Gnadenlosen Vollstrecker“ eine billige Taiwan-Version des Stoffes gegeben haben, welche sich „Demon Strike“ nannte und in der – wie im „Gnadenlosen Vollstrecker“ – Jason Pai Piao mitspielt.

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Chih-Hung Kueis „Der gnadenlose Vollstrecker“ unterscheidet sich deutlich von den Schlacht-Epen, die ein Chang Cheh inszenierte. Aber auch den wunderbaren, surreal-künstlichen Traumwelten eines Yuen Chor oder den eher realistischen angehauchten Shaolin-Filmen eines Chia-Liang Liu steht „Der gnadenlose Vollstrecker“ nicht besonders nah. Er entstand in einer späten Phase in der Geschichte der Shaw Brothers Studios. Erst 1980 kam er in die Kinos, oder sollte man sagen „bereits“? Denn tatsächlich wirkt er seiner Zeit gute 10 Jahre voraus und erinnert stärker an das Hongkong-Kino der frühen 90er, als an die Hochphase der Shaw Brothers Produktionen in den 70ern. Und er ist einer der besten Werke aus Hongkongs Fließbandschmiede. Im Vergleich zu den unterhaltsamen, aber häufig eher eindimensionalen Geschichten dieser Filme, wartet „Der gnadenlose Vollstrecker“ mit einer düsteren Komplexität auf, die man nicht unbedingt erwartet.

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Hier verschwimmen drastisch wie selten die Grenzen zwischen Gut und Böse. Während beispielsweise die Mandschu in den Filmen aus Hongkong fast immer die Rolle der Bösewichte einnahmen, repräsentieren sie hier die nominalen Helden, während die chinesische Bevölkerung auf der anderen Seite des Gesetztes steht. Doch dies ist nur die gelernte Perspektive des Zuschauers, weil der Film aus Sicht unsere Protagonisten erzählt wird und diese eben auf der Seite der Mandschu stehen. Man könnte die Geschichte des Films auch problemlos umdrehen und dann würden aus den „bösen“ chinesischen Räubern plötzlich heldenhafte Freiheitskämpfer. In einer Szene reiten die Mandschu-Beamten durch ein Dorf und müssen dort all das Elend der chinesischen Bevölkerung sehen: Die hungernden Kinder und ausgemergelten Alten in ihren Lumpen. Das Grauen des Mandschu-Regimes, die Saat, die die „Verbrecher“ zu ihrem Raub getrieben hat. Dies verleitet einen der Beamten dazu, Mitleid für die Opfer der Mandschu-Herrschaft zu empfinden. Doch Chi Hung Kweis Welt ist ebenso gnadenlos wie der „Vollstrecker“. Mitleid ist hier keine Stärke, sondern eine Schwäche, die direkt zu einem qualvollen Tode führt. Denn an beiden Fronten stehen Männer, die sich selbst im Recht sehen und kein Mitgefühl gegenüber dem Gegner walten lassen.

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„Der gnadenlose Vollstrecker“ ist dann auch einer der finstersten, pessimistischsten und brutalsten Filme, die je unter dem Banner, der generell nicht geraden zimperlichen Shaw Brothers, entstanden sind. Insbesondere die Brutalität wirkt noch heute sehr viel direkter und schmerzhafter als das durchchoreographierte Blut-Ballett, das man aus Hongkong in den 70er Jahren gewohnt war. Sie ist näher am japanischen Samurai-Film als dem chinesischen Martial-Arts-Kino. Was vermutlich auch an dem japanischen Action Koordinator Yasuhiro Shikamura liegt, der häufig mit Chi Hung Kwei zusammenarbeitete. Die Kämpfe sind kurz, heftig und von einer enormen Intensität. Doch nicht nur die zahlreich durch die Luft wirbelnde, abgetrennte Gliedmaßen und meterhohen Blutfontänen lassen aufmerken. Auch Szenen in denen sich die Kontrahenten durch lodernde Feuer wälzen und langsam bei lebendigem Leibe verbrennen, lassen einen sich die Augen reiben. Selbst wenn man bei genauerem Hinsehen die feuerfesten Schutzanzüge erahnen kann, wirken diese Szenen sehr schmerzvoll. Aber nicht nur physische Gewalt macht den Film so brutal. Die Bilder der hungernden und dahinvegetierenden Bevölkerung oder der rücksichtslose Umgang der „Helden“ mit den Verdächtigen und die qualvollen Tode der vergifteten Opfer sind Stoff, aus dem Albträume sind.

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Unterstützt wird die finstere Geschichte um Pflichtbewusstsein, Ehre, Habgier und Verzweiflung durch eine außergewöhnliche Fotografie, deren Wurzeln in den italienischen „gothic horror“-Filmen zu liegen scheint. Oftmals ist das Bild durchdrungen von kräftigen roten und grünen Farben, ausdrucksstarkem Licht und Schatten. Zum Ende hin, wird die Handlung in ein nebeldurchzogene, regnerisches Sumpflandschaft verlegt, aus der die Toten emporzusteigen scheinen. Besonders im Gedächtnis bleibt die Szene, in welcher „der Blutige“ Leng Tian-Ying und sein Kontrahent Fang Feng-Jia in dessen Hütte aufeinandertreffen. Im Beisein von Fangs blinden Tochter, die beiden Tee serviert, tun sie so, als wären sie gute Freude, obwohl sie sich mit gezogenen Waffen gegenüberstehen, und die Situation jederzeit zu eskalieren droht. Obwohl dies so auch in dem Original „Invincible Fist“ vorkam, kann man von der ganzen Stimmung und dem set up vermuten, dass John Woo gerade diese Szene als Vorbild für die beinahe identische Einstellung in „The Killer“ nutzte.

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Einer der besten und noch immer modern wirkenden Filme aus dem goldenen Shaw Brothers Zeitalter. Chih-Hung Kuei ist ein außerordentlicher Regisseur, den es hierzulande noch zu entdecken gilt. Visuell aufregend, brutal und zutiefst nihilistisch, sticht „Der gnadenlose Vollstrecker“ weit aus der Masse der unzähligen Shaw Brothers Produktionen hervor.

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Auch in der Shaw Brothers Collector’s Edition des Hauses fimArt ist „Der gnadenlose Vollstrecker“ ein Highlight. Wie die anderen Filme der Reihe auch, ist „Der gnadenlose Vollstrecker“ als Blu-ray/DVD-Combo erschienen. Das Bild ist wie gehabt sehr gut, auch wenn ihm – bedingt durch das Anfang der 80er verwendete Filmmaterial – die beinahe plastische Schärfe der 70er Jahre Produktionen teilweise fehlt. Doch Farben und Schwarztöne können absolut überzeugen. Der deutsche Ton hat ein ganz dezentes Rauschen, der Mandarin-Ton ist klarer, dafür aber auch steriler. Der Film war in seiner alten deutschen Kino- und Videofassung um 9 Minuten gekürzt, die fehlenden Stellen sind hier wieder da und im Original mit ausblendbaren deutschen Untertiteln belassen. Zusätzlich ist noch eine isolierte Musik und Toneffekt-Spur auf Basis der Mandarin-Fassung beziehtdabei. Als Extras gibt es neben den deutschen und chinesischen Trailer noch eine Bildergalerie, sowie ein 12-seitiges Booklet mit den deutschen Aushangfotos und Werberatschlägen.

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Das Bloggen der Anderen (18-01-16)

Veröffentlicht am 18. Januar 2016 von Marco Koch

bartonfink_type2– Leider war dies mal wieder eine sehr traurige Woche und gleich drei Todesfälle gab es zu betrauern. Der Tod David Bowies kam für mich – wie wohl wirklich für jeden anderen auch – vollkommen überraschend und hat mich mehr mitgenommen, als ich gedacht hätte. Seit letztem Montag läuft Bowie bei mir in Dauerrotation und mit jedem neuen Lied wird mir klar, wie groß der Verlust für die Musikwelt und tatsächlich auch für mich persönlich ist. Da Bowie auch in einigen Filmen aktiv war, gibt es natürlich auch in der deutschsprachigen Filmblog-Szene Menschen, die an ihn erinnern. Ganz persönlich Joachim Kurz auf B-Roll,  und in kürzerer Form bei Der Kinogänger. Ebenfalls aus dem Nichts kam die Todesmeldung vom großartigen Alan Rickman (für mich neben Vincent Price das beste Argument, einen Film im Originalton anzuschauen). Auch hier fand Der Kinogänger passende Worte, ebenso wie Oliver Lysiak von den Fünf Filmfreunden, Maximilian Kosing von Cereality und Juli von Pieces of Emotion. Im stolzen Alter von 91 Jahren ist auch eine deutsche Leinwandlegende der 50er, Ruth Leuwerik, verstorben. Ihrer gedenkt nicht nur Sebastian vom Magazin des Glücks, sondern auch sehr ausführlich Udo Rotenberg mit einem schönen Stück über ihren Film „Immer wenn der Tag beginnt“ auf Grün ist die Heide.

– Noch nachgereicht: Der Jahresrückblick von Hard Sensations, der mit seinem Listenwahnsinn dem Jahresrückblick, der in der letzten Woche vorgestellten Kollegen von Eskalierende Träume, in nichts nachsteht. Ferner schreibt Alex Klotz über den portugiesischen Film „The Crime of the Old Village“ von 1964 und Guido Rohm führt ein fiktives Zwiegespräch über Nikias Chryssos „Der Bunker“.

– „Der Bunker“ (läuft übrigens am 11. März in Bremen innerhalb unserer Reihe „Weird Xperience“) hat es auch Oliver Nöding von Remember It For Later sehr angetan. Ferner gibt es hier noch einige Berichte vom 14. Hofbauer-Kongress, wo nach dem niederschmetternden „Die Spalte“ gleich der unbeschreibliche „Mädchen beim Frauenarzt“ des Namenspatrons gezeigt wurde. Und mit der John-Ford-Retro geht es auch weiter, u.a. mit „Up the River“ in dem Spencer Tracy seine erste Filmrolle und Humphrey Bogart seine erste Hauptrolle hatte.

– Noch einmal „Der Bunker“, diesmal empfohlen von Oliver Armknecht auf film-rezensionen.de. Des Weiteren im Fokus: „Anomalisa“, der neue Film von Charlie Kaufman, „eine gewöhnliche Geschichte um einen vom Leben gelangweilten Mannes mithilfe einer sehr ungewöhnlichen Stop-Motion-Technik“, die Oliver besonders gut gefallen hat.

– Weit weniger enthusiastisch, aber immer noch gut wird „Anomalisa“ von Ronny Dombrowski auf cinetastic.de besprochen.

– „The Lobster“ habe ich auf vielen Bestenlisten des Jahres 2015 gesehen und was Vitellone über den Film auf Die drei Muscheln schreibt, klingt danach, dass ich mir dieses surreale Werk des mit „Dogtooth“ bekannt gewordenen Griechen Yorgos Lanthimos unbedingt mal anschauen sollte.

– Auf Duoscope nähern sich Marco und Bianca aus zwei ganz unterschiedlichen Blickwinkeln dem Film „The Danish Girl“.

– Sonja Hartl interviewt auf B-Roll Amy Berg, die nun nach Kurt Cobain und Amy Winehouse eine Dokumentation über ein weiteres Mitglied des 27er-Clubs in die Kinos gebracht hat: Janis Joplin.  Leon Frisch schreibt anlässlich von „The Revenent“ über das Verhältnis Mensch/Natur im Film. Lucas Barwenczik sinnt auf wie gewohnt sehr lesenswerte Art und Weise über die Frage nach, ob es zu lange Filme gibt.

– Patrick Holzapfel stellt auf Jugend ohne Film den Filmemacher Sharunas Bartas vor.

– „Ich war noch nie an Lauheit interessiert. Das ist für mich gleichbedeutend mit Langeweile. Lieber versaue ich einen Film auf großartige Weise, als einen ’netten‘ Film zu machen“ sagt der französische Filmemacher Guillaume Nicloux im Interview mit Französischer Film.de

– Man kann die Welt ebenso in Chaplin- und Keaton-Menschen aufteilen, wie in Katzen- und Hunde-Menschen. Ich gehöre zu den Keaton-Menschen und habe darum fasziniert den Artikel von david auf Whoknows presents gelesen, der in dem unbekanntem Slapstick „A Sea Dog‘s Tale“ Spuren einer verworfenen Keaton-Idee gefunden hat.

– Volker Schönenberger setzt sich auf Die Nacht der lebenden Texte mit Tod Brownings Klassiker „Feaks“ auseinander.

– Schlombie konnte die mit bisher unbekannte, tschechische Westernparodie „Limonaden Joe“ nicht überzeugen. Ich bekomme jedoch bei seiner Review auf Schlombies Filmbesprechungen durchaus Lust drauf.

– Erinnerungen 1: symparanekronemo bespricht „Speed“, den ich seit seiner Kinoaufführung eigentlich gar nicht mehr so richtig wiedergesehen habe. Damals empfand ich den Film aber als höchst beeindruckende Actionrakete. Wäre spannend, was ich heute darüber denke.

– Dass „Gulag“ ein TV-Film war, wie ich jetzt bei funxton gelernt habe, wusste ich gar nicht, als ich den mit Freunden irgendwann in der zweiten Hälfte der 80er auf Video gesehen habe. Ich weiß aber noch, dass wir uns darunter eher etwas Härteres vorgestellt hatte. Immerhin: Ich kann mich heute noch daran erinnern, den damals auf VHS gesehen zu haben. Von daher…

– Erinnerungen 2: „Alienkiller“ von John McNaughton habe ich damals auch gesehen, auch wenn ich mich gar nicht mehr an die Handlung erinnern kann, sondern nur an das Gefühl, den gar nicht so schlecht gefunden zu haben, wie er damals nach „Henry“ aufgenommen habe. Heiko Hartmann von Allesglotzer hilft meinem Gedächtnis auf die Sprünge.

– Irgendjemand hat kürzlich die deutsche Lederhosen-Sex-Klamotte „Graf Dracula (beißt jetzt) in Oberbayern“ (mit Gianni Garko!!!) ziemlich verrissen. Totalschaden von Splattertrash ist etwas gnädiger. Beim grandiosen „Coffy -Die Wildkatze“ mit der furiosen Pam Grier gibt es dann aber keine zwei Meinungen.

– Alex Matzkeit hat auf real virtuality wieder interessante Links hauptsächlich aus der englischsprachigen Blogosphäre gesammelt.

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Blu-ray Rezension: „Es ist schwer ein Gott zu sein“

Veröffentlicht am 16. Januar 2016 von Marco Koch

schwergottDer Planet Arkanar ähnelt der Erde in der Zeit vor 800 Jahren. In der Erwartung, hier die Geburt einer Renaissance mitzuerleben, wird von der Erde eine Gruppe Wissenschaftler nach Arkanar geschickt. Sie geben sich als adlige Nachkommen lokaler Gottheiten aus und leben unerkannt unter den Einwohnern Arkanars. Ihre Aufgabe ist es, die dortige Entwicklung aufzuzeichnen und ihre Berichte zur Erde zu übertragen. Dabei dürfen sie aber niemals in das Geschehen eingreifen, sondern müssen unter allen Umständen passive Beobachter bleiben. Doch es kommt anders als gedacht. Die Mitglieder der Universität werden ermordet, die Renaissance findet nicht statt. Stattdessen werden die Bücherfreunde und Intellektuellen von den grauen Truppen verfolgt und niedergemetzelt. Dem als Don Rumata getarnten Wissenschaftler Anton (Leonid Yarmolnik) fällt es unter diesen Umständen immer schwerer, seine Neutralität zu wahren…

„Es ist schwer ein Gott zu sein“ gehört zu jenen Filmen, die einen erst einmal sprachlos, ja sprach-unfähig machen. Was soll man schreiben, wenn der Kopf noch vollgestopft ist mit Bildern, sich der Körper gerädert anfühlt und man nicht sagen kann, ob das Grummeln im Bauch nun die Begeisterung und das Unwohlsein ist. Aleksei German hat mit seinem letzten Film ein Monster geschaffen und wenn man prosaisch sein möchte – und sich ein wenig die Tatsachen zurechtbiegt – könnte man behaupten, es wäre ein Monster, welches ihn schließlich umgebracht hat. Seit dem Ende der 60er Jahre hatte German vor, die Geschichte der beiden russischen Science-Fiction-Autoren Arkadi und Boris Strugatzki zu verfilmen. Er hat dann in den 70ern und 80ern immer wieder neue Anläufe genommen, und immer wieder schien das Projekt kurz vor dem Beginn zu stehen, bis dann das Schicksal oder die Weltpolitik zuschlugen und die Pläne zunichte machten. Einmal war er sogar drauf und dran, Peter Fleischmann bei dessen Version der Geschichte abzulösen. Dann war es endlich soweit und wider allen Erwartungen konnte German mit der Verfilmung beginnen. Am Ende sollte es 7 lange Jahre dauern, bis die Arbeiten an dem Film abgeschlossen waren. German selber erlebte die Fertigstellung seines Filmes, die dann sein Ehefrau Svetlana Karmalita und sein Sohn Aleksei German Jr., übernahmen, nicht mehr. Er starb am 21. Februar 2013, nur knapp neun Monate vor der Weltpremiere seines Film auf dem Filmfestival in Rom.

Für den Zuschauer ist „Es ist schwer ein Gott zu sein“ kein einfacher Film, aber ein intensives Erlebnis. Drei stunden lang wartet man durch Dreck, Schleim, Blut und Scheiße. German hat eine Welt entworfen, die einerseits natürlich an das Mittelalter und die Darstellungen eines Pieter Breugel, dem Jüngeren oder Hieronymus Bosch erinnern, andererseits dem modernen Menschen so fremd erscheint, als wäre er tatsächlich auf einem fernen Planeten. Die Akribie mit der German zu Werke geht, seinen Film bis ins kleinste Detail kontrolliert und dabei eine ebenso realistische, wie abstoßende Welt kreiert, ist bewundernswert. Schön ist es nicht, was wir sehen. Gleich in der ersten Szene streckt uns jemand den nackten Arsch entgegen und entleert seinen Darm. Es wird gerotzt, gekotzt, geschissen, geblutet. Eingeweide kullern zu Boden, schleimiges Blut wird sich ins Gesicht geschmiert, hab verdautes ausgespien. Man fragt sich unwillkürlich was gewesen wäre, hätte German seinen Film nicht in betörendem schwarz-weiß, sondern in Farbe gedreht. Hätte man das ausgehalten? Oder sind es gerade die wunderbaren monochromen Bilder, die einem den Boden unter den Füssen wegziehen?

Die Menschen sind hässlich, voller Defekte. Man riecht den Gestank dieser Welt förmlich, als ob er aus dem Bildschirm kriechen würde. Das Gewusel der Menschen macht einen schwindelig. Immer wieder schauen Gesichter direkt in die Kamera, als würde sie überrascht und skeptisch auf den Zuschauer ins einem gemütlichen Heim blicken. Dies hat einen merkwürdigen, unangenehmen Effekt. Man fühlt sich nicht sicher, hat den Verdacht, die Menschen auf der anderen Seite des Bildschirmes könnten einen sehen, wollten mit einem interagieren. Etwas, was man im Angesicht der hier gezeigten Greuel unter keinen Umständen möchte. German schenkt uns nichts. Diese Welt ist grausam. Hinter der nächsten Ecke könnte schon der tödlich Axthieb oder die einen durchbohrenden Pfeile lauern. Zwischen den Figuren gibt es keine positiven Gefühle. Allein unser „Held“ Don Rumata scheint so etwas wie Zuneigung empfinden zu können. Doch es ist für ihn keine Erleichterung, sondern eine Qual.

Man liest überall, dass German keine Geschichte erzählen würde. Tatsächlich ist es extrem schwer, der Handlung zu folgen und zu verstehen, was vor sich geht. Obwohl scheinbar Fans der Autoren Strugatzki dem Film attestieren, die Handlung des Romans gut – wenn oftmals auch nur durch die Kenntnis der Vorlage erkennbar – wiederzugeben. Es spielt aber auch keine Rolle, ob man eine klar strukturierte, einfach zu verstehende Geschichte hat oder nicht. So ist Germans Film auch gar nicht konzipiert. Er wirft ein gerade dadurch, dass man nicht auf Anhieb alles versteht in die Rolle, die die Besucher von der Erde einnehmen. Man ist hier fremd, man versteht nicht was vorgeht. Man ist verwirrt, versucht an dem Wenigen, was man hat, Halt zu finden. Man torkelt mehr durch den Film, als dass man schreitet. Man fühlt, schmeckt, riecht ihn. Germans Film wird häufig mit denen Andrei Tarkovskys, speziell „Andrej Rubljow“ verglichen. Dieser Vergleich ist nicht ganz von der Hand zu weisen, doch viel mehr noch erinnert er an den großen Ungarn Bela Tarr, der mit seinen Filmen ebenfalls eine merkwürdige, bekannte – aber doch auch verstörend andere Realität erschuf. Der sich ebenfalls viel Zeit nimmt, den Zuschauer in diese Welt zu ziehen. Der, ebenso wie German, seine Film in schwarz-weiß und mit vielen sehr langen Plansequenzen erschafft. Wie bei Tarr ist man in „Es ist schwer ein Gott zu sein“ ganz, ganz nah dran an den Figuren, den Gesichtern. Den Leibern und der Bewegung.

German hat seinen Film als Gleichnis auf die heutigen Verhältnisse in Russland gesehen. Tatsächlich ist er eine Allegorie auf die heutigen Verhältnisse überall auf der Welt. Auf Missstände, die die Menschen schon seit Jahrhunderten begleiten. Und die Ohnmacht derer, die unter den Verhältnissen leiden und doch nichts ändern können. Obwohl sie vielleicht die Mittel dazu hätten – doch sie wissen, dass ein Übel immer nur wieder von einem andern abgelöst wird.

German hat seinen Film als Gleichnis auf die heutigen Verhältnisse in Russland gesehen. Tatsächlich ist er eine Allegorie auf die heutigen Verhältnisse überall auf der Welt. Auf Missstände, die die Menschen schon seit Jahrhunderten begleiten. Und die Ohnmacht derer, die unter den Verhältnissen leiden und doch nichts ändern können. Obwohl sie vielleicht die Mittel dazu hätten – doch sie wissen, dass ein Übel immer nur wieder von einem andern abgelöst wird.
Für die bei Bildstörung erschiene Blu-ray gibt es nur ein Wort: Perfekt. Wieder einmal hat Bildstörung seinen hervorragenden Ruf bestätigt und eine ultimative Fassung dieses Meisterwerks vorgelegt. Das Bild ist gestochen scharf, der wuchtige Ton liegt auf Russisch mit ausblendbaren deutschen Untertiteln vor. Da in einer der vielen Dokumentationen zum Film betont wird, wie wichtig German das Sounddesign und Sprache war, ist die Entscheidung, hier keine deutsche Synchronisation nachzuschieben, absolut nachvollziehbar. Auch das Bonusmaterial lässt keinerlei Wünsche offen. Neben einem hochinformativen und 40 Seiten starken Booklet von Anton Dolin platzt die beiliegen Bonus-DVD nur so vor hochwertigen Extras, die zusammen genommen die epische Länge des Hauptfilmes noch einmal schlagen. Neben einem filmbegleitenden Gespräch mit Barbara Wurm und Olaf Möller, finden sich hier folgende Dokumentationen: “Aleksei German” – Ein Interview von 1988 (45:18 Min.), “Jenseits der Kamera”, ein weiteres Interview mit Alexei German aus dem Jahr 2009 (51:59 Min.), “Germans Blutdruck ist heute 122/85”, quasi ein Making Of (42:41 Min.) und “Die Geschichte des Arkanar-Massakers”, hier liefert Daniel Bird einige Erklärungen und Hintergrundinfos zur Verfilmung und der Unterschiede gegenüber des zugrundeliegenden Romans (Englisch mit dt. UT, 27:14 Min.). Ferner gibt es noch Interviews mit der Drehbuchautorin und Witwe des Regisseurs Svetlana Karmalita (37:00 Min.), sowie Aleksei German Jr., dem Sohn des Regisseurs (9:35 Min.). Weiterhin gibt es noch den Kinotrailer zum Film und Bildergalerien.

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Das Bloggen der Anderen (11-01-16)

Veröffentlicht am 11. Januar 2016 von Marco Koch

bartonfink_type2– Dem Monat geschuldet finden sich in vielen Blogs die individuellen Jahresbesten-Listen. Tops und Flops, aber auch persönliche Highlights. Alex Matzkeit hat sich auf real virtuality die Mühe gemacht, die Besten-Listen von 50 Blogs (meiner war auch dabei, da fühle ich mich geehrt und sage Danke) auszuwerten und in eine Rangfolge zu bringen. Des Weiteren haben folgende Blogs das Jahr in Listen und Kommentare zusammengefasst: Michael Schleeh auf Schneeland (Top 20), Eskalierende Träume (alle 10 Redaktionsmitglieder haben ganz unterschiedlich lange, wortreiche Listen gepostet), Stefan Ertl auf new filmkritik (unkommentiert und ohne Rangfolge), David auf Whoknows presents (mit sehr ausführlichen, kommentierten Listen – und einem überraschenden Verriss für „It Follows“), Jan Noyer auf Der Kuleschow Effekt (Tops & Flops und Kommentierung), Thomas auf Schöner Denken (Top10 und die schönsten Filmmomente), symparanekronemoi (mit einem ausführlichen Rückblick), Die drei Cineasten (die Filmentdeckungen 2015 der Blogger) und Duoscope (mit einem Rückblick auf das Filmjahr 2015 in Dialogform) und film-rezenionen.de (kurz kommentierte Top 10 der vier Mitarbeiter).

– „The Guest“ hatte ich ja auf Platz 3 meiner eigene Top 10 der aktuellen Filme gepackt. Darum freue ich mich sehr, dass Adam Wingards Film auch bei Mauritia Mayer großen Anklang fand. Wie man auf Schattenlichter nachlesen kann.

– Am 8. November war Silvia Szymanski einen Tag lang bei KARACHO 1. Festival des Actionfilms in Nürnberg. Auf Hard Sensations hat sie darüber geschrieben.

– Ebenfalls in Nürnberg und von den gleichen Machern ist gerade der letzte Hofbauer-Kongress zu Ende gegangen. Oliver Nöding von Remember It For Later war da und hat sensationeller Weise scheinbar den ganzen Kongress über fast schon „live“ seine Besprechungen ins Netz gestellt. Welches breite Spektrum gezeigt wurde, sieht man an seinen Blogeinträgen: „Hörig bis zur letzten Sünde“, „Thriller: En grym film“, „Skandalöse Emanuelle – Die Lust am Zuschauen“, „Die spanische Fliege“ (von 1955) und „Das Spukschloss im Salzkammergut“.

– Bluntwolf schreibt auf Nischenkino über den Paul-Naschy-Film „Die Todeskralle des grausamen Wolfes“ und kommt völlig zurecht zu dem Schluss: „Vivat, Paul Naschy!“.

– Ich muss gestehen, dass ich mich bis heute nicht an „Astro-Zombies“ (dem Film) herangetraut habe, obwohl dieser doch quasi zum Kanon des sogenannten „Trashfilms“ gehört. Zu viel schlecht Schlechtes hatte ich über ihn gehört. Totalschadens recht wohlwollende Besprechung auf Splattertrash könnte mich aber doch schwach machen.

– Ich oute mich jetzt mal: Ich habe eine große Schwäche für Bollywood. Allerdings habe ich die Filmszene dort seit einigen Jahren vollkommen aus den Augen verloren. Vielleicht ist das auch ganz gut so, denn Dennis Basaldella empfiehlt in seinem lesenswerten Artikel auf B-Roll über das moderne Bollywood-Kino auch vor allem jene Filme, mit denen ich Bollywood-Fan geworden bin. Patrick Holzapfel widmet sich anlässlich von diCaprios Gesichtsbewachsung in „The Revenant“ dem Thema Bärte im Film.

– Auf Jugend ohne Film unternimmt Rainer Kienböck einen Streifzug durch das Genre der Screwball-Komödie und Claudia Siefen durch die Landschaften Eric Rohmers.

– Funxton empfiehlt auf seinem Blog den Neo-Western „Bone Tomahawk“ über den ich schon viel Gutes gehört habe: „Für Anthropologen und Ästheten somit eher ungeeignet, für jeden, der pures Genrekino schätzt, derweil eine Pflichtvorstellung.“

– Dank Christian Genzels Blog Wilsons Dachboden weiß ich jetzt, dass Anna Nicole Smith 1996 mal den Bruce Willis in einem „Stirb langsam“-Verschnitt gab. Wieder was gelernt.

– Schlombie ist auf Schlombies Filmbesprechungen von „Schock!“, einem 40er Jahre-Gruseler mit einem jungen Vincent Price, den der unterschätzte Alfred L. Werker gedreht hat, recht angetan.

– Ansgar Skulme stellt auf Die Nacht der lebenden Texte den Pre-Code-Schocker „Murders in the Zoo“ vor.

– Laut Carsten Happe auf Filmgazette, hat Genre-Liebling Álex de la Iglesia mit seiner Lobhuddelei „Messi“ seinen ersten schlechten Film abgeliefert. Ich bin überrascht. Klaus Kreimeier hat zwischenzeitlich zwei neue „magische Momente“ gefunden: In „Die durch die Hölle gehen“ und „Das unbekannte Gesicht“.

– Wo jetzt „Creed“ (Golden Globe für Stallone!) anläuft, haben YP und PD sich auf Film im Dialog noch einmal des ersten „Rocky“-Films angenommen.

– Unter dem Titel „Blickwinkelkritik“ findet man auf Daumenkino drei Kritiken zu dem Film “Underdog“ von Kornél Mundrusczó,

– Michael Schleeh hat fünf ganz unterschiedliche Kurzfilme gesehen und stellt diese auf Schneeland vor.

– Und Alex Matzkeit hat wieder auf real virtuality wieder Real Virtualinks aus der englischsprachigen Blogosphäre gesammelt.

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“Weird Xperience”: Freitag 8.1. im Lagerhaus/etage3 – FRANKENHOOKER

Veröffentlicht am 7. Januar 2016 von Marco Koch

Morgen, Freitag, den 8.1., präsentieren Stefan und ich wieder WEIRD XPERIENCE  im Lagerhaus. Diesmal zeigen wir die US-Splatter-Komödie „Frankenhooker“ von 1990.

Um allen Bremern und Buten-Bremer etwas Appetit zu machen, kopiere ich hier mal ganz frech Stefans Text zum Film rein, den er auf unserer Weird Xperience-Seite gepostet hat.

Am 8. Januar, 20:30 Uhr ist es wieder soweit, Weird Xperience ist in der Etage 3 und zeigt eine amerikanische Version des klassischen Frankenstein-Stoffs im Fun-Splatter-Style.

frankenhooker-resurrection3Der schüchterne Hobby-Chirurg John Franken verliert durch einen Unfall den einzigen Lichtblick in seinem Leben: Seine Verlobte Elizabeth. Nur ihren Kopf kann er retten. Die Lösung liegt nah, er lädt Prostituierte auf eine Party mit Versprechen auf Geld und prima Drogen. Die Drogen gibt es auch wirklich, doch lassen sie leider die anwesenden Frauen platzen. Aus den übriggebliebenen Teilen bastelt John sich einen Körper für seine Geliebte, doch die verhält sich anders als zuvor.

1990 war die Hochzeit des Fun-Splatters. Nachdem Mitte der 80er sich der todernste, immer härter werdende Splatter sich einerseits kaum noch selbst übertreffen konnte, andererseits im Mainstream („The Silence oft the Lambs“) angekommen war, versuchten ein paar Regisseure mit Humor und exploitativen Zugaben dem Genre neues Blut zu geben. Am bekanntesten sind hier wohl die Filme von Peter Jackson („Bad Taste“, „Meet the Feebles“, „Braindead“). Doch auch Frank Henenlotter schuff hier ein Exploit-Monster. Bekannt geworden durch seine bizarren Filme „Basket Case“ und „Brain Damage“ lässt er es bei „Frankenhooker“ richtig krachen. So verstand er sich auch nie als Horror-Filmer, sondern viel mehr als Exploitationsregisseur, da er mit diesen Mitteln seine Filme rauer und ein wenig gemeiner anlegen kann, um den Zuschauer anders zu reizen. Neben seinen Filmen kümmert er sich auf seinem eigenen Videolabel um unbekannte Roughies aus den Siebzigern.

frankenhhoker6In der Hauptrolle als moderner Doktor Frankenstein begeistert James Lorenz, der trotz seiner Ausstrahlung nie den großen Durchbruch schaffte, aber einige Filme durch seine Anwesenheit veredelte: STREET TRASH, LAST EXIT TO BROOKLYN, ROBOCOP 3, KING OF NEW YORK. Des Weiteren sehen wir in der zweiten Hauptrolle Patty Mullen, Penthouse Pet des Jahres 1988, die hier alles gibt, inklusive Fat Suit.

Wir freuen uns mit euch auf eine kleine Zeitreise in die unglaubliche Welt und Phantasien ins Jahr 1990. Deutscher Untertitel: „Verschraubt und vernagelt“

USA 1990, R: Frank Henenlotter, D: James Lorinz, Joanne Ritchie, Patty Mullen, J. J. Clark, Carissa Channing, Shirl Bernheim, 81 Min.

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#GratisJanuar – Filmproduktionsfirma „Radikal & Arrogant“ verschenkt Filme!

Veröffentlicht am 6. Januar 2016 von Marco Koch

Im Oktober 2014 haben Stefan und ich im Rahmen unserer Filmreihe Weird Xperience, damals noch im City 46, den tollen Film „Warum Hans Wagner den Sternenhimmel hasst“ gezeigt. Damals zu Gast war der sympathische Regisseur und Drehbuchautor dieses Werkes Lars Kokemüller aus Hamburg. Seitdem war der gute Lars mit seiner Produktionsfirma „Radikal & Arrogant“ nicht untätig und hat zwei weitere Filme fertiggestellt. Jetzt erreichte mich folgende Email:

Die Firma Radikal & Arrogant Filmproduktion UG (haftungsbeschränkt) wünscht Euch allen ein frohes und erfolgreiches, neues Jahr!

Wir haben beschlossen, das neue Jahr mit einem Knall zu starten: Ab sofort, bis 01. Februar, sind alle unsere Spielfilme im Rahmen unserer Aktion „Gratis Januar“ kostenlos auf Vimeo on Demand zu streamen!

Einfach den Aktionscode „gratisjanuar“ eingeben und vier außergewöhnliche Independentfilme genießen!

Wir hoffen, Euch allen mit dieser Aktion eine Freude machen zu können und freuen uns über Weiterverbreitung der frohen Botschaft, sowie Rezensionen und Kommentare bei Vimeo!

Folgende Filme kann man sich noch den ganzen Januar über kostenlos ansehen:

hanswagnerWARUM HANS WAGNER DEN STERNENHIMMEL HASST
https://vimeo.com/r/1E0C/cll5Q2laUE
„Warum Hans Wagner den Sternenhimmel hasst“ ist ein melancholisches Großstadt-Märchen zwischen krudem Humor und finsteren Horror-Kulten.
„Ein Film der auf den deutschen Film-Nachwuchs hoffen lässt!“ – Deadline

EMMA HAT FLÜGEL
https://vimeo.com/r/1E0E/cll5Q2laUE
Emma hat Flügel erzählt mit rauem Indie-Charme und melancholischem Humor vom Sommer in Hamburg, der undurchschaubaren Künstlerin Emma und den Unwegsamkeiten der Liebe.
„Bester Hamburger Underground“ – Hamburger Morgenpost

 

CORDELIAS KINDER
https://vimeo.com/r/1E0B/cll5Q2laUE
Cordelias Kinder ist ein kauziger Film, der mit düsterer Poesie von Horror und Alltag einer mörderischen Familie erzählt.
„(…)Erfrischend anders, mehr komisch als tragisch und mindestens doppelt so abgedreht!“ – Deadline

ZECKENKOMMANDO VS. CTHULHU
https://vimeo.com/r/1E1z/cll5Q2laUE
Eine abgefahrene Found-Footage-Punkrock-Komödie zwischen Slacker-Film voller Popkultur-Referenzen und Fantasy-Abenteuer.
„Punk ist eben nicht bloß Rockmusik mit Tätowierungen und cooleren Klamotten, sondern zum Beispiel auch das, was Zeckenkommando machen. Besser kann man es leider nicht beschreiben“ – Intro

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„Rettet die Schwedin!“ – Crowdfunding-Aufruf für die Rettung des Filmes „Der Perser und die Schwedin““

Veröffentlicht am 5. Januar 2016 von Marco Koch

Zum neuen Jahr soll man ja gute Vorsätze einhalten – oder wenn das zu schwer ist, jenes dann eben mit einer guten Tat beginnen. Dann entscheide ich mich mal für die zweite Möglichkeit und weise mit großer Freude auf eine Crowdfunding-Aktion für eine gute Sache hin.

Der legendäre Hofbauer-Kongresses, findet regelmäßig in Nürnberg stattfindet und lockt Kinoenthusiasten mit fast, und ganz, vergessenen, besonderen Zelluloid-Werke in die schöne fränkische Stadt, um sich in den heiligen Hallen des KommKinos gemeinsam in eine wunderbar merkwürdige Welt zu begeben, die Kino eben auch sein kann. Aus dem Dunstkreis dieser Kongresse stammt auch die Crowdfunding-Aktion, für die ich hier die Trommel rühren möchte. Denn die KommKino-Leute haben eine von scheinbar nur noch zwei existierenden Kopien des Films „Der Perser und die Schwedin“ in ihrem Fundus. Dieser Film sorgte offenbar auf einem der letzten Kongresse für solche Furore, dass sich das junge Label „Forgotten Film Entertainment“ sich diesem annehmen möchte. Denn eine der Kopien zeigt bereits rapide Auflösungserscheinungen. Doch eine Restauration und HD-Abtastung ist teuer und damit der Film der Nachwelt erhalten bleibt, brauchen sie unser Geld. Bei einer Spende von Euro 25,- tut man ein gutes Werk und bekommt gleichzeitig noch die – dann hoffentlich existente – DVD zugeschickt. Finden sich genug edle Spender, sind für die Euro 25,- sogar eine Blu-ray (sprich dann Mediabook) drin. Ich habe meinen Obolus bereits abgedrückt – jetzt seit ihr dran. Denn die Zeit tickt und noch fehlt ein ganzes Stück zum Glück.

Zum Crowdfunding (und noch mehr Infos) geht es HIER.

Noch ein paar Worte zum Film von Oliver Nöding:

„DER PERSER UND DIE SCHWEDIN ist mehr als nur ein Film: Er ist ein Mysterium ersten Ranges. Ein rätselhaftes, absolut einzigartiges, heute nahezu unerklärliches Werk voller Wunder und verschrobener Schönheit. Ein kultisches Artefakt einer längst vergangenen Epoche, das für immer in Vergessenheit zu geraten droht. DER PERSER UND DIE SCHWEDIN muss erhalten bleiben, um die Menschen auch weiterhin zu berühren und zu verzaubern. Und ihr könnt daran teilhaben.

DER PERSER UND DIE SCHWEDIN hat die Kraft, seinen Zuschauer umgehend zu Filmfans zu machen, so er denn noch keiner ist. Aber selbst einem mit allen Wassern gewaschenen Cineasten, der meint, alles schon gesehen zu haben, wird die entwaffnende Unschuld dieses Films ein zweites Mal die Augen öffnen. Wer angesichts der heute in sterilen Multiplexen dargebotenen Einfalt und der eigenen Abgebrühtheit der Erregung und Begeisterung seines ersten Kinobesuchs hinterhertrauert, findet hier sein Shangri-La.

DER PERSER UND DIE SCHWEDIN: Hinter dem etwas schmucklosen deutschen Titel verbergen sich lustvolle Assoziationen, erotische Versprechungen, ungezügelte Exotik, rauschhafte Entgleisungen und pralle, pochende Lust. Es ist der erste und wohl auch einzige Film des vollkommen unbekannten Iraners Akramzadeh, der es sich im Stile eines großen Künstlers auf heiliger Mission nicht nehmen ließ, auch das Drehbuch zu schreiben und die Hauptrolle zu spielen. Wir wissen heute nicht mehr, was er sich von diesem Werk versprach oder was er danach machte: Aber man spürt sofort, dass in dieses verträumte Herzensprojekt jeder Tropfen verfügbaren Bluts und Kleingelds hineingegossen wurde. DER PERSER UND DIE SCHWEDIN kann mit Fug und Recht als Magnum opus, als Lebens- und Meisterwerk bezeichnet werden. Akramzadeh schuf ein möglicherweise autobiografisch angehauchtes Sitten- und Liebesmelodram, einen im brodelnden London der frühen Sechzigerjahre angesiedelten Nachtschwärmerfilm, der das ganze emotionale Spektrum eines Lebens im Überschwang der wallenden Hormone einfängt. DER PERSER UND DIE SCHWEDIN bringt heimische Bildschirme zum tanzen.“

Und zu guter Letzt noch der Trailer:

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=LiZ-pwD2dYU[/youtube]

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Mein ganz persönlicher Jahresrückblick 2015

Veröffentlicht am 31. Dezember 2015 von Marco Koch

2015 geht langsam, aber sicher, seinem Ende entgegen. Endlich, möchte ich ausrufen, denn 2015 war für mich kein gutes Jahr. Ganz im Gegenteil. Viele Dinge, die mein Leben seit vielen Jahren prägten, haben ein abruptes Ende gefunden. Und dies leider nicht nur gegen meinen Wunsch, sondern auch aus heiterem Himmel. Noch weiß ich nicht, wie es 2016 weitergehen soll. Ich hoffe einfach, dass sich meine Regel bestätigt und nach einem schlechten ungeraden Jahr, ein gutes gerades Jahr folgt. Auf jeden Fall wird 2016 ein Jahr der Neuanfänge und Veränderungen. Aber ich habe meine Familie, die mich stärkt, und deshalb bin ich sicher, dass ich irgendwann auf dieses verdammt schwere Jahr zurückblicke und sage: Es sollte wohl alles so sein.

Dass mich die ganzen Einschläge Kraft gekostet haben, wird der ein oder andere Leser wohl daran gemerkt haben, dass ich mir öfter mal Auszeiten vom Bloggen gegönnt habe. Und ich irgendwann auch die O-Ton-Rubrik eingestellt habe, weil mir Stress und Ärger im Beruf keine Zeit mehr gegönnt haben, eine regelmäßige, arbeitsintensive Kolumne zu führen. Auch „Das Bloggen der Anderen“ hat ein ums andere Mal darunter gelitten. Was mich besonders ärgert ist es aber, dass ich Bremen so stark vernachlässigt habe. Ich habe kaum Events angekündigt, sogar die eigenen oftmals viel zu spät nachgeschoben. Dabei sollte dies doch der Kern eines Blogs sein, der sich „Filmforum Bremen“ nennt. Hier muss ich schauen, dass ich im nächsten Jahr eine besser Balance finde.

Dafür habe ich dieses Jahr so viele Filmbücher wie noch nie besprochen. Mit dem Nebeneffekt, dass ich 2015 auch gar nichts anderes mehr gelesen habe. Auch hier muss ich schauen, dass ich das etwas zurückfahre, um auch mal wieder Zeit für andere literarische Interessen zu haben. Na ja, zwei Bücher liegen hier noch, danach sollte es aber erst einmal eine Pause geben.

Schaue ich zurück, was ich vor einem Jahr an dieser Stelle geschrieben habe, dann steht da: „Ich möchte hier ein paar mehr Interviews unterbringen.“. Daraus ist leider nichts geworden. Zwar habe ich ein-zwei Anläufe gestartet, aber das ist irgendwie im Sande verlaufen, und dann hatte ich auch die Lust verloren. Mal schauen, ob da 2016 dann was kommt.

Außerdem schrieb ich: „Generell hoffe ich auch, dass ich 2015 auch etwas mehr Schreibarbeit jenseits des Blogs unter die Leute bringen kann. Vor allem würde ich hier gerne wieder im Bereich „Gedrucktes“ etwas machen.“ Das hat sehr gut geklappt. Ich habe regelmäßig lange Artikel in dem Print-Magazin „35 Millimeter – Das Retro-Filmmagazin“ unterbringen dürfen und bin dort mittlerweile auch in den Kreis der redaktionellen Mitarbeiter geholt worden. Was zwar ein Haufen Mehrarbeit zum Bloggen darstellt, aber auch Freude macht. Ferner habe ich gerade zwei Beiträge für ein Buch fertiggestellt, welches im nächsten Jahr erscheinen soll. Und bin in zwei weitere Buchprojekte aus dem selben Haus involviert. Dieser Vorsatz ist also in Erfüllung gegangen, worüber ich mich wirklich sehr, sehr freue.

Was mich auch sehr glücklich gemacht hat, war unsere Filmveranstaltung „Weird Xperience“ in diesem Jahr. Nicht nur haben wir in der etage 3/Kulturzentrum Lagerhaus eine neue Heimat gefunden, wo wir sehr freundlich und mit vielen Freiheiten aufgenommen wurden, sondern wir waren auch beim Open-Air-Kino am Schlachthof aktiv, wo wir so viele Zuschauer wie noch nie begrüßen konnten, und ebenfalls mit sehr netten und sympathischen Menschen zu tun hatten. Einziger Wermutstropfen war das „Obscure Filmfestival“ im City 46, wo wir es trotz eines tollen Filmprogramms nicht geschafft habe, die Menschen ins Kino zu locken. Bremen ist eben für außergewöhnliche Filme ein verdammt hartes Pflaster und wenn dann noch draußen der Sommer ausbricht, hat man schlechte Karten. Mein Dank geht an dieser Stelle auch noch einmal an meinen großartigen Mitstreiter Stefan!

Meine zwei cineastischen Höhepunkte im Jahr waren wieder das Internationale Filmfest in Oldenburg und das Deliria-Italiano-Forentreffen. Während Oldenburg mir diesmal irgendwie unspektakulär und kühl vorkam (was vielleicht auch daran lag, dass es genau in einer extrem stressigen und frustrierenden Phase auf meiner Arbeit lag, und es mir einfach nicht gelang, richtig abzuschalten), war das Forentreffen, welches in diesem Jahr in Wien stattfand, mal wieder ein Traum. Hervorragende Filme, supernette Leute, viel Spaß, tolle Gespräche und alles wieder viel zu schnell vorbei. Dazu noch eine umwerfende Stadt, die ich das erste Mal richtig besucht habe. Perfekt.

Was meinen Filmkonsum angeht, war dieser in diesem Jahr so niedrig, wie nie zuvor. Meine bisherige Tiefmarke aus dem letzten Jahr, habe ich noch einmal um 14 Filme unterboten und komme nur noch auf magere 132. Das ist weit weniger als die Hälfte von dem, was ich noch vor fünf Jahren in einem Jahr angeschaut habe. Bedenkt man allerdings den Stress und Ärger, den dieses Jahr bot, dann wundert es mich nicht so sehr. Entsprechend „dünn“ fällt dieses Jahr auch meine Top10 aus. Hier unterscheide ich in diesmal wieder zwischen aktuellen und älteren Filmen. Bei den aktuellen Filmen habe ich mal alles rein geworfen, was 2014 und 2015 produziert wurde, ohne nachzuprüfen, ob der Film auch erst 2015 seine Deutschland-Premiere hatte. Im Kino erlebte Filme kommen dabei fast gar nicht vor, da ich es – Festivals außen vor – nur ganze 3x ins Kino geschafft habe. Ja, ich schäme ich. Auch das muss nächstes Jahr anders werden.

Top 10 aktuelle Filme (Produktionsjahr 2014/2015)

 

1. Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015)
2. Ich seh, ich seh (Severin Fiala & Veronika Franz, 2014)
3. The Guest (Adam Wingard, 2014) – meine Kritik
4. Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (Alejandro González Iñárritu, 2014)
5. Young Ones (Jake Paltrow, 2014) – meine Kritik
6. The Voices (Marjane Satrapi, 2014) – meine Kritik
7. Dixieland (Hank Bedford, 2015) – meine Kritik
8. Spectre (Sam Mendes, 2015)
9. Among the Living (Alexandre Bustillo & Julien Maury, 2014) – meine Kritik
10. German Angst (Jörg Buttgereit, Michal Kosakowski & Andreas Marschall, 2015)

Da ich Freunde habe, die meine Nr. 3, 4, 5, 8 und 9 so richtig, RICHTIG mistig finden, behaupte ich mal, das meine Liste in diesem Jahr durchaus kontrovers ausgefallen ist. Kann ich aber gut mit leben. Ich habe halt auch nicht viel gesehen.

Top 10 ältere Filme (nur Erstsichtungen)

LoveExposuresiesindverdammtMiami_Blues

1. Love Exposure (Shion Sono, 2008) – meine Kritik
2. Sie sind verdammt (Joseph Losey, 1963) – meine Kritik
3. Miami Blues (George Armitage, 1990) – meine Kritik
4. Der Tod weint rote Tränen (Hélène Cattet & Bruno Forzani, 2013)
5. On the Job (Erik Matti, 2013) – meine Kritik
6. Tag ohne Ende (Anthony Mann, 1957)
7. Coherence (James Ward Byrkit, 2013) – meine Kritik
8. Only Lovers Left Alive (Jim Jarmusch, 2013)
9. Von Pferden und Menschen (Benedikt Erlingsson, 2013) – meine Kritik
10. Welt am Draht (Rainer Werner Fassbinder, 1973)

Die mochte ich alle sehr gerne. Weitaus mehr, als viele der Filme in der „Top10 aktuelle Filme“-Liste. Und ich bin gerade selber ziemlich überrascht, dass die Hälfte aus 2013 ist. War wohl doch ein guter Jahrgang.

Ein „Worst of“ gibt es nicht, denn ich möchte das Jahr auf einer positiven Note enden lassen.

Das war es mit 2015. Ich strecke diesem Jahr den Mittelfinger entgegen und breite meine Arme aus, um 2016 in Empfang zu nehmen.

Ich wünsche allen meinen Lesern einen guten Rutsch ins neue Jahr!

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Filmbuch-Rezension: Christian Keßler “Der Schmelzmann in der Leichenmühle – Vierzig Gründe, den Trashfilm zu lieben“

Veröffentlicht am 30. Dezember 2015 von Marco Koch

schmelzmannRecht schnell hat Christian Keßler seinem erst vor einem Jahr erscheinen Buch „Wurmparade auf dem Zombiehof“ eine Fortsetzung folgen lassen. Das neue Werk trägt den Titel „Der Schmelzmann in der Leichenmühle“ und bietet dem geneigten Leser wiederum „40 Gründe, den Trashfilm zu lieben“. Dies stellt den Rezensenten vor ein kleines, wenn auch angenehmes Problem. Zum neuen Buch kann man im Grunde nur das wiederholen, was man schon zum ersten Band schrieb. Christian Keßler knüpft nahtlos an den zur Recht erfolgreichen Vorgänger an. Wieder hat er den Schlüssel zu einer ganz wunderbaren Filmwelt in der Tasche. Wieder sind seine Präsentationen manchmal schier unfassbarer Wunderwerke frei von dem galligen Zynismus, mit dem so mancher „Filmexperte“ über den sogenannten Trashfilm herziehen.

Wobei allein ja schon in der Formulierung „Trashfilm“ eine spöttische und herabwürdigende Distanz zu den vorgestellten Filmen steckt. Nicht so bei Keßler, aus denen Zeilen eine aufrichtige Liebe für das Nicht-perfekte, das Buckelige und den riesigen Enthusiasmus der Filmemacher spricht. Dass das Wort „Trash“ trotzdem im Titel auftaucht, hat nur etwas mit einer besseren Vermarktung zu tun. Keßler selber distanziert sich ganz klar davon. Aber wenn es dem Propheten nutzt, mit diesem hässlichen Wort seine Botschaft der Filmliebe unter ein ansonsten vielleicht ignorantes Volk zu streuen – dann bitte.

Liest man die Texte, fühlt man sich gleich gleich wieder in eine andere, vielleicht sogar besser, Welt versetzt. Wem es nicht hinter den Augen juckt, jetzt unbedingt und gleich „Deafula“, den einizgen Vampirfilme von und für Taubstumme, sehen zu wollen, bei dem ist wahrscheinlich sowieso Hopfen und Malz verloren. Der soll ruhig weiter „Transformers“-Materialschlachten ansehen und bei „Sharknado 3“ so richtig volle Kanne ablachen. Alle anderen werden aber vom Zauber einer „Lady Terminator“ oder dem Charme der „2000 Maniacs“ gefangen werden.

Mich freut diesmal besonders, dass sich Keßler auch einiger Lieblingsfilme von mir angenommen hat, die ich bereits im Rahmen unserer Bremer Filmreihe „Weird Xperience“ auf der großen Leinwand zeigen durfte. So den gottgleichen „Die Satansweiber von Titfield“ und dem einzigartigen „Das Stundenhotel von St. Pauli“, das ich sehr in mein Herz geschlossen habe. Aber auch andere, völlig zu unrecht kaum bekannte Filme, werden von Keßler ans Tageslicht gebracht. Wie der schier unglaubliche „Thundercrack!“ und der einfach unfassbare „Terrorgang“. So könnte es jetzt noch seitenweise weitergehen, doch es soll auch nicht unterschlagen werden, dass Christian Keßler in diesem Buch – stärker noch als im Vorgänger – um die Filme kleine Geschichten baut, die einiges über seine Sicht auf die Welt und die Missstände in denen wir leben müssen erzählt. Die Welt ist nicht immer schön und gerecht, auch diese traurige Erkenntnis schmuggelt Keßler in sein Buch. Dass er dabei aber trotzdemimmer einen positiven Grundton beibehält und nie aufsteckt, das verbindet ihn mit vielen der Filmemacher, deren Filme er uns hier ans Herz legt.

Kurzum, wer „Wurmparade auf dem Zombiehof“ verschlungen hat und Christian Keßlers legendären Artikel in der leider eingestellten „Splatting Image“ vermisst, der sollte jetzt sofort und ohne schuldhaftes Zögern den „Schmelzmann“ bestellen. Wer beides nicht kennt, sollte sich zumindest einmal im Leben auf eine wilde und exotische Reise durch die Welt der obskuren Filme einlassen. Vielleicht wird er ja angefixt und schaut dann, wie man an „Incubus“, diesen auf Esperanto gedrehten Film mit William „Cpatain Kirk“ Shatner, heran kommt. Das würde ich mir jedenfalls wünschen. Ebenso, wie einen Auftritt Keßlers in seiner Heimatstadt Bremen. Weihnachten ist ja gerade vorbei, vielleicht klappt es da noch mit den Wünschen.

Christian Keßler “Der Schmelzmann in der Leichenmühle – Vierzig Gründe, den Trashfilm zu lieben“, Martin Schmitz Verlag, 300 Seiten, € 18,80

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Blu-ray Rezension: „Ich seh, ich seh“

Veröffentlicht am 29. Dezember 2015 von Marco Koch

ichsehichsehDie 10-jährigen Zwillinge Lukas und Elias (Lukas und Elias Schwarz) leben zurückgezogen in einer modernen Villa am Waldrand. Als ihre Mutter (Susanne Wuest) eines Tages von einem längeren Krankenhausaufenthalt zurückkehrt, ist ihr Gesicht aufgrund chirurgischer Eingriffe bandagiert. Den Zwillingen fällt auf, dass sich die vormals so liebende Mutter nun herrisch und fremd verhält. Immer mehr reift in ihnen die Erkenntnis, das die Frau, die dort in ihr Haus gekommen ist, gar nicht ihre Mutter ist, sondern eine Fremde. Nun setzen die beiden Jungen alles daran herauszufinden: „Wo ist die Mama?“.

Es ist schon erstaunlich, was in den letzten beiden Jahren aus unserem Nachbarland Österreich an guter Genre-Ware kam. „Blutgletscher„, „Das finstere Tal„, „Autumn Blood“ und aktuell „Ich seh, ich seh„. Und dass die Österreicher dann noch einen düsteren Horrorthriller zum diesjährigen Oscar-Kandidaten küren, wundert nur diejenigen, die das deutsche „Auf Nummer sicher“ gewohnt sind. Wobei hier nicht angedeutet werden soll, dass es sich hier um eine „Welle“ handelt. Aus Österreich kamen in den letzten Jahrzehnten immer wieder Filme, die ihren deutschen Pendant an Wagemut, an brutaler Ehrlichkeit und menschlichen Abgründen weit überlegen waren. Und Filmemacher, die ihren eigenen, nicht immer geraden, aber gnadenlos konsequenten Weg gehen. Natürlich Michael Haneke, dessen frühen österreichischen Filme wie „Der siebente Kontinent“ wie gezielten Schläge in die Magengrube wirkten. Der großartige Michael Glawogger, der zwischen Dokumentation und Spielfilm mühelos hin- und her wechselt und dabei ein in sich geschlossenes Werk schuf. Eddy Saller und Peter Patzak müssen ebenso genannt werden, wie Franz Novotny und Wolfgang Murnberger. Und selbstverständlich auch Ulrich Seidl, der bei „Ich seh, ich seh“ als Produzent fungiert. Was kein Wunder ist, da Regisseurin Veronika Franz mit ihm verheiratet ist und bei zahlreichen seiner Filme in unterschiedlichen Funktionen tätig war. Was man dem Film durchaus ansieht, da er ähnlich streng komponiert ist wie Seidls Werke, ebenfalls auf Laien zurückgreift und eine merkwürdig, steril-beunruhigende Atmosphäre aufbaut.

Zusammen mit ihrem Co-Regisseur Severin Fiala hat Veronika Franz einen Film geschaffen, der auf unterschiedliche Arten lesbar ist. Die Überforderung der Eltern durch die Kinder, die ihnen den Raum und die Luft zum Leben nehmen. Die Gleichgültigkeit der Eltern gegenüber den emotionalen Bedürfnissen der Kinder. Die unheilvolle Mischung aus beiden, wenn zwei Welten aufeinander prallen, die sich nicht verstehen, aber aufeinander angewiesen sind. Allein durch diese Szenarien wird bereits der blanke Horror erzeugt. Franz und Fiala sind allerdings so klug, sich nicht auf eine Lesart festzulegen, ihre Zuschauer belehren zu wollen, oder eine bestimmt Bedeutung in ihren Film hinein zu prügeln. Im Gegenteil, kommentieren sie nichts und verzichten auch darauf, den Zuschauer durch billige „Kaninchen aus dem Hut“-Tricks zu unterfordern. Die „Pointe“ ist bereits in den ersten Bildern evident. Und wird in der Folge auch gar nicht kaschiert, um am Ende zu zeigen, wie clever man doch sein Drehbuch gestrickt hat. Die Überraschung ist keine und das Wissen um das „Geheimnis“ der Zwillinge macht die Geschichte nur noch verstörender – und auch spannender. Die Hoffnung auf einen guten Ausgang der Geschichte schwindet durch dieses Wissen von den ersten Minuten an immer mehr.

Denn neben den intelligenten Deutungsmöglichkeiten sollte man nicht vergessen, dass Fiala und Franz auch einen guten und spannenden Genrefilm gedreht haben, der auch oberflächlich und ohne den allegorischen Unterbau hervorragend funktioniert. Dazu tragen auch die hervorragenden Hauptdarsteller bei, die den Film als Drei-Personen-Stück tragen. Neben den (realen) Zwillingen Lukas und Elias Schwarz, die hier erstmals vor der Kamera stehen, ist dies natürlich die großartige Susanne Wuest, die nicht nur eine physisch herausfordernde Rolle hat, sondern sich auch die erste Hälfte des Filmes hinter Bandagen verstecken muss und nur mit den Augen und den Körper agieren kann. Wenn die Bandagen fallen, ist es ihr ausdrucksstarkes, schönes und doch auch irgendwo seltsamen Gesicht, welches den Verdacht, die Frau im Haus könnte nicht die geliebte Mutter sein, durchaus anfeuert. Aber wie erwähnt, ist „Ich seh, ich seh“ kein Film, der von einem clever konstruierten Geheimnissen lebt. Diese werden dann auch eher nebenbei aufgelöst und man meint die Macher im Hintergrund: „Aber das war doch eh klar, oder?“ flüstern zu hören. Zu diesem Zeitpunkt interessieren diese Enthüllungen auch gar nicht mehr, weil man schon zu tief in den Strudel aus Trauer, Wut und die Unfähigkeit beides aufzulösen hingezogen wurde. Fiala und Franz ergreifen auch keine Partei und auch der Zuschauer wird hin und her gerissen, da beide Seiten gute und nachvollziehbare Gründe so zu handeln, wie sie es tun. Und das macht einen ebenso hilflos wie traurig. Fiala und Franz ersparen ihren Zuschauer nichts. Die Gewaltdarstellungen sind extrem unangenehm und geht Richtung „Audition„. Obwohl ich in einer Szene gar nicht richtig erkennen konnte, was genau vor sich geht, reichten doch die Andeutungen aus, das Kopfkino soweit anzuheizen, dass ich wegschauen musste. Man darf gespannt sein, welche Chancen „Ich seh, ich seh“ bei den Oscars 2016 hat. Wir schicken mit „Im Labyrinth des Schweigens“ mal wieder eine Geschichts-Aufbereitung und was mit Nazis. Wie gehabt. Felix Austria.

Der österreichischer Horror-Thriller von Severin Fiala und Veronika Franz bietet mehrere Lesarten an, ohne den Zuschauer im Nacken zu packen und auf das Offensichtliche zu stoßen. Der „große Plottwist“ ist dann auch keiner, sondern es ist von Anfang an klar, was los ist. Das macht aber gar nichts, weil es die Geschichte noch verstörender macht, als wenn die „Pointe“ wie ein Kaninchen aus dem Hut gezaubert würde. Der Gewaltlevel ist extrem unangenehm und geht Richtung „Audition“. Ein packender Film und zu recht Österreichs Oscar-Kandidat.

Das Bild der Blu-ray (der Film wurde in „glorious 35mm“ gefilmt) ist sehr gut. Gestochen scharf ohne dabei digital und leblos zu wirken. Die durchkomponierten Bilder des grandiosen Kameramann Martin Gschlacht erhalten so den würdigen Rahmen. Die Tonspur ist klar und sehr frontlastig. Auf Toneffekte wird fast gänzlich verzichtet. Erfreulicherweise werden deutsche Untertitel mitgeliefert, denn manchmal ist das österreichisch für norddeutsche Ohren schwer zu verstehen. Die Extras sind eher Durchschnitt. die knapp acht Minuten „Deleted Scences“ bringen keinen wesentlichen Erkenntnisgewinn. Das Making Of ist ein B-Roll, welches das Team vor allem bei der Ausführung der Effekte zeigt. Das Casting-Tape der Zwillinge ist nett anzusehen, aber nicht mehr. Dafür ist das knapp 13-minütige Interview mit den beiden sympathischen Filmemachern Severin Fiala und Veronika Franz sehr interessant. Und wenn Veronika Franz dann auf die Frage nach ihren Vorbildern zuerst Dario Argento nennt, dann von Nicolas Roeg schwärmt und am Ende noch Jess Franco erwähnt – dann möchte man sie gleich in den Arm nehmen.

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