„35 Millimeter“-Magazin: Ausgabe 47 (nicht mehr) erhältlich – aber kleiner Trost

Kurz nachgereicht. Die 47. Ausgabe des „35 Millimeter – Das Retro-Filmmagazin“ mit dem Titelthema „Circus & Sideshow“ ist direkt nach ihrer Veröffentlichung ausverkauft gewesen. Beim Verlag ist sie nicht mehr zu beziehen. Vielleicht wird man mit etwas Glück bei eBay und Konsorten fündig. Auch nicht schlecht. Ich hatte in der Ausgabe anhand ausgewählter Beispiele über Hellseher und Wahrsager im Film geschrieben, was mir viel Freude bereitet hat. Da Zirkus nicht zu meinen favorisierten Freizeitbeschäftigungen zählt, bin ich da auch nicht besonders gut im Thema. Weshalb es für mich sehr spannend war, die Beiträge der Kollegen zum Thema zu lesen.

Wer ich nun ärgert nicht zum Zuge gekommen zu sein, aber gerne eine aktuelle 35MM bestellen möchte, der/die sei mit dem „Best-Of“-Heft X-MAS-EDITION vertröstet. Hier wurden alle bisher in der 35MM zum Thema Weihnachten erschienen Artikel gebündelt. Darunter mein Plädoyer für „Santa Claus Conquers the Martians“ aus der Doppel-Nummer 24/25. Für nur Euro 2,90 kann man die X-MAS-EDITION hier erhalten

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Bericht vom 29. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 3

Kulturetage

Mein dritter und letzter Tag beim 29. Internationalen Filmfest Oldenburg war dann der Tag der Überraschungen. Allzu hohe Erwartungen hatte ich an keinen der drei Filme, die ich mir ausgesucht hatte. Lediglich auf „The Gravity” war ich (und das auch noch aus den falschen Gründen, wie ich später noch ausführen werde) gespannt. Doch weiter gefehlt. Unterhaltsam waren sie alle drei und vor allem „Alma Viva“ vermochte mich sehr begeisterten.

Los ging es wieder im Casablanca 2, wo mich ein französischer Film mit Sophie Marceau erwartete. Der dann auch relativ viel Publikum zog.

A Woman
Inhalt: „Juliane Verbeck ist Polizistin in Paris – eine kühle, klardenkende Frau, die ihren Job so gut beherrscht, dass sie es nebenbei sogar schafft, erfolgreiche Bücher zu schreiben. Doch obwohl sie in der Lage ist, Fälle von rein beruflicher Natur schnell aufzuklären, ist ihr die Untreue ihres Ehemannes lange Zeit entgangen. Nachdem sie aber angefangen hat, dessen Spur aufzunehmen, gibt es für sie kein Halten mehr. Aus der gesetzeskonformen Polizistin wird ein mörderischer Racheengel.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

Natürlich ist „A Woman“ ein hochkonstruierter Film. Da ist die Hauptfigur nicht nur erfolgreiche Romanautorin, sondern auch gleich Kommissarin bei der Mordkommission. Und selbstverständlich wohnt sie nicht irgendwo, sondern gleich in einer beeindruckenden Villa mit riesigem Garten. Und man hat noch ein geräumiges Apartment in der Mitte von Paris. Woher kommt der Reichtum? Vom Ehemann, der Luxusobjekte vermarkelt? Wie man sieht: „A Woman“ spielt nicht unbedingt in der realen Welt, auch wenn er so tut. Dementsprechend hinterfragt man dann aber auch nicht die drastischen Reaktionen, die die Untreue des Ehemannes bei Juliane hervorrufen. Akzeptiert man diese artifizielle Filmwelt der Schönen und Reichen (wie man sie ja auch aus den Filmen Chabrols kennt, der hier möglicherweise Pate stand), kann man sich aber zurücklehnen und sich von der abstrusen Handlung unterhalten lassen. Diese lebt von der souveränen Darstellung Sophie Marceaus, die im Alter eine gewisse Ähnlichkeit mit Charlotte Gainsbourgh entwickelt, die hier auch gut gepasst hätte.

Die Handlung schlägt dann mal hier, dann dort ein wenig über die Stränge und Regisseur Jean-Paul Civeyrac packt immer mehr in den Film, als diesem eigentlich guttuen würde. Da kommt plötzlich ein Mutter und ihre Tochter zusammen mit ihrem prügelnden und vielleicht auch missbrauchenden Ehemann aus dem Nichts ins Spiel, und das Ende erinnert an einen Exploitationfilm der 70er. Das alles ist sehr professionell gefilmt und macht auch Spaß, wenn man das alles nicht zu ernst nimmt. Interessanterweise ist „A Woman“ einer der ganz wenigen Filme des Festivals, in dem die Corona-Pandemie thematisiert wird. Wobei die Maskenpflicht sehr inkonsequent und unlogisch gezeigt wird. Da wird sich die Maske aufgesetzt, wenn mit einer Zeugin gesprochen wird, aber gleich wieder abgesetzt, wenn man inmitten der Kollegen steht. Da die Pandemie aber auch so immer wieder angesprochen wird, kann man mit viel guten Willen „A Woman“ auch als Metapher darauf sehen: Nach einem unvorhergesehen, nicht selbst verschuldeten Ereignis, wird das Leben nie wieder so sein wird, wie zuvor. Muss man aber nicht.

Danach verabschiedete ich mich für dieses Jahr aus dem Casablanca und lief zum Theaterhof zurück. Dem ich an dieser Stelle ein dickes Kompliment aussprechen muss. Der Theaterhof war in den Jahren zuvor nie meine Lieblingsspielstätte des Festivals gewesen. Eher im Gegenteil. Und auch in diesem Jahr hatte ich mich eigentlich bemüht, den Theaterhof zu meiden. Weshalb? Weil die Projektion dort immer suboptimal war. Viel zu blass und mit etwas zu wenig Kontrast. Ganz anders dieses Jahr. Hier wurde anscheinend in einen richtig guten Projektor investiert. Die Probleme der vergangenen Jahre waren Vergangenheit, das Bild knackig scharf mit intensiven Farben und knackigen Schwarztönen. Ganz wunderbar. So macht Kino Spaß.

Alma Viva
Inhalt: „Ein kleines Dorf in den portugiesischen Bergen. Eine tote Großmutter. Und die Entdeckung ihrer übersinnlichen Fähigkeiten. Was als normale Sommerferien begonnen hat, wird für Salomé zu einer Reise in die Vergangenheit. Während ihre Verwandten die Beerdigung ihrer Großmutter planen, wird das Mädchen von ihrem Geist besucht. Ein beunruhigendes Vermächtnis, das Salomé vererbt wurde, denn die Großmutter galt im Dorf als Hexe.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

„Alma Viva“ war für mich die schönste Überraschung des Festivals. Befürchtet hatte ich einen sehr zähen, unspektakulären Familienfilm. Ein Familienfilm ist Alma Viva auch, aber was für einer. Einer in dem das Leben pocht und der ein solch vitales Bild einer Familie und der Dorfgemeinschaft zeichnet, dass man sich fast augenblicklich als Teil der sich streitenden, feiernden, hass-liebenden und dann doch füreinander einstehenden Familie fühlt. Die einzelnen Typen und die Darsteller sind so natürlich, dass man das Gefühl hat, sie alle gut zu kennen. Dazu wird dann noch eine gesunde Portion magischer Realismus mit in den Mix geworfen.

Erzählt wird die Geschichte durch die großen Augen der jungen Salomé, die nie Gefahr läuft „niedlich“ oder „keck“ zu sein, sondern wirklich „nur“ das Kind von nebenan ist, mit all seinen positiven und negativen Facetten. Nie fühlt sich der Film falsch an, nie gibt es falsche Sentimentalität. Nichts wird romantisiert. Und doch fühlt man sich zu diesen Leuten hingezogen. Das einzige, was man der französisch-portugiesischen Filmemacherin Cristèle Alves Meira vorwerfen könnte ist, dass sie ihr starkes Schlussbild dadurch schwächt, dass er den Abspann über die beeindruckende Landschaft laufen lässt, statt das letzte Bild einfach für sich stehen zu lassen.

Da der Sonntag beim Festfest immer davon geprägt ist, dass die Gäste schon abgereist sind und somit keine Q&A mehr stattfindet. Dadurch fangen die Filme aber auch immer pünktlich an und enden auch pünktlich. Sodass erstmals in drei Tagen auch genug Zeit blieb für das leibliche Wohl zu sorgen. Den Hinweg zum bekannten Dönerladen am Hauptbahnhof konnte ich noch trockenen Fußes zurücklegen, auf dem Rückweg schüttete es wieder so, dass ich völlig durchnässt wieder am Theaterhof ankam. Da ich aber noch genügend Zeit hatte, konnte ich mich in den bequemen „Kuschelecken“ im Foyer trocknen und einfach mal die freie Zeit genießen. Was in den letzten beiden Tagen nicht so oft vorgekommen war. Dann ging es in den letzten Film, der mich überraschenderweise wieder nach Frankreich brachte.

The Gravity
Inhalt: „In wenigen Tagen kommt es zu einem einmaligen Ereignis: Alle acht Planeten des Sonnensystems werden in einer Reihe stehen. Niemand weiß, wie sich das auf die Gravitation auswirken wird. Das Thema dominiert die Nachrichten. Während der Himmel über Frankreich sich bereits rot verfärbt, versuchen Daniel und sein Bruder Joshua, sich mit Drogenhandel in den Elendsvierteln von Paris über Wasser zu halten. Eine jüngere Generation aus dem Ghetto stört sich jedoch am Treiben der Beiden. Sie nennen sich die »Ronin« und beginnen eine harte Konkurrenz mit den beiden Brüdern – und sie sind besessen von der bevorstehenden Reihung der Planeten.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

Scheinbar hatte ich die Inhaltsangabe im Katalog des Festivals (die auch nicht ganz korrekt ist, bzw. die Schwerpunkte etwas verschiebt) zu diesen Film falsch gelesen oder mit einem anderen Film durcheinandergebracht, denn ich erwartete eine absurde amerikanische Komödie und war daher überrascht mich in einem französischen Film über das harte und Kriminalität geprägte Leben in den Betonburgen der Pariser Vorstadt wiederzufinden. Da spielt das Gimmick mit den sich in bald in einer gerade Linie befinden Planeten zunächst auch eher eine Nebenrolle, auch wenn die Konstellation und der sich zunehmend rot färbende Himmel immer wieder auf nahendes (kosmisches?) Unheil hinweist. Bis es aber dazu kommt (oder auch nicht), begleiten wir erst einmal den frisch entlassenen Sträfling Christophe dabei, wie er sich im Alleingang die Herrschaft über den mittlerweile von der mysteriösen und sehr jungen „Ronin“-Gang beherrschten Block wiederholen will. Daneben gibt es seinen alten Freund aus Kindertagen Daniel, der mittlerweile ein sportlich erfolgreicher Läufer geworden ist und aus dem Viertel fliehen will, sowie dessen seit einem tragischen Unfall an den Rollstuhl gefesselten Bruder Joshua.

Der Film konzentriert sich zunächst darauf, wie Christophe Pläne schmiedet, um sich „sein“ Viertel zurückzuholen und sein lukratives Drogenhandel wieder aufzunehmen. Und darauf, wie Daniel widerwillig seinem Bruder hilft, hinter dem Rücken der „Ronin“ als Kleindealer ein paar Euro zu machen, während er gleichzeitig seine Abreise mit Frau und Kind nach Kanada plant. Doch dann verliert der Film seine „Gravität“, die ihn zuvor geerdet hat. Die Ereignisse werden immer geheimnisvoller. Die Ronin, welche zuvor als eine Art Robin-Hood-Gang gezeichnet wurden, entpuppen sich plötzlich als Anhänger eines seltsamen Kults. Komplett mit unterirdisch-labyrinthischen Geheimorten, die die drei „Alten“ ihrer „Religion“ als Opfer darbieten wollen. Joshua ist ein genialer Erfinder, der seinen Rollstuhl in eine Transformers-ähnliche Waffe umfunktioniert hat. Daniel und Christophe sind brutale Kämpfer, die sich ihren blutigen Weg durch immer größer werdenden Reihen von Ronin pflügen müssen. An dieser Stelle hat „La Gravity“ dann die Milieu-Studie verlassen und sich in einen seltsamen Action-Horror-Hybrid unter dem roten Himmel der schicksalhaften Planetenkonstellation verwandelt. Das kann man bis zum mysteriösen Ende dann auch als Gleichnis lesen, dass es beinahe übermenschliche Kräfte braucht, die Anziehung des Ortes an dem man aufgewachsen ist und des Milieus zu dem man gehört zu entziehen.

Vielleicht übertreibt es Regisseur Cédric Ido auch mit seinen Metaphern und hätte sich auf die eine oder die andere Geschichte konzentrieren sollen. Andererseits ist das sanfte, fast unmerkliche Abgleiten in Chaos und Gewalt auch ausgesprochen spannend und mit einem immer mehr anziehenden Tempo in Szene gesetzt, sodass der Film auch ohne Metaebene recht gut als Mischung aus Milieu-Studie, Action und Horror funktioniert.

Damit endete „mein“ 29. Internationales Filmfest Oldenburg. Von den Filmen her war das wieder ein ganz hohes Niveau. Ausfälle gab es keine. Bis auf den eher mittelmäßigen „Chaguo“ bewegte sich alles zwischen gut und ausgezeichnet. Mein Kompliment an diejenigen, die für die Filmauswahl zuständig sind. Guter Job! Ich freue mich schon sehr auf die 30. Auflage und hoffe sehr, diese dann wenigstens ab und zu wieder in Begleitung erleben zu können. Das ist schon schöner. In diesem Sinne: Tschüss Oldenburg und bis zum nächsten Jahr!

 

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Bericht vom 29. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 2

Am meinem zweiten Tag des 29. Internationalen Filmfest Oldenburg rutschte ich von Bremen ohne Probleme nach Oldenburg durch und fand wieder einen Parkplatz ganz nah an dem Kino, indem ich meinen Samstag verbringen sollte: Dem Studio K in der Kulturetage. Heute liefen dann auch die Filme, an die ich im Vorfeld die höchsten Erwartungen gehabt hatte. Und um es vorweg zu nehmen: Ich wurde nicht enttäuscht.

Parsley
Inhalt: „Die junge Haitianerin Marie lebt mit ihrem dominikanischen Ehemann Frank im Jahr 1937 nahe der Grenze der Dominikanischen Republik zu Haiti. In der Nacht nach der Beerdigung ihrer Mutter werden sie von Schreien aus dem Dorf geweckt, Unruhe eskaliert in Gewalt und Panik. Frank verlässt die Hütte, um herauszufinden, dass etwas gestern noch Unfassbares geschieht. Die Regierung hat die sofortige Hinrichtung aller Haitianer auf dominikanischem Land angeordnet. Mit ihrer kleinen Schwester im Schlepptau flieht Marie in den Wald, um Frank zu finden. Im 9. Monat schwanger und ohne Versteck, muss sie im dichten Hinterland ums Überleben kämpfen und wird Zeugin der Gräueltaten eines kurzen, aber umso grausameren Genozids, vor dem es kein Entrinnen zu geben scheint.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

„Parsely“ erzählt von einer blutigen und unmenschlichen Episode in der Geschichte der beiden Nachbarstaaten Dominkanische Republik und Haiti. Eine Episode, die – wie José María Cabral in der Q&A erzählte – auch heute noch gerne totgeschwiegen wird und ihm viele Anfeindungen einbrachte, weil er sie mit seinem Film versuchte aufzuarbeiten. Der Film spielt in einer grausamen Nacht und wir folgen unserer hochschwangeren Protagonistin durch die Schrecken eines Genozids. Dabei gelingt Regisseur José María Cabral der Spagat, einerseits die Brutalität und die Auswirkungen der Gewalt zu zeigen, andererseits trotz durchaus harter Effekte die Drastik der Darstellung für ein typisches Festivalpublikum gerade noch erträglich zu halten. Zwar schnürt einem manches den Hals zu, aber die schlimmsten Szenen werden dann doch aus der Distanz gefilmt. Der Film lebt von der sehr guten Darstellung der Hauptdarstellerin Cyndie Lundy, welche die Marie wie betäubt durch eine immer unmenschlicher werdende Hölle stolpern lässt. Am Ende bereit, sich für die Freiheit ihres Ungeborenen selbst zu verstümmeln. Das eng auf 4:3 begrenzte Bild sorgt für eine permanent klaustrophobische Stimmung. Und Cabral weiß, wann und wie er seinen Film beenden muss. Ein Happy End kann es in einer solchen Welt nicht geben, aber einen Funken der Hoffnung möglicherweise schon. Ambivalent das letzte Bild, und die Geschichte gehen im Kopf des Zuschauers weiter.

José María Cabral, Cyndie Lundy

 

 

The Prank
Inhalt: „Ben braucht gute Noten, um ein Stipendium zu bekommen. Seine verwitwete Mutter Julie ist nicht in der Lage, das Schulgeld für ihn zu bezahlen. In der Schule droht seine Physiklehrerin Mrs. Wheeler damit, die gesamte Klasse durchfallen zu lassen, nachdem sie herausgefunden hat, dass jemand bei der Zwischenprüfung geschummelt hat. Frustriert schmieden Ben und sein bester Freund Tanner den Plan, Mrs. Wheeler online zu diskreditieren, indem sie ihre Lehrerin des Mordes an einem vermissten Schüler bezichtigen. Doch der »Prank« nimmt mehr Fahrt auf, als Ben und Tanner sich ausgemalt haben.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

Mit „The Prank“ ist Regisseurin Maureen Bharoocha ein wirklich schöner Film gelungen, der stark an Joe Dantes wunderbaren „Meine teuflischen Nachbarn“ erinnert. Vorgestellt als Highschool-Comedy-Hitchcock-Thriller, trifft der Film die Erwartungen. Wobei „Hitchcock“ dann doch etwas hochgegriffen ist, aber Bill Castle wäre auch eine schöne Referenz. Brillant ist die Besetzung des typischen, schlurfig-chaotischen Best-Buddy-Sidekick mal nicht mit einem Jungen, sondern einem Mädchen. Das bringt dieser eher stereotypen Rolle, die man so seit den 80ern unzählige Mal gesehen hat, tatsächlich eine völlig neue Qualität. Natürlich waren die Schauspieler, die diese Rollen verkörperten, immer schon die „Scene stealer“ gewesen. Interessanter und witziger als der nominelle Hauptdarsteller. Aber eben auch immer nie auf Augenhöhe, sondern „Mittel zu Zweck“. Der Nerd, der gut genug ist, die Probleme des „Normalen“ zu lösen, aber am Ende eben auch nur die zweite Geige spielen und allein nach Hause gehen darf. Der Nerd hat seine Schuldigkeit getan, der Nerd kann gehen.

Ganz anders hier. Tanner ist definitiv auf Augenhöhe mit Ben. Auch wenn Ben noch immer als Hauptfigur durchgeht, so ist Tanner weitaus mehr als die lustige Nebenrolle. Zwischen zwei Jungen hätte es so etwas wie eine Rangordnung gegeben, die hier durch die Besetzung von Tanner mit der wundervollen Ramona Young dankenswerterweise völlig fehlt. Was einem auch bezüglich Rollenklischees und typischen Geschlechterbildern zu denken gibt. Davon abgesehen, besitzt „The Prank“ aber auch eine höchst unterhaltsame Geschichte, die nebenbei einen klugen Kommentar zu Fake News und die Schnelllebigkeit der Sozialen Netzwerke abgibt. Das As im Ärmel ist natürlich Rita Moreno, die mit unglaublichen fast 90 Jahren sichtbar Freude an ihrer bösen Rolle hat und der die Spiellust förmlich aus den Augen sprüht. Da verzeiht man auch gerne eine paar Übertreibungen im letzten Akt. Aber das hat man ja bei dem oben erwähnten „Meine teuflischen Nachbarn“ auch getan.

Maureen Bharoocha

Moderatorin, Maureen Bharoocha, Produzent

Aberrance
Inhalt: „Erkhmee and Selenge ziehen in eine Hütte in der mongolischen Wildnis, um sich von dem stressigen Leben in der Großstadt zu erholen. Ihre Ehe ist mit Problemen befrachtet. Selenge hat Panikattacken, während Erkhmee beim Versuch sich um sie zu kümmern, sein gewalttätiges Temperament nicht im Zaum halten kann. Als ein neugieriger Nachbar sich einmischen will, setzt er eine Kettenreaktion in Bewegung.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

Bevor ich auf den Film selber bespreche, muss ich kurz auf ein Gespräch eingehen, welches ich leider hinter mir mitverfolgen musste. Da sprachen zwei (ältere, weiße Männer) darüber, was sie den jetzt in diesem mongolischen Film erwarten würde. Scheinbar hatte keiner von Beiden die Inhaltsangabe im Kopf. Uns so kreiste das Gespräch dann um Dschingis Khan, der ja nur bis Wien kam (ja, genau. Da ist wohl etwas durcheinander geraten..), die weite Steppe in der der Film wohl spielen würde plus die Vorstellung, dass die Leute da dann stundenlang durch laufen müssten. Alles mit einem „Hahaha, die Mongolen.. wollen auch Filme drehen. Na, das kann ja etwas werden“ im Unterton. Dann wurde sich noch über einen koreanischen Film im Festival unterhalten (es muss sich dabei um Park Chan-wooks (!) „Desicion to Leave“ aus Südkorea handeln, ein anderer südkoreanischer Film lief dort nicht). Auch hier ein: „Naja, die Koreaner wollen ja jetzt auch Filme drehen“. Eine Ignoranz, ein Kulturchauvinismus der wirklich weh tut. Das ist die Art von Publikum, die ich kenne, wenn irgendwo ein schönes Festival mit europäischen Genreklassiker der 70er und 80er läuft, und die Leute sich daran berauschen wollen, wie schlecht und „trashig“ doch diese alten Schinken sind. Hier hat das alles aber auch noch einmal eine ganz andere Qualität. Fürchterlich.

Ganz und gar nicht fürchterlich (in dem Sinne) war dann der mongolische Slasher/Thriller „.Aberrance“. Ein Erstlingswerk des begnadeten Kameramannes Baatar Batsukh, der vor zwei Jahren schon den nicht ganz so gelungen „The Steed“ in schöne Bilder kleidete. Hier nun tut er das, was ein Kameramann so tut, wenn ihm niemand mehr sagt, was er zu tun und zu lassen hat. Er experimentiert, jagt die ungewöhnliche Einstellung und birst förmlich vor kreativer Spielfreude. Und das muss man ihm hier zu Gute halten: Nie zum völligen Selbstzweck, sondern immer auch der Handlung verbunden. Hinzu kommt ein überwältigendes Sounddesign, wodurch der sichtbar preisgünstige „.Aberrance“ zu einem audio-visuellen Erlebnis wird. Die Story schlägt einige nette Haken, indem einige Genre-Stereotypen durchgespielt werden, um dann immer wieder einen anderen – nicht weniger stereotypischen, aber eben anderen – Weg einzuschlagen. So teilt sich der Film in drei unterschiedliche Thriller-Typen auf, um am Ende beim Slasher zu landen und letztendlich auf einer bitterbösen, zynischen Note zu enden. Das ist ausgesprochen kurzweilig, spannend und manchmal dann doch auch überraschend.

Solide Darsteller, blutige Effekte und vor allem das bereits angesprochene hochgelungene Bild-Ton-Design machen „.Aberrance“ eigentlich zu einem idealen Kandidaten für auf moderne Genre-Ware spezialisierte Labels wie Pierrot Le Fou, die ihren Kunden auch mal etwas „Exotisches“ bieten wollen. Wobei „Exotisch“ nicht so recht passt, da man diese Art von Film schon häufig gesehen hat (er hätte auch aus Frankreich oder Spanien stammen können), und man von der Mongolischen Landschaft nicht so viel zu sehen bekommt. Aber der Film ist sehr gut gemacht, macht Freude, und man kann schon sehr auf den nächsten Film des vielversprechenden Herrn Batsukh gespannt sein. Gerne wieder ein Genreausflug.

Moderator Buddy Giovinazzo, Produzentin, Baatar Batsukh, Produzent

Baatar Batsukh

Nach diesem sehr befriedigenden Festivaltag, überlegte ich noch kurz, ob ich nicht doch noch die Mitternachtsvorstellung im Theaterhof mitnehme und mir den deutschen „Subjekt 101“ – auf den ich eigentlich recht gespannt war – ansehen sollte. Doch dann gewann die Vernunft die Oberhand (mehr als drei Filme hintereinander schaffe ich kaum noch aufzunehmen, und die Aussicht später völlig übermüdet über die Autobahn zu juckeln fand ich auch nicht so prickelnd), und ich setzte mich ins Auto. Die Rückfahrt wann dann so unproblematisch und angenehm, dass ich mich selber wunderte, als ich recht flott wieder vor der eigenen Haustür stand.

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Bericht vom 29. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 1

So lange hatte ich mich auf die 29. Ausgabe des Internationalen Filmfest Oldenburg gefreut – und dann war sie plötzlich da. Für mich wieder ein Höhepunkt des Jahres. Und nach zwei harten Pandemie-Jahren strömten die Menschen dann wieder überraschend zahlreich in die Filmvorstellungen. Zwar waren bei meiner Ankunft am Freitagnachmittag noch Karten für alle Filme zu haben (das war in den Jahren vor der Pandemie eigentlich nie der Fall), doch im Vergleich zu den beiden Vorjahren waren die Vorstellungen gut besucht und auch in den jeweiligen Foyers der Kinos tummelte sich das Leben. Zwei Dinge waren für mich allerdings anders als sonst: Einmal war da das Wetter. Ein so schlechtes Wetter und solch einen heftigen Regen hatte ich meiner Erinnerung nach in Oldenburg zu Filmfest-Zeiten noch nie erlebt. Zum anderen war ich – mit Ausnahme des schlimmen Pandemiejahres 2020 – das erste Mal seit langem wieder ganz alleine auf dem Festival unterwegs. Das war ich zum Anfang meiner „Filmfest-Karriere“ zwar auch, doch in den letzten Jahren hatte ich das Gemeinsame und den Austausch mit netten Menschen, schlicht die Geselligkeit und das Quatschen über Gesehenes und Nichtgesehenes doch sehr, sehr lieb gewonnen. Da war es diesmal doch ein etwas merkwürdiges Gefühl, zumal sich meine Hoffnung in Oldenburg bekannte Gesichter zu treffen auch nicht erfüllte. Andererseits war das Programm wieder so eng getaktet, dass es zwischen dem Eilen von einem Kino ins nächste kaum Zeit zum Verschnaufen gab.

Nachdem ich mich durch den üblichen Freitagnachmittagstau auf der B75 und dichten Verkehr in der Oldenburger Innenstadt gequält hatte und dann auch endlich den diesjährigen Sitz des Festivalbüros gefunden hatte, ging es in den schönen und gemütlichen Saal 2 des Casablanca-Kinos. Dort begann mein Festival mit einem Film aus Kenia.

Chaguo
Inhalt: „Wendo und Mugeni sind Mitglieder historisch verfeindeter Stämme eines afrikanischen Landes, welche die Macht nach der Unabhängigkeit untereinander aufgeteilt haben. Das Paar versucht sich aufgrund von vergangenen Geschehnissen von der Politik ihrer Familien zu distanzieren und arbeitet unabhängig von ihren Familien. Doch der Druck des aktuellen Wahlkampfes zieht die beiden immer tiefer in ein erbarmungsloses Machtspiel voller Intrigen. Die Landesbevölkerung blickt rastlos und unzufrieden einer scheinbar unfairen demokratischen Wahl entgegen. Währenddessen steht Wendos und Mugenis Beziehung vor den riesigen Hürden ihres politischen Erbes.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

Die Geschichte hinter diesem Film ist eigentlich aufregender als der Film selber. Wie in der Q&A vom Filmemacher Ravi Karmalker (der den Film zusammen mit dem Kenianer Vincent Mbaya drehte) und Dr. Annette Schwandner von der Konrad-Adenauer-Stiftung (die das Projekt initiiert und unterstützt hat) ausgeführt wurde, gibt es in Kenia keine funktionierende Infrastruktur für eine professionelle Filmindustrie. Was dort produziert wird, liegt angeblich auf dem Niveau von Handyvideos. Nun hatte die Konrad-Adenauer-Stiftung die Idee, dem auf die Sprünge zu helfen und zusammen mit lokalen Filmschaffenden und Filmtechnikern einerseits einen Film zu schaffen der (Zitat von der Homepage des Filmprojekts): „The overall objective of the film is to edutain the Kenyan youth and society in general on the importance of participating in politics and more so elections. It is our hope that the film will provoke some positive thoughts and attitude change towards participating in political processes. Elections are regarded as the ultimate democratic exercise, the youth being the majority making about 75% of the population in Kenya, their vote would ultimately contribute to the desired political change“. Und andererseits bei der Ausbildung einer professionellen kenianischen Filmproduktion zu helfen. Dies war scheinbar ein Erfolg, da der Film von über 5 Millionen Kenianer gesehen wurde, im Gespräch als kenianischer Oscar-Kandidat ist und an Netflix verkauft wurde. Demnächst läuft er hierzulande aber wohl auf Arte.

Das Problem mit „Chaguo“ als Film und „political Thriller“ ist, dass er arg konventionell geraten ist. Er sieht mehr aus wie ein TV-Film und hält sich auch an Vorabendkonventionen. Während in der Q&A berichtet wurde, dass es bei den echten Wahlen in Kenia vor einigen Jahren Übergriffe gegeben hat, bei denen über 1000 Menschen ums Leben kamen, erschöpfen sich diese Attacken der politischen Gegner hier in Rempeleien und einer Kopfverletzung. Das schockt dann niemanden. Auch die einfach gehaltene Romeo und Julia-Geschichte um die Liebe zweier Menschen, die eigentlich durch ihre unterschiedliche Stammes-zugehörig getrennt sind, ist weder überraschend, noch weicht sie von bekannten Mustern ab. Viele Handlungswendungen kündigen sich schon weit im Voraus an (wie die verräterische Praktikantin) und so etwas wie Spannung kommt kaum auf. Dafür ist alles zu nett und harmlos. Da passt das märchenhafte Happy-Ed dann auch wie die Faust aufs Auge. Positiv hervorzuheben sind die schauspielerischen Leistungen, vor allem von Nyokabi Macharia, von der man in Zukunft noch gerne mehr sehen möchte. Zudem bekommt man einen Einblick in das Land Kenia, welchen man in der Regel nicht hat. Zum Beispiel, wie modern und zeitgemäß die jungen Menschen in der Hauptstadt leben. Und die Problematik mit der Stammeszugehörigkeit und dem „Tribalism“ wird einem näher gebracht. Ein hochinteressanter Aspekt, und vielleicht ein Schlüssel dafür, viele der Probleme des Kontinents zu verstehen. „Chaguo“ kann ein Startpunkt sein, um sich damit zu beschäftigen. Auf rein filmischer Ebene ist er mehr gut gemeint (was man anerkennen kann) als wirklich rundum gelungen. Aber das war vielleicht auch nicht das Ziel.

Moderator, Ravi Karmalker, Dr. Annette Schwandner

Produzent, Ravi Karmalker

Ravi Karmalker, Dr. Annette Schwandner

 

 

 

 

 

Nach der langen und interessanten Q&A blieb nicht viel Zeit bis zum nächsten Film. Da dieser aber auch im Casablanca 2 lief, musste ich nur einmal aus der Tür heraus und konnte mich gleich wieder in Schlange stellen, die nach 10 Minuten in den Saal gelassen wurde. Nun führte die filmische Reise in die USA.

Linoleum
Inhalt: „Als kleiner Junge wollte Cameron Astronaut werden. Jetzt hat er sich längst auf das ruhige Vorstadtleben eines Familienvaters eingelassen, der eine Wissenschaftsshow für Kinder im Regional-TV präsentiert. Bis eines Tages Dinge passieren, die man nicht leicht erklären kann. Ein Sportwagen fällt vom Himmel, dessen Passagier sich dummerweise als ehemaliger NASA-Mitarbeiter herausstellt, der ihn als Moderator seiner Show ablösen soll. Aber der Himmel hat noch mehr Überraschungen parat. Eines Morgens liegen die Überreste einer abgestürzten Raumkapsel in Camerons Garten. Für Cameron ist klar, er wird sich seinen Kindheitstraum doch noch erfüllen und nach den Sternen greifen. Aus den Resten der Kapsel will er eine flugfähige Rakete bauen und ins All fliegen.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

Der Film hat mich sehr positiv überrascht und auch auf dem richtige Fuß erwischt. Der Regisseur Colin West meinte in seiner Einführung, dass es ein Film sei, der von der Liebe handelt. Mit dieser Information, kann man die kleinen Hinweise, die West immer wieder einstreut, recht schnell entziffern. Wenn man böswillig wäre, könnte man „Linoleum“ auch als „Donny Darko Light“ aburteilen. Aber das wäre – trotz einiger Parallelen – dann doch sehr ungerecht, da West seinen eigenen Weg geht und seine Geschichte dann doch anders anpackt. Unterstützt von der brillanten schauspielerischen Leistung von Jim Gaffigan (einem in den USA scheinbar extrem populären Stand-Up-Comdian), der tollen Rhea Seehorn und vor allem der jungen Katelyn Nacon als Tochter Erin und Gabriel Rush als Nachbarjunge und Freund von Erin erzählt „Linoleum“ eine Geschichte um Träume, das Altwerden und – ja, der Liebe, sowie den alten Dämonen, die uns immer noch bis ins hohe Alter verfolgen. Hierfür findet West immer wieder ungewöhnliche Bilder, wenn er seine Protagonisten nicht im Zentrum zeigt und auf scheinbar unwichtige Stellen im Bild fokussiert. Oder sich verschiedene Ebenen überlagern. Neben den seltsamen Dingen, die Cameron geschehen, lebt der Film von seinen lebendigen Figuren, die einem schnell ans Herz wachsen. Vor allem seine Tochter Erin hinterlässt einen bleibenden Eindruck. Zwar ahnt der filmerfahrene Zuschauer relativ bald, was da vor sich geht, man freut sich aber trotzdem, wenn dann am Ende alle Puzzleteilchen ineinander fallen und ein rundes, absolut stimmiges und sehr zu Herzen gehendes Bild abgeben. Letzteres kann ich zumindest für mich in Anspruch nehmen, da mich einige Aspekte der Geschichte so tief berührten, dass anschließend wahrscheinlich mein Sitz mit einem Mopp getrocknet werden musste.

Moderator Buddy Giovinazzo, Colin West

Dann hieß es die Beine in die Hand nehmen und schnell zum Theaterhof rennen. Durch den strömenden Regen und tiefe Pfützen. Als ich schließlich etwas außer Atem dort ankam, war mein Ticket für den japanischen Film „The City“ schon etwas aufgeweicht, aber man ließ mich trotzdem hinein.

The City
Inhalt: „In den dunklen Tiefen des gut geölten kriminellen Untergrunds von Tokios Shibuya Viertel regiert GOD die Straßen. Als einer seiner Killer Mist baut und auf der Flucht ist, nehmen GODs Schergen die Verfolgung auf, um sich zu rächen.“ (zitiert aus dem Programm des Internationalen Filmfest Oldenburg)

Die Inhaltsangabe oben kommt so nicht wirklich hin, aber ich lasse das mal so stehen.

Über sieben Jahre hat Katsuki Kuroyanagi mit einem lächerlichen Budget von USS 6.800,- und Freunden an seinem schwarz-weißes Debüt gedreht. „The City“ ist eine Hommage an den gangsterfilm, an den Film Noir und teilweise einige Klassiker des japanischen Kinos. Dabei verwirren zunächst die schnellen Schnitte, die scheinbar willkürlich eingeblendeten Daten und Uhrzeiten, der rasche Wechsel von Situation zu Situation und Person zu Person. Die ersten zwanzig Minuten versucht man dann irgendwie herauszubekommen, worum es in „The City“ eigentlich geht. Wie die einzelnen Figuren zueinander stehen und was ihre Aufgaben sind. Dann verliert man sich allerdings in den tollen Bildern einer Großstadt bei Nacht, lässt sich von den Figuren durch den Unterleib der Metropole ziehen, in den Orten zwischen Licht und Schatten, Dreck und Gestrandeten, Fastfood und Drogen. Und kann sich an Kuroyanagi durchdachten und stimmungsvollen Bildern, dem Soundtrack/ -design und den Zwischenschnitten berauschen. Irgendwann kommt dann auch Klarheit in die Handlung, und der enigmatische Nachtfilm verwandelt sich in einen veritablen Rachethriller. Da ist es dann fast schon schade, dass Handlung dann doch relativ simpel ist und alles in sich logisch, aber auch in typischen Genre-Konventionen aufgelöst wird. Allerdings behält Kuroyanagi sein Gespür für starke Bilder bei und erliegt auch nicht der Versuchung am Ende doch das eine, eindeutige Bild zu nutzen – sondern blendet früh genug ab, um den Zuschauer in der Schwebe zu lassen. Ein sehr vielversprechendes Debüt.

Katsuki Kuroyanagi, Moderator

So endete mein erster Tag. Clevererweise hatte ich am Nachmittag mein Auto schon direkt vor dem Theaterhof geparkt, sodass mich der noch immer heftige Regen nicht allzu sehr ärgern konnte.

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Blu-ray-Rezension: “Karate, Küsse, blonde Katzen“

Auf dem Weg nach Australien werden fünf Engländerinnen von chinesischen Piraten entführt und an den Menschenhändler Chao verkauft. In dessen Palast sollen die Fünf in diversen Liebestechniken ausgebildet werden, und später als dann teuer verkauft werden. Im Palast befindet sich aber auch das Mädchen Ko Mei Mei, die Chaos Bande infiltriert hat und zusammen mit ihrem Bruder Ko Pao vernichten will. Heimlich bringt sie den fünf Engländerinnen geheime Kampftechniken und Kung Fu bei.

In der Mitte der 70er Jahre versuchten die Shaw Brothers mithilfe von Koproduktionen zu expandieren. Das bekannteste (und populärste) Beispiel dürfte „Die sieben goldenen Vampire“ mit den britischen Hammer Studios sein, die Gothic Horror um Dracula mit den chinesischen „hüpfenden Vampiren“ und Martial Arts verband. Die ungewöhnlichste Kooperation ist allerdings die zwischen den Shaw Brothers und der Rapid-Film von Wolf C. Hartwig, die vor allem mit ihrer höchst erfolgreichen „Schulmädchenreport“-Reihe assoziiert wird. Aus diesem Grunde wird „Karate, Küsse, blonde Katzen“ auch häufig auf „Karate-Schulmädchen“ reduziert. Dabei war die Verbindung Shaw Brothers – Rapid-Films eine sehr viel naheliegendere als Shaw Brothers – Hammer. Denn die Rapid-Film hatte seit Mitte der 60er einige recht erfolgreiche „Hongkong-Filme“ realisiert. Oftmals direkt vor Ort gedrehte Abenteuer-Thriller-Gangster-Geschichten. Angefangen mit „Heißer Hafen Hongkong“ (1962) von Jürgen Roland über „Die jungen Tiger von Hongkong“ (1969) vom „Karate, Küsse, blonde Katzen“- und „Schulmädchen-Report“-Regisseur Ernst Hofbauer bis zu „Das Mädchen von Hongkong“ (1973), den wiederum Jürgen Roland inszenierte. Insgesamt trugen gleich fünf Rapid-Film-Produktionen das Wort „Hongkong“ im Titel, noch mehr wurden in Hongkong oder anderswo in Asien – häufig auch von Hofbauer – gedreht.

Mit den „Schulmädchenreport“-Filmen hat „Karate, Küsse, blonde Katzen“ nur in soviel etwas zu tun, als dass hier auf Nacktheit, teilweise ziemlich alberner Humor und vor allem eine besonders schmierige Synchro gesetzt wurde. Diese Synchronisation ist heute nicht mehr unproblematisch, da teilweise hoch rassistisch und anderen Kulturen gegenüber höchst despektierlich. Ebenfalls Bauchschmerzen verursachen die Sprüche der Brenda, welche die Situation dahingehend herunterspielt, dass sie sich schon über die drohenden Vergewaltigungen freut, um es „denen mal so richtig zu besorgen“. Das kennt man auch aus diversen Jess-Franco-Frauengefängnis-Filmen, wo solch eine Rolle häufig von Peggy Markoff gespielt wurde. Der Humorteil ist, wie gesagt, sehr albern. Da setzt die Brenda häufiger mal ihren Allerwertesten ein, um Leute auszuknocken. Nachdem die Mädchen verkauft wurden, werden die Käufer als lächerliche, dicke Menschen oder mit absurden Zähnen gezeigt. Dies ist allerdings auch einer Merkmal der Hongkong-Komödien, die sehr häufig ebenfalls einen schrecklich infantilen Humor haben. Von daher mag man dem Duo Hartwig-Hofbauer hierfür vielleicht keine Vorwürfe machen.

Erwartet man, dass Rapid Film seine Stamm-Schulmädchen-Darstellerinnen schicken würde, so ist man durchaus überrascht. In der Rolle der Brenda die Engländerin Gillian Bray zu sehen, die ansonsten nur in einigen italienischen Produktionen zu sehen war. Die weiteren Damen (bei denen die Qualität der Darstellungen sehr heterogen ist, sodass die Meisten von ihnen leider zu reinen Ausstattungsstücken verkommen) werden von Schauspielerinnen mit englisch klingenden Namen gespielt. Da diese allerdings hier ihren einzigen oder zumindest einen der wenigen Auftritte haben, kann nicht 100% verifiziert werden, ob es sich hier nicht doch auf Deutsche handelt. Zumindest „Deborah Ralls“ hatte laut IMDb zuvor einen „uncredited“ Auftritt in „Schulmädchen-Report Teil 7“. Einzig Hauptdarstellerin Sonja Jeannine kann eindeutig als Wienerin identifiziert werden. Sie hatte davor und danach ebenfalls in diversen „Reportfilmen“ mitgespielt, aber auch in „Zinksärge für die Goldjungen“ und später hatte sie die weibliche Hauptrolle in dem Italo-Western „Mannaja – Das Beil des Todes“ von Sergio Martino mit Maurizio Merli. Sonja Jeannine macht ihre Sache in „Karate, Küsse, blonde Katzen“ ausgesprochen gut und zeigt sich als einzige der europäischen Darstellerinnen-Riege als recht talentiert und sportlich in Sachen Martial Arts.

Auf der chinesischen Seite ist Hui-Ling Liu als Ko Mei Mei zu sehen, die hier noch ganz am Anfang einer langen Karriere im Martial-Arts-Filmen der Shaw Brothers stand. Einen bleibenden Eindruck hinterlässt allerdings Ti Hua Ko als lesbische Tiao Tao Fu. Mit weiß geschminkten Gesicht und schwarz-braun gefärbten Augenringen wirkt sie wie ein Geist aus einem japanischen Horrorfilm. Und genauso tödlich. Da ist es sehr schade, dass sie nur eine beschränkte Anzahl von Auftritten hat und letztendlich viel zu früh aus der Handlung entfernt wird. Als Held Ko Pao bleibt Hua Yueh leider recht blass.

Neben dem Routinier Ernst Hofbauer, wurde der Film auch auf Shaw-Brothers-Seite von dem großartigen Kuei Chih-Hung inszeniert. Über Kuei Chih-Hung und seine hoch empfehlenswerten Filme lass ich einst das erste Mal in der wunderbaren „Absurd 3000“. Kuei Chih-Hung hat in den 80ern einige der beeindruckendsten und finstersten Horrorfilme der Shaw Brothers gedreht, wie „Boxer’s Omen“, „Corpse Mania“ oder „Hex“. Aber auch vorher war er für den düsteren Teil des Shaw Brothers Output zuständig. So z.B. für den tollen „Der gnadenlose Vollstrecker“, der ebenfalls in der filmArt Shaw Brothers Collector’s Edition als Nr. 5 erschienen ist (Rezi hier). Wer hier was gedreht hat, kann nicht mehr nachvollzogen werden. Die Vermutung liegt aber nah, dass Kuei Chih-Hung zuerst für die Kampfszenen verantwortlich war. Es gibt aber in „Karate, Küsse, blonde Katzen“ auch einige sehr stimmungsvoll inszenierte Szenen, die tatsächlich an Werke wie „Der gnadenlose Vollstrecker“ denken lassen. Und eine Szene, in der die Damen dem Käufer einer der ihren eine schon blau angelaufene Leiche ins Bett legen (eine Szene, die sich nur noch erahnen lässt, da sie scheinbar geschnitten wurde) würde auch gut zu Kuei Chih-Hung passen. Tatsächlich fügen sich aber die von Hofbauer und Kuei Chih-Hung gedrehten Szenen erstaunlicherweise zu einem Ganzen, ohne dass allzu große Brüche sichtbar werden. Und da beide ihr Handwerk verstehen (Hofbauer hat außer den „Schulmädchenreport“-Filmen ja noch sehr viel mehr gedreht, vornehmlich im Thriller- und Abenteuerfilm-Bereich), ist „Karate, Küsse, blonde Katzen“ zwar immer noch ein kleines Kuriosum mit allerlei Fehlern und Schwächen, aber insgesamt ein sehr ansehnlicher und unterhaltsamer Film geworden.

Die Nummer 12 der Shaw Brothers Collector’s Edition war bereits in einer schönen DVD-Auflage von Camera Obscura erhältlich. Hier nun liegt der Film erstmalig in HD vor. Wie die Camera-Obscura-DVD soll auch diese Fassung leicht in der Handlung geschnitten sein. An einer Stelle merkt man auch deutlich, dass etwas fehlt (die oben angesprochene Szene mit der Leiche im Bett). Doch genaues weiß man nicht, einen detaillierten Schnittbericht habe ich nicht gefunden. Geht man nach der OFDb, so fehlen wahrscheinlich zwei Minuten mit fünf Schnitten, die damals bereits aus der Kinofassung entfernt werden mussten, um ein FSK18 zu erlangen. Das Bild ist wieder auf dem gewohnt hohen filmArt-Niveau. Als Tonspur kann man nur die deutsche Synchronfassung auswählen. Schade, eine Version in Mandarin wäre sicherlich auch ganz interessant gewesen. Als Bonus sind die deutsche Super-8-Fassung des Filmes und ein Booklet mit Aushangfotos und zeitgenössischem Werbematerial dabei.

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Vorschau: Das 29. Internationale Filmfest Oldenburg – Tribute an Andrea Rau und weitere Filme

Nach der Retrospektive hat das Internationale Filmfest Oldenburg nun auch sein Tribute bekannt gegeben.

Es gilt der Schauspielerin Andrea Rau, einer der drei Hauptdarstellerinnen eines meiner absoluten Lieblingsfilme: „Blut an den Lippen“ von Harry Kümel. Wie sehr mir dieses Wunderwerk des Vampirfilms am Herzen liegt, kann man hier nachlesen. Kein Wunder also, dass ich mich über dieses Tribute ganz besonders freue.

Andrea Rau wird vom 14. bis zum 18. September zu Gast in Oldenburg sein. Im Rahmen des Tribut werden folgende Filme gezeigt:

»Daughters of Darkness« (BEL/USA/CAN 1971, Regie Harry Kümel)
»Eins« (GER 1971, Regie Ulrich Schamoni)
»Quartett im Bett« (GER 1968, Regie Ulrich Schamoni)
»It’s Nothing Mama just a Game« (ESP 1974, Regie José María Forqué)

Auch die weiteren Filme des Festivalprogramms wurden bekannt gegeben.
Da bisher leider nur die Titel, Länder und Filmemacher genannt wurden und sonst noch keine Infos vorliegen, habe ich mal selber in der IMDb recherchiert und – wo vorhanden – den Inhalt herausgesucht.

Der Rote Berg, Deutschland 2022, Timo Müller – Powerful images of tree and stone are swirled together with the train of thought of a philosopher, hermit and outright weirdo. This is connected with some young people who have free time and the freedom to just roam around.

Linoleum, USA 2022, Colin West (Internationale Premiere) – Comedy/Drama – Powerful images of tree and stone are swirled together with the train of thought of a philosopher, hermit and outright weirdo. This is connected with some young people who have free time and the freedom to just roam around.

Brothers, Kasachstan 2022, Darkhan Tulegenov (Europapremiere) – Drama – keine weiteren Infos

Ramona, Spanien 2022, Andrea Bagney (Deutschlandpremiere) – Ramona met her boyfriend while she was in a chance encounter. Soon she finds out that he’s the director of a film in which she is vying for a lead role. This made Romana questioning herself and her cosy life with her boyfriend.

Rodeo, Frankreich 2022, Lola Quivoron (Internationale Premiere) – Drama – Julia -a young misfit who is passionate about riding- meets a crew of dirt riders who fly along at full speed and perform stunts. She sets about infiltrating their male-dominated world, but an accident jeopardises her ability to fit in.

Echo, Deutschland 2022, Mareike Wegener – Drama – Detective Harder takes on her first case after surviving a bomb attack during a police training mission in Afghanistan. The remains of a girl are discovered in a moor near the small German town of Friedland. But Harder’s investigation falters from the outset – not least due to the discovery of a live bomb dating to the Second World War, which throws the Friedlanders and Harder herself into turmoil.

Der Skorpion, Deutschland 2022, Romy Steyer (Weltpremiere) – Unauffindbar

Paradise Highway, USA 2022, Anna Gutto (Deutschlandpremiere) – A truck driver has been forced to smuggle illicit cargo to save her brother from a deadly prison gang. With FBI operatives hot on her trail, Sally’s conscience is challenged when the final package turns out to be a teenage girl. – Mit Juliette Binoche, Morgan Freeman und Frank Grillo.

A Woman, Frankreich 2022, Jean-Paul Civeyrac (Deutschlandpremiere) – Drama, Follows Juliane Deroux, a police superintendent of great moral integrity, but she begins to carry out acts of which she would never have believed herself capable after discovering her husband is leading a double life. – Mit Sophie Marceau.

The Gravity, Frankreich 2022, Cédric Ido (Europapremiere) – A mysterious cosmic event upsets the Earth’s gravity and creates chaos in a futuristic Parisian suburb.

Brutal Moods, Spanien 2022, Marta Bisbal Torres (Deutschlandpremiere) – Nichts gefunden, nicht einmal die Regisseurin. – Danke Manfred (siehe Kommentare) für die weiterführenden Infos. Von der Homepage der Filmemacherin: „2022. Found footage film: colour, sound, 58 min. – What effect can architecture have on the individual, whether on a physical, mental or emotional level, and how does it influence the dynamics of social interaction that occur both in public and private spaces? (..)  Based on found footage, Brutal Moods explores how cinema has represented Brutalist buildings in its fictional stories, and to what extent it has contributed to generate the different dystopian imaginaries with which this architectural movement is associated today.“

Aberrance, Mongolei 2022, Baatar Batsukh (Internationale Premiere) – Horror, Thriller – When city dwellers Erkhmee and Selenge arrive at an old cabin deep in the Mongolian wilds, a foreboding settles over the couple. Erkhmee’s seemingly keen desire to provide a safe and nurturing space for his artistic wife is at odds with the violent actions and mannerisms their quizzical neighbor observes. As the neighbor digs deeper for the reason behind this aberrant behavior, only more questions and trouble arise.

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Vorschau: Das 29. Internationale Filmfest Oldenburg – Retrospektive für Peter und John Hyams

Wow! Wieder einmal beweist das Internationale Filmfest Oldenburg nicht nur guten Geschmack, sondern ehrt Filmemacher, die normalerweise eher in der zweiten Reihe stehen, trotzdem aber einen festen Fan-Keis haben, der ihre Qualitäten sehr zu schätzen weiß.

Peter.. wer? Peter Hyams! In den 70ern drehte Peter Hyams den wundervollen Paranoia-Thriller „Unternehmen Capricon„, die Geschichte einer vorgetäuschten Marslandung. In den 80ern feierte große Erfolge mit seinen Science-Fiction- und Action-Filmen „Outland – Planet der Verdammten“ (großartig!) und der „2001“-Fortsetzung (das muss man sich erst einmal trauen) „2010 – Das Jahr, in dem wir Kontakt aufnehmen„, „Diese Zwei sind nicht zu fassen“ und „Presidio„. In den 90ern hatte er ein Comeback mit zwei der besten Jean-Claude-Van-Damme-Actioner: „Timecop“ und „Sudden Death„, sowie der Preston/Child-Adaption „Das Relikt“ und dem Schwarzenegger/Horror-Film „End of Days„. In den letzten Jahren war es still um ihn, bis „Enemies Closer“ ihn 2013 noch einmal mit Jean-Claude Van Damme wiedervereinigte.

Dafür hörte man umso mehr von seinem Sohn John Hyams, der – nicht nur aber besonders – lautstark von der deutschsprachigen Cinephilie entsprechend als DIE neue und aufregendste Stimme im Actionfilm hymnisch gefeiert wurde. Nicht überraschend begann John seine Karriere 2002 mit einer Dokumentation über den charismatischen MMA-Kämpfer Mark Kerr, „The Smashing Machine„. 2009 folgte die ebenso kontroverse wie vielbeachtete Wiederbelebung der „Universal-Soldier-Reihe“:  „Universal Soldier: Regeneration« und 2012 sein umstrittenes Meisterwerk „Universal Soldier: Day of Reckoning„.

In den letzten Jahren war John Hyams bereits mit der Baseball-Komödie „All Square“ (2018) und dem Thriller „Alone“ (2020, Rezi hier) in Oldenburg vertreten.

John Hyams wird vom 14. bis zum 18. September zu Gast beim Internationalen Filmfest Oldenburg sein.

Als besonderes Highlight wird Peter Hyams im Rahmen eines großen virtuellen Live-Gesprächs mit Peter und John Hyams nach Oldenburg zugeschaltet. Das Gespräch wird ohne Paywall allen Interessierten zugänglich gemacht werden.

Im Rahmen der Retrospektive werden in Oldenburg gezeigt:

»Capricorn One / Unternehmen Capricorn« (USA 1978, Regie Peter Hyams)
»Outland« (USA 1981, Regie Peter Hyams)
»Narrow Margin« (USA 1990, Regie Peter Hyams)

»One Dog Day« (USA 1997, Regie John Hyams)
»The Smashing Machine« (USA 2002, Regie John Hyams)
»Universal Soldier: Regeneration« (USA 2009, Regie John Hyams)
»Universal Soldier: Day of Reckoning« (USA 2012, Regie John Hyams)
»Alone« (USA 2020, Regie John Hyams)
»Sick« (USA 2022, Regie John Hyams)

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Vorschau: Das 29. Internationale Filmfest Oldenburg – Erste Filme angekündigt

Das Internationale Filmfest Oldenburg steht wieder vor der Tür. Vom 14. bis 18. September werden auf dem für mich schönsten und wichtigsten Filmfestival wieder Filme aus allen Ländern gezeigt mit Schwerpunkt auf Regiedebüts und Independent-Kino. Vor einigen Tagen wurden bereits die ersten Filmankündigungen veröffentlicht. Ich übernehme diese mal 1:1 aus der Pressemitteilung, habe sie aber nach meiner ganz persönlichen „Must-see“-Reihenfolge von „muss ich unbedingt gucken“ bis „ja, falls parallel nichts von weiter oben läuft“ sortiert. Ausgenommen habe ich den Haupt-Kracher des Festival, den neuen Film von Park Chan-wook: „Decicion to Leave“, da dieser sicherlich auch regulär ins Kino kommen wird, sowie die „Tatort“-TV-Produktionen, wobei mich „Leben Tod Ekstase“ von Nikias Chryssos, dessen „Der Bunker“ (Rezi hier) ich sehr schätze, durchaus interessiert. Auffällig ist dieses Jahr die hohe Anzahl von Filmen aus der sogenannten „Dritten Welt“. Was ich sehr begrüße. Jetzt hoffe ich nur noch, dass mit dem nächsten Schwung Filmankündigungen noch ein paar ein osteuropäische und skandinavische Filme dazu kommen.

Murmur, USA 2022, Mark Polish (Weltpremiere)
Indie-Autor Mark Polish kehrt mit seiner neuesten Regiearbeit nach Oldenburg zurück: eine mahnende Geschichte, die über technophobischen Horror hinausgeht. „Murmur“ ist eine bahnbrechende neue App, die von einer kleinen Gruppe technisch versierter Teenager und aufstrebender Social-Media-Stars getestet wird, angeführt von Tiger (Logan Polish). Sie machen sich auf den Weg, um das Spiel in freier Wildbahn zu testen und finden sich bald in einer Zwischenwelt aus Realität, Fantasie und Angst wieder. Die verführerische Gamebox, die unsere geheimsten Erinnerungen erfasst, speichert und sogar verkauft, kann wahrhaft erschreckend sein. Und tödlich.

Junk Space Berlin, Germany 2022, Juri Padel (Weltpremiere)
Durch das dystopische Berlin von Morgen zieht sich ein unerklärlicher Riss, der die Stadt entzwei teilt. Als die Outsiderin Billie dabei verschwindet, versucht ihre Freundin Marion mit Hilfe der ehemaligen Aktivistin und Hackerin Blue, ihrer digitalen Spur, die sich irgendwo im Riss zu verlieren scheint, zu folgen. Doch je näher sie Billie kommen, desto tiefer dringen sie in die marginale Abweichung der Wirklichkeit vor. Aber wohin führt sie Billies Spur?

The City, Japan 2022, Katsuki Kuroyanagi (Weltpremiere)
Der Debütfilm von Katsuki Kuroyanagi stammt aus dem Herzen von Tokios berühmtem Shibuya-Viertel. In den dunklen Tiefen des gut geölten kriminellen Untergrunds regiert GOD (Kiyohiko Shibukawa) die Straßen. Und als einer seiner Killer Mist baut und auf der Flucht ist, nehmen GODs Schergen die Verfolgung auf, um sich zu rächen. Katsuki verbrachte sieben Jahre damit, den komplexen und kriminellen Puls des Bezirks einzufangen, der als weltweites IT-Zentrum und als japanische Hauptstadt der Nachtclubs und Trends bekannt ist. Das Leben auf der Straße ist ein wilder und sich ständig verändernder Überlebenskampf. Mit einem Budget von nur 6.500 USD und in Schwarz-Weiß gedreht, ist Katsukis Film Noir eine Punk-Symphonie der Straße, gewidmet den Menschen in jeder Stadt.

Alma Viva, France 2022, Cristèle Alves Meira (Internationale Premiere)
Wie jeden Sommer kehrt die kleine Salomé in den Ferien für einen Sommer zu ihrer geliebten Großmutter nach Portugal in ihr Familiendorf zurück. Es ist das Portugal der Sonne, der Tänze, der Nachmittage beim Angeln im Fluss. Aber es ist auch das Portugal der Zaubersprüche, Geister und Toten. Die Ferien beginnen unbeschwert, als plötzlich ihre geliebte Großmutter stirbt. Während sich die Erwachsenen wegen der Beerdigung zerfleischen, entdeckt Salomé ein beunruhigendes Vermächtnis; Sie hat die übersinnlichen Fähigkeiten ihrer Großmutter geerbt, die im Dorf als Hexe galt. Alma Viva wurde 2022 beim Festival in Cannes uraufgeführt.

Subject 101, Germany 2022, Tom Bewilogua (Weltpremiere)
Im Spielfilmdebüt von Tom Bewilogua sucht ein obdachloser Migrant, der in einem von der Regierung finanzierten Wohnprojekt lebt, einen Neuanfang bei einer multinationalen Zeitarbeitsfirma – doch die hat ganz andere Pläne mit ihm. Ganz im Geiste von Klassikern wie „The Manchurian Candidate“ ist Subjekt 101 nur eine Marionette in einem Albtraum Orwellschen Ausmaßes. Verzweifelt versucht er zu verstehen, wie er Teil eines unmenschlichen Experiments wurde. Er taucht tief in den Kaninchenbau ein, um die Wahrheit aufzudecken und sein eigenes Leben zu retten.

The Prank, USA 2022, Maureen Bharoocha (Internationale Premiere)
Ben braucht gute Noten, um ein Stipendium zu bekommen. Seine verwitwete Mutter Julie ist nicht in der Lage, das Schulgeld für ihn zu bezahlen. In der Schule droht seine Physiklehrerin Mrs. Wheeler damit, die gesamte Klasse durchfallen zu lassen, nachdem sie herausgefunden hat, dass jemand bei der Zwischenprüfung geschummelt hat. Frustriert schmieden Ben und sein bester Freund Tanner den Plan, Mrs. Wheeler online zu diskreditieren, indem sie ihre Lehrerin des Mordes an einem vermissten Schüler bezichtigen.

Our Father, The Devil, USA 2022, Ellie Foumbi (Internationale Premiere)
Marie Cissé (Babetida Sadjo) arbeitet als Chefköchin in einem Altersheim in einer französischen Kleinstadt. Ihr einfacher Alltag, in dem sie sich um die Bewohner kümmert, mit ihrer Kollegin und besten Freundin Nadia (Jennifer Tchiakpe) abhängt und mit einer möglichen neuen Romanze liebäugelt, wird durch die Ankunft von Pater Patrick (Souléymane Sy Savané) gestört, einem afrikanischen Priester, den sie aus einer schrecklichen Episode in ihrem Heimatland wiedererkennt. Während er sich bei den Bewohnern und dem Personal immer mehr einschmeichelt, muss Marie entscheiden, wie sie am besten mit dieser Erinnerung an ihre schwierige Vergangenheit umgehen soll.

The Black Guelph, Irland 2022, John Connors (Weltpremiere)
Inspiriert von Dantes Inferno schöpft John Connors – Irlands einziger Filmemacher, der der ethnischen Minderheit der Traveller angehört (Minceir) – aus dem wirklichen Leben, um dem historischen Stillschweigen über die Unterdrückung und den systematischen klerikalen sexuellen Missbrauch von Generationen seiner Sippe eine Stimme zu geben. Graham Earley spielt die Hauptrolle des Canto: ein 30-Jähriger, der mit Drogen dealt, um seine Rechnungen zu bezahlen, und gleichzeitig entschlossen ist, sich als würdiger Familienvater zu beweisen.

Parsley, Dominikanische Republik 2022, José María Cabral (Europapremiere)
Die junge Haitianerin Marie lebt mit ihrem dominikanischen Ehemann Frank im Jahr 1937 nahe der Grenze der Dominikanischen Republik zu Haiti. In der Nacht nach der Beerdigung ihrer Mutter wird sie von Schreien aus dem Dorf geweckt. Die Regierung hat die sofortige Hinrichtung aller Haitianer auf dominikanischem Land angeordnet. Cabrals Film erzählt die Geschichte eines Völkermords aus der kleinstmöglichen Perspektive und erreicht darum eine selten erlebte Intensität.

Chaguo, Kenia 2022, Vincent Mbaya, Ravi Karmalker (Internationale Premiere)
Wendo und Mugeni stammen aus unterschiedlichen Stämmen in Kenia. Beide versuchen sich von der Politik ihrer Familien zu distanzieren, werden aber im Zuge eines immer hitziger werdenden Wahlkampfes in den politischen Strudel voller Standesdünkel und Intrigen hineingezogen. Eine kenianische Romeo und Julia Story vor dem Hintergrund des schwierigen Prozesses, demokratische Wahlen durchzusetzen in einem Land, das den Glauben an Vernunft und Gerechtigkeit in der Politik verloren hat.

We Don’t Dance for Nothing, USA/China 2022, Stefanos Tai (Europapremiere)
„La Jetée“ trifft auf „La La Land“ in dem Debütfilm des chinesisch-amerikanischen Filmemachers Stefanos Tai. Die Fotomontage ist ein Liebesbrief an die philippinischen Hausangestellten in Hongkong. Die visuelle Nachbildung wahrer Erinnerungen dieser Gemeinschaft von 400.000 Frauen folgt dem Plan einer Frau, wegzulaufen und der Unterdrückung zu entkommen. Inmitten der Proteste in Hongkong auf Super-16 aufgenommen, mischt Tai Standbilder mit Bewegungen, um die Gefangenschaft dieser marginalisierten Frauen zu unterstreichen und ihre leidenschaftliche Befreiung in die Freiheit hervorzuheben, wenn sie jeden Sonntag an ihrem freien Tag in einem Land weit weg von zu Hause Street Dance tanzen.

Zoo Lockdown, Österreich 2022, Andreas Horvath (Deutschlandpremiere)
Der österreichische Filmemacher Andreas Horvath hat den Lockdown im vergangenen Jahr zum Anlass genommen, die Tiere im Salzburger Zoo zu beobachten und in der Essenz dieses Films verliert sich die Frage, ob nun Zuschauer das Leben dieser Kreaturen begleiten oder nicht, in Bedeutungslosigkeit. Was bleibt, ist die Erkenntnis, dass ein Leben in Gefangenschaft, ein Leben ohne Freiheit immer der schwerwiegendste Eingriff in das Leben eines Individuums ist. Die Gemeinschaft, oder im Falle des Zoos die Spezies, die es zu schützen gilt, verliert sehr viel ihres theoretischen Gewichts, angesichts der Bilder, die Horvath findet. Nach mehr als zwei Jahren Pandemie mutet der Blick in die Augen dieser Wesen für uns an wie ein Blick in den Spiegel.

Way Out Ahead of Us, USA 2022, Rob Rice (Deutschlandpremiere)
Rob Rice erforscht in seinem Spielfilmdebüt die persönlichen und politischen Ökonomien von Katastrophe und Gemeinschaft in Amerika. In einer verarmten Kleinstadt in der Wüste hält ein Mann seine unheilbare Krankheit vor seiner Tochter geheim, um ihre Pläne, in die Stadt der Träume – Los Angeles – zu ziehen, nicht zu vereiteln. Ausgehend von seinem eigenen Leben erzählt Rice vom Überlebenskampf einer marginalisierten Gemeinschaft von Menschen in der perversesten und gleichgültigsten politischen Ökonomie der Welt – Amerika.
Zoo Lockdown feierte seine Weltpremiere beim diesjährigen Filmfest Karlovy Vary.

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Blu-ray-Rezension: „Tote Zeugen singen nicht“

Comissario Belli (Franco Nero) ist es nach einer spektakulären Verfolgungsjagd durch Genua gelungen, einen Kurier der libanesische Drogenmafia festzunehmen. Doch als dieser ins Polizeipräsidium gebracht werden soll, wird er von der Mafia zusammen mit den ihn begleitenden Polizisten und unschuldigen Zivilisten in die Luft gesprengt. Belli selber überlebt diesen Anschlag nur durch einen Zufall. Rasend vor Wut und fassungslos über die Skrupellosigkeit der Gangster, setzt Belli alles daran, die Mafiosi ihrer gerechten Strafe zuzuführen…

Lange hat es gedauert, bis „Tote Zeugen singen nicht“ (auch bekannt als „Straße zum Jenseits“) eine adäquate Veröffentlichung in Deutschland bekommen hat. Der Film zählt zu den wichtigsten Poliziotteschi und stellt die erste Zusammenarbeit zwischen Regisseur Enzo G. Castellari und Franco Nero da. Diese sollte sich als ausgesprochen fruchtbar erweisen und Filme wie „Ein Bürger setzt sich zur Wehr“ (Review hier) oder den grandiosen „Keoma“ (der auch einmal eine schöne Veröffentlichung verdient hätte) hervorbringen. Und gerade das Genre des Poliziotteschi sollte Castellari den Ruf eines hervorragenden Action-Regisseurs einbringen, welchen er später durch seine Endzeitfilme (die den Höhepunkt dieser kurzlebigen Welle im Gefolge von „Mad Max“ und „Die Klapperschlange“ darstellten) noch untermauern sollte. Während seine Inszenierung der Action ab der italienischen „Ein Mann sieht rot“-Variante „Ein Bürger setzt sich zur Wehr“ stark von den stilisierten, intensiven Zeitlupen-Eruptionen eines Sam Peckinpah geprägt sind, so ist diese bei „Tote Zeugen singen nicht“ erst im Ansatz vorhanden. Vielmehr scheint sich Castellari hier noch am harten Realismus von William Friedkins Klassiker „Brennpunkt Brooklyn“ alias „The French Connection“ zu orientieren, wenn er seinen Film mit einer atemlosen Verfolgungsjagd beginnt, die in ihrer Rasanz und knackigen Bodenständigkeit an die berühmte Auto jagt U-Bahn-Sequenz aus Friedkins Film erinnert.

„Tote Zeugen singen nicht“ ist einer der wichtigsten Filme für das Genre, denn er liefert die Blaupause für zahllose Nachzügler und Nachahmer, die unsere heutige Wahrnehmung des Poliziotteschi stark prägten. Und er war auch ein sehr wichtiger Film für einen Schauspieler, der hier gar nicht in Erscheinung tritt, nämlich Maurizio Merli, der zwei Jahre nach „Tote Zeugen singen nicht“ aufgrund seiner Ähnlichkeit mit Franco Nero als ebenfalls blonder, schnauzbärtiger Commissario „Betti“ (statt Belli) für Marino Girolamis „Gewalt rast durch die Stadt“ gecasted. Kurz zuvor hatte er übrigens bereits Neros Nachfolge als Hauptdarsteller im dritten Teil der „Wolfsblut“-Reihe übernommen. Als jener „Betti“ war er noch zwei Mal unterwegs und spielte ansonsten harte Cops mit losen Fäusten und schnellen Waffen, die am Besten mit dem Titel seines 1978 von Stelvi Massi (der einige Filme mit Merli drehte) inszenierten „Il commissario di ferro“ gut charakterisiert werden können. Vergleicht man „Betti“ mit „Belli“, dann erkennt man neben den offensichtlichen Gemeinsamkeiten (aufbrausend und wütend, schlägt zu bevor er Fragen stellt, verbissen und fast schon besessen von der Jagd auf Kriminelle) auch deutliche Unterschiede. Während Merlis Figuren zumeist reaktionäre Stereotype sind, denen nur selten eine komplexere Hintergrundgeschichte vergönnt ist, und die schier unverwundbar wie eine Sense durch die italienische Unterwelt pflügen, ist Franco Neros Belli eine vielschichtige, kompliziertere Figur.

Belli mag aufbrausend, cholerisch und voller Wut sein. Er mag immer mit voller Härte am Rande der Legalität agieren. Aber dank Neros Drahtseil-Darstellung zwischen beinahe parodistischer (wobei er hier das Original zur Parodie darstellt) Stereotype mit Hang zum Overacting und ernsthaftem Drama scheint an jeder Stelle auch das an der eigenen Ohnmacht bitter Verzweifelnde durch das Gewand des harten Mannes. Belli ist kein strahlender Held. Der Job und die Unmöglichkeit etwas am korrupten System der italienischen Politik zu ändern, hat ihn an den Rand des Wahnsinns getrieben. Doch seine Halsstarrigkeit, die Weigerung seine Niederlage, seine Impotenz etwas ändern zu können, anzuerkennen, haben auch sein soziales Leben beschädigt. Die Freundin wird von ihm aus nichtigen Anlässen angebrüllt, das ihn liebende Kind hat er weggeschickt. Nicht nur, weil er – zu recht – um dessen Sicherheit fürchtet, sondern weil es auch nicht in sein Leben passt, welches sich ganz dem Kampf gegen die Windmühle Organisiertes Verbrechen und den Verstrickungen der Legislative und Judikative mit eben jenem verschrieben hat. Dass er scheinbar nebenbei eine Abhängigkeit von Nasenspray entwickelt hat, ist Ausdruck seiner Getriebenheit.

Francos Belli wird die Figur des alten Commissarios Scavino, großartig gespielt vom leider noch immer viel zu unbekannten James Whitmore (immerhin zweimal für den Oscar nominiert), gegenüber gestellt. Während Belli drängt und sofort Resultate sehen will, ist Scavino abwartender, überlegter – will an die Leute hinter den kleinen Fischen heran. Was ihn aber auch verdächtig macht, mit eben jenen Schattenleuten zusammenzuarbeiten und Beweise zurückzuhalten. Die Zusammenstöße zwischen Belli und Scavino kumulieren in einer hitzigen Diskussion auf einem Waldparkplatz außerhalb der Großstadt. Hier zitiert Castellari den großartigen Mafiafilm „Der Clan, der seine Feinde lebendig einmauert“ (Review hier) von Großmeister Damiano Daimani. In diesem Film spielt ausgerechnet Franco Nero den eher besonnenen, abwartenden Staatsanwalt, der mit den handfesten, und die Grenze des Legalen häufiger überschreitenden Methoden seines frustrierten Kommissars (gespielt von einem anderen Hollywood-Veteranen: Martin Balsam) ganz und gar nicht einverstanden ist. Die Besetzung von Fernando Rey als altes Mafia-Oberhaupt lässt wiederum an „Brennpunkt Brooklyn“ denken, was sicherlich von den Produzenten gewünscht war. Wenn Rey seine Rolle auch gänzlich anders anlegt ist als den Bösewicht in Friedkins Film. Sein Cafiero erinnert eher an Don Vito Corleone aus „Der Pate“. Ein Patriarch, dessen Zeit vergangen ist und dessen Position von jüngeren, skrupelloseren Gangstern eingenommen wird. Ein Thema, welches man in späteren Poliziotteschi immer wieder neu aufnehmen wird.

Castellari erzählt seine Geschichte nicht durchgehend linear. Immer wieder setzt er eine ausgefeilte Rückblendenstruktur ein. Ereignisse werden wiederholt, in die aktuellen Geschehnisse hinein geschnitten, wodurch Vergangenheit und Gegenwart miteinander verschwimmen, sich im Kopf Bellis förmlich auflösen und so für ihn die Vergangenheit nie abgeschlossen ist. Gerade das tragische Finale erhält dadurch eine emotionale Wucht, welche sonst vielleicht verpufft wäre (gerade auch, weil in der schockierensten Szene ganz offensichtlich eine Puppe statt einer Stuntperson verwendet wird). So gelingt es Castellari aber, dem Zuschauer einen dicken Kloß in den Hals zu pressen. Ein weiterer Baustein für diese emotionale Mitnahme des Zuschauers ist die kongeniale Musik der Brüder De Angelis, mit denen Castellari noch häufiger zusammenarbeiten sollte. Die Musik aus „Tote Zeugen“ sollte nicht nur häufiger in anderen Poliziotteschi zu hören sein, sondern auch jeden Poliziotteschi-CD-Sampler zieren und 2007 von Quentin Tarantino in „Death Proof“ verwendet werden.

Mit der Nummer 18 ihrer „Polizieschi Edition“ hat filmArt nach „Ein Bürger setzt sich zur Wehr“ eine weitere, heiß ersehnte, auf 1000 Stück limitierte Veröffentlichung auf den Markt gebracht. Der Film ist einer der einflussreichsten Vertreter des Genres, welches der Edition seinen Namen gab und daher erfreut die technisch wieder einmal höchst gelungene Umsetzung. Bild und Ton (Deutsch, Englisch und Italienisch) sind ausgezeichnet. Deutsche Untertitel sind ebenfalls vorhanden. Als Extras wurden ein englischer Trailer; eine Filmfassung mit alternativem Ende (in HD) – Spoiler: Das alternative Ende bricht vor dem offiziellen Ende ab, enthält also kein alternatives Material und wirkt wie das ursprünglich intendierte; eine Bildergalerie; diverse, internationale Vorspänne in unterschiedlichsten Qualitäten; sowie eine Trailer-Show. Das umfangreiche und informative 20-seitige Booklet wurde von Michael Cholewa geschrieben, der einst mit Karsten Thurau das deutschsprachige Standardwerk zum Poliziotteschi, „Der Terror führt Regie“, verfasst hat.

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Lamento: Ein Dinosaurier in Warschau oder Das Ende des Offline-Shoppings in Polen

Als ich 2006 anfing der Liebe wegen regelmäßig nach Warschau zu fahren, war ich begeistert von dem Angebot an Filmen hier. In den meisten Läden füllten DVDs mit polnischen Filmen viele Regalmeter, und die meisten hatten englische Untertitel. Für mich war damals der polnische Film noch „Terra incognita“. Doch hier fand ich wunderbare Zusammenstellungen an polnischen Dokumentarfilmen, Animationsfilme, gut kuratierte (in der Bildqualität heute leider nicht mehr so ansehnliche) Editionen mit den wichtigsten Filmen der „Polnischen Filmschule“ der späten 50er und frühen 60er. Und natürlich Wajda bis zum Abwinken, aber auch andere wichtige polnische Werke (die dann leider häufig, aber nicht immer ohne Untertitel). Aber auch die gerade aktuellen Filme nahm ich gerne mit und lernte so Regisseure wie den großartigen Wojciech Smarzowski kennen.

Zunächst „lebte“ ich von Tipps, die mir meine Freundin/Verlobte/Ehefrau gab. Später studierte ich intensiv das Programm der Polnischen Filmfestivals in Deutschland und vor allem von dem in Gdynia. Auch in die polnische Filmgeschichte grub ich mich immer tiefer ein. Jeder Besuch in Warschau war ein Quell der Freude, da es immer wieder etwas Neues zu entdecken gab. Und natürlich machte die Jagd nach einzelnen Titeln auch ungeheuren Spaß. In den Jahren wurde dies aber im frustrierender, denn die oben angesprochen Regalmeter schrumpften, die tollen Reihen mit Klassikern o.ä. wurden eingestellt und DVDs, die älter als ein Jahr waren, waren plötzlich nicht mehr erhältlich. „Traffic“, wo ich gerne mal schaute, machte zu. Im größten und bestsortierten „Empik“-Läden (so etwas wie unser Thalia, aber mit sehr viel größerem Sortiment  auch an Musik und Film) wurde die Auswahl an DVDs immer kleiner.

Dasselbe galt übrigens auch für CDs. Ich habe eine Leidenschaft für polnischen Jazz entwickelt. Und am Anfang war das toll. Da gab es im angesprochen „Empik“ einen eigenen Raum für Jazz und Klassik, wo man alles bekam. Und Abspielstationen, wo man die CDs probehören konnte. Da habe ich Stunden mit Stapeln von Jazz-CDs in der Hand verbracht und gehört und vor allem entdeckt. Diese Stationen waren das erste Opfer. Dann verschwand plötzlich der ganze Raum. Und die Auswahl immer von Jahr zu Jahr immer kleiner. Letztes Jahr war der große „Empik“-Headstore in der Marszałkowska plötzlich ebenfalls verschwunden. Drei Etagen… weg. Heute ist da ein Billig-Laden mit heruntergesetzter Textil-Ware drin. Aber auch anderswo verschwanden Ton- und Bildträger. Media Markt hat zum größten Teil gar keine DVDs und CDs mehr und wenn doch, dann in homöopathischen Mengen. Einen gut sortierten, kleineren „Empik“ in der Nowy Świat gab es noch – der ist dieses Jahr aber auch nicht mehr da. Andere „Empik“s verkaufen noch eine Handvoll CDs (meistens populäres Zeugs, Jazz ist auf ein absolutes Minimum reduziert), Filme aber gar nicht mehr. Als ich dort danach fragte, wurde ich auf den letzten größeren „Empik“ in der Innenstadt (im Einkaufszentrum Złote Tarasy) verwiesen.

Die Menge an CDs und nun auch Vinyl ging dort auch noch, auch wenn die Auswahl für Jazz leider sehr klein war. Was Filme angeht… ein schmales Regal (siehe Bild) stand dort noch und hier teilten sich nicht mal mehr eine Handvoll polnischer Filme den wenigen Platz mit Marvel- und Star-Wars- und anderen US-Filmen.

Ich vermute mal, die Entwicklung rollt auch auf uns zu. Saturn z.B. hat in Bremen ja das DVD/Blu-ray-Angebot auch schon deutlich reduziert. Ja, die Tendenz geht zum Streamen und da ist die kostbare Verkaufsfläche wohl unrentabel, wenn sie mit DVD/Blu-rays „verstopft“ wird. Ist nachzuvollziehen. Aber irgendwie bin ich da schon etwas traurig und vermisse das stundenlange Stöbern und Wühlen. Das Entdecken und die Freude, wenn man überraschenderweise eine lange gesuchte Scheibe aus dem Fach gezogen hat. Das ist jetzt eine vergangene Zeit. Zumindest in Polen.

Dieses Jahr habe ich dann – da ich gerade mal zwei Filme von meiner Liste gefunden habe – einen Online-Versand ausfindig gemacht, der auch nach Deutschland verschickt. Den probiere ich jetzt mal aus. Für polnische Jazz-Sachen habe ich schon letztes Jahr einen sehr guten Online-Händler (serpent.pl) gefunden. Das Leben spielt sich für den Freund polnischer Filme (und Jazzmusik) jetzt eben Online ab. Ohne das Kribbeln, wenn man einen Laden betritt und sich fragt, was man dort wohl findet. Alles ist jetzt mal eben per Klick erreichbar. Das ist einerseits schön, andererseits… nennt mich einen alten Dinosaurier, aber ich vermisse die alten, nun für immer verlorenen Zeiten wirklich sehr.

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