DVD-Rezensionen: „Halloween III-V“

Von , 31. Oktober 2014 19:35

Nach 20 bzw. sogar 22 Jahren auf dem Index, wurden die Teile 3 bis 5 der „Halloween“-Reihe wurden die Filme von der BPjM nach Antrag des Rechteinhabers vom Index gestrichen und erhielten nach einer Neuprüfung 2013 (im Falle von Teil 3 erst 2014) eine Altersfreigabe ab 16 Jahren. Und dies sogar in ungekürzter Form. Nachdem NSM im letzten Jahr via Östereich ein teures Media Book mit Blu-ray, DVD und Soundtrack-CD als Limited Collector’s Edition auf den Markt geworfen hatte, kam nun in Kooperation mit Tiberius Film eine kostengünstigere Variante auf den deutschsprachigen Markt und in die Kaufhäuser. Zwar muss man auf den Soundtrack (leider) verzichten, dafür kann man sich nun aber aussuchen, ob man die Blu-ray oder die DVD bevorzugt. Da auch die Extras 1:1 übernommen wurden, kann man hier für alle, die sich für die „Halloween“-Reihe interessieren und denen das Mediabook zu teuer war, von einer preisgünstigen Kaufempfehlung sprechen.

Halloween III – Die Nacht der Entscheidung (1982)

Halloween 3

Dr. Dan Challis (Tom Atkins) untersucht einen Mann, der mit schweren Verletzungen ins Krankenhaus eingeliefert wird, krampfhaft eine Halloween-Maske umklammert hält und mit letzter Kraft versucht, die Menschen vor einer tödlichen Gefahr zu warnen. Kurze Zeit später wird der Mann getötet und sein Killer sprengt sich in einem Wagen in Luft. Zusammen mit der Tochter des Mannes, Ellie (Stacey Nelkin), beginnt Dr. Challis zu ermitteln, was hinter diesen beiden mysteriösen Todesfällen steckt. Die Spur führt in die Kleinstadt Santa Mira, in der die Silver Shamrock Fabrik, die sich auf die Herstellung von Halloweenmasken spezialisiert hat, ihren Sitz hat. Besitzer der Fabrik ist Conal Cochran (Dan O’Herlihy) und seine engsten Mitarbeiter ähneln dem Mann, der Ellies Vater ermordete. Bald gerät das Paar in tödlich Gefahr…

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Der ungeliebte dritte Teil. Nachdem John Carpenter mit dem klassischen „Halloween“ den Startschuss zur großen Slasher-Welle der 80er Jahre gab und zugleich mit Michael Meyers eine der beliebtesten Schauerfiguren des Horrorgenres schuf, hängten die Produzenten drei Jahre später – obwohl der Film eigentlich keiner Fortsetzung bedurfte – ein Sequel dran. Das Tempo und die Gewaltspirale wurde noch einmal kräftig anzogen, weshalb „Halloween II“ bis heute in Deutschland beschlagnahmt ist. Dieses Sequel Weiter lesen 'DVD-Rezensionen: „Halloween III-V“'»

DVD-Rezension „Die Höhle“

Von , 30. Oktober 2014 21:10

Höhle Cover
Ein Gruppe von fünf Freunden unternimmt eine gemeinsame Tracking-Tour auf Formentera. In einem abgelegenen, menschenleeren Gebiet der Nähe der Küste entdecken sie den Zugang zu einer labyrinthartigen Höhle. Neugierig dringen sie immer weiter in die Höhle vor. Als sie den Rückweg antreten wollen, müssen sie, zu ihrem sich langsam steigernden Entsetzten, feststellen, dass sie sich in den weitläufigen Stollen hoffnungslos verlaufen haben…

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In den ersten Szenen des Filmes „Die Höhle“, gleitet die Kamera über eine einsame Landschaft an der spanischen Küste, um dann stimmungsvoll in der titelgebenden Höhle zu verschwinden. Dann ein harter Schnitt, und der Zuschauer erlebt durch eine wackeligen Videokamera mit, wie sich fünf Freunde an einem Flughafen treffen. Es folgen allerlei Albernheiten und ausgelassene Spielchen, die einer der fünf fleißig aufnimmt. Als geneigter Filmfreund schlägt man sich spätestens hier erst einmal gegen die Stirn. Schon wieder „Found Footage“. Diese Genre, welches nun schon seit Jahren von vielen begabten, und leider noch mehr unbegabten, Filmemachern ausgeschlachtet wurde und mittlerweile so tot sein sollte, wie das Arschgeweih über dem verlängertem Rücken. Doch das preisgünstige Genre erweist sich als zäher Wiedergänger und überschwemmt weiterhin den Filmmarkt. „Die Höhe“ funktioniert zu Beginn dann wie fast alle diese Filme. Man darf mit viel Gewackel den Aktivitäten einer Gruppe jungen Erwachsener folgen, die durch die Bank weg viel zu aufgedreht oder betont lässig sind, um irgendwie realistisch oder zumindest sympathisch zu wirken. Gemeinsames Nacktbaden, ein nächtliches Besäufnis oder Experimente mit leichten Drogen nerven ebenso so schnell, wie die platten Streiche, die sie sich gegenseitig spielen. Bewegt sich der eigene Finger auf der Fernbedienung langsam, aber sicher in Richtung „Aus“-Knopf, geht es in die titelgebende Höhle. Hier schlägt der Film dann relativ schnell einen anderen Ton an.

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Nachdem sich die Gruppe aufgrund ihrer eigenen Dummheit viel zu weit ins Innere des labyrinthartigen Gewirr aus engen Stollen vorgewagt hat, findet sie den Weg zurück nicht mehr. Recht schnell fallen die Masken, die man sich zuvor noch mühsam auf das Gesicht gepappt hat. Insbesondere der Scherzbold der Gruppe erweist sich sehr bald schon als tyrannisches Arschloch, der Schönling als hilfloses Anhängsel und der Kameramann als willfähriger Mitläufer. Bei den beiden Damen sieht es anders aus. Dass die schöne Eva García, die erste sein wird, die zusammenbricht ist von Anfang an offensichtlich, ebenso wie die Rolle der Marta Castellote als zähe Macherin, die als Einzige so etwas wie Moral hochhält. Moralisch-ethische Fragen sind es dann auch, mit denen Regisseur Alfredo Montero spielt. Wie weit geht man, um das eigene Überleben zu sichern? Wie schnell verroht der Mensch unter Extrembedingungen. Während andere Höhlenfilme noch eine externe Gefahr mit in den Ring werfen, bleiben die fünf Protagonisten in „Die Höhle“ unter sich, und der Film konzentriert sich ganz auf ihre Verzweiflung, ihre Qualen und dem Zerbröckeln ihres zivilisatorischen Schutzes.

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Dass Alfredo Montero seinen Film in einer echten Höhle gedreht hat, in der obendrein – so wird es zumindest im „Making Of“ stetig behauptet – tatsächlich einst eine Gruppe junger Menschen spurlos verschwand, kommt dem Film zu gute. Die P.O.V.-Kamera fängt die Enge der Höhle gut ein, und man hat in der Tat das Gefühl, von links und rechts, oben und unten zerdrückt zu werden. Zwar ist der auf dem Cover aufgedruckte, William-Castle-artig, Werbeslogan „Warnung: Dieser Film kann Atemnot und Beklemmungen auslösen. Ansehen auf eigene Gefahr.“ eine maßlose Übertreibung, aber gerade durch die eingeschränkte Sicht der Kamera und dem Spielen mit klaustrophobischen Ängsten, befindet man sich, als für solche Phobien empfänglicher Zuschauer, in einer ausgesprochen unangenehmen Situation. Und in der Tat hätte eine Entscheidung, den Film auf konventionelle Weise zu drehen, vielleicht diesen beklemmenden Effekt stark abgemindert. Von daher kann man in diesem einen Falle die künstlerische Entscheidung, den Film als weiteren „Found Footage“-Klon zu drehen, nachvollziehen und für gut heißen.

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Tatsächlich ist man in der zweiten Hälfte sehr nah an den Figuren. Alfredo Montero macht sich sogar die Mühe, die ständig anwesende Kamera zu erklären. Der Kameramann besitzt einen Reiseblog, für den er die Exkursion der Fünf festhalten will, und immer wieder erwähnt er voller Vorfreude die ungeheuren Click-Raten, die ihm sein Video nach der Rettung beschweren wird. Später dient die Kamera als einzige Lichtquelle oder Nachtsichtgerät. Gerade in letzteren Szenen, zieht die Spannung und Dramatik dann sprunghaft an. Davor beschäftigt Montero sich eher mit dem Erschaffen einer verzweifelt-klaustrophobischen Stimmung und der Frage nach dem Verfall der Moral, der Zivilisation und der persönlichen Grenzen im Angesicht einer scheinbar aussichtslosen Situation. Seinen zentralen Tabu-Bruch inszeniert er dann aber nicht voyeuristisch-exploitiv, sondern angenehm dezent und ohne die vermutete Zeigelust. Mehr konzentriert er sich darauf, was dieser in den Figuren auslöst – oder eben auch nicht auslöst.

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Obwohl wieder einmal das stark ausgelutschte Genre des „Found Footage“ bemüht wird, gelingt es Regisseur Alfredo Montero dieses effektiv für das Erzählen seiner Geschichte zu nutzen, und eine bedrückend-klaustrophobische Stimmung zu erschaffen. Dabei werden auch ethisch-moralische Fragen angerissen.

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Das Bild dieser Ascot Elite Veröffentlichung ist für einen Film des Found Footage-Genres erstaunlich gut. Vielleicht sogar etwas zu gut, um authentisch zu wirken. Auch beim Ton gibt es keine Abstriche, höchstens bei der Synchronisation, die leider recht schwach ausgefallen ist. Besser im Original mit deutschen Untertiteln schauen.  Als Bonus gibt es ein 11-minütiges „Making Of“ und fünf Featurettes, in denen sich bemüht wird, immer wieder auf die „wahre Geschichte“ hinter „Die Höhle“ hinzuweisen. Ob nun wirklich einst fünf Freunde in der Höhle verschwanden, oder dies ein „Blair Witch Project“-ähnlicher Marketing-Trick ist, ist mir leider nicht bekannt, tut aber auch nicht so viel zur Sache. Insgesamt ist das Bonusmaterial recht unterhaltsam ausgefallen.

Originalfassungen in Bremen: 30.10.14 – 05.11.14

Von , 29. Oktober 2014 21:21

Und auch die wöchentliche Rubrik mit den Originalfassungen in Bremer Kinos geht nun weiter. In dieser Woche hat man die Auswahl zwischen so vielen interessanten Filmen, dass es schwer fällt nur eine Empfehlung abzugeben. Schön finde ich, dass das CineStar nun gleich zwei Filme im Original zeigt. Bitte weiter so.

5 Zimmer Küche Sarg – Cinemaxx, Do., Sa./So., Di./Mi. jeweils um 21:00 – Publikums-Favorit auf der Berlinale und dem Fantasy Filmfest! Neuseeländische Mockumentary über Leben in einer Vampir-WG.

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Happy New Year – Cinemaxx, Do. um 20:30 und So. um 17:00 & CineStar. Do. und Mo. um 20:00 –  Einer neuer Bollywood-Film mit Shah Rukh Khan. Inszeniert von der großartigen Bollywood-Regisseurin und -Choreographin Farah Khan. Um einen spektakulären Raub zu begehen, muss eine Gaunerbande einen Tanzwettbewerb gewinnen.

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Unutursam Fisilda – Cinemaxx, Do.-Mi. immer 20:20 und 22:50 – Türkisches Liebesdrama um ein junges Paar, welches gemeinsam aus der Provinz nach Istanbul flüchtet.

Incir Receli 2 – Cinemaxx, Mi. um 23:00 und So./Mo. um 23:15 – Türkisches Drama um einen Mann, der nicht über den Verlust seiner großen Liebe hinweg kommt.

Pride – Cinemaxx, Fr, 31.10. um 21:10 & Schauburg, Mi., 5.11. um 19:00 – Britischer Film über eine Gruppe schwule und Lesben, die 1984 die streikenden Minenarbeiter in Wales unterstützen wollen.

Love, Rosie – Für immer vielleicht – CineStar, So., 2.11. um 20:00 – Englischsprachiger Liebesfilm um zwei gute Freunde, die einfach kein Paar werden. Mit Lilly Collins (Tochter von Phil).

20.000 Days on Earth – Schauburg, So., 2.11. um 21:00 – Verspielte Doku, die Nick Cave an seinem 20.000sten Tag auf Erden begleitet.

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Plötzlich Gigolo – Atlantis. So., 2.11. um 20:00 – Tragikomödie von und mit John Turturro, der einen klammen Antiquitätenhändler spielt, der in seiner Not zum Begleiter reicher Frauen wird. In weitern Rollen: Woody Allen, Sharon Stone und Vanessa Paradis.

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Ida – City 46, Do., 20:30 und Fr., So., Mo. um 18:00 – International sehr erfolgreiches Drama aus Polen, über eine Novizin, die 1962 mit der Vergangenheit ihres Landes und ihrer Familie konfrontiert wird. Wie ich hörte, sehr empfehlenswert!

Der Kreis – City 46, Do., 30.10. um 20:00 – Als Mitte der der 1950er Jahre die Schweizer Polizei damit beginnt, bekannt gewordene Homosexuelle zu registrieren. bildet sich die geheime Organisation „Der Kreis“, der auch der junge Lehrer Ernst angehört. Preisgekröntes Doku-Drama auf Schweizerdeutsch.

Song from the Forest – City 46, Do. um 18:00 und Fr. um 20:30 – Amerikanische Doku über den Musikologen Louis Sarno, der die Klangkultur der Pygmäen studieren will, dann aber bei dem Volk der Bayaka bleibt und dort eine Familie gründet.

Yoole (Le sacrifice) – City 46, So./Mo. um 20:30 und Di. um 18:00 – Dokumentation aus dem Sengegal über 53 Männer, die auf der Flucht aus ihrem auf dem Meer umkamen.

Sneak Preview – Cinemaxx, Mo., den 03.11. um 19:40

Sneak Preview – Schauburg, Mo., den 03.11. um 21:00

 

Einführung zu „Lolita am Scheideweg“ auf dem 5. Deliria-Italiano-Forentreffen in Nürnberg

Von , 28. Oktober 2014 19:34

deliria_lolitaAuf dem 5. Öffentlichen Forentreffen von deliria-italiano.de am 10. und 11. Oktober hatte ich die Ehre, die Einführung zu dem ersten von vier auf 35mm gezeigten Filmen zu halten. Einer Aufgabe, der ich gerne nach kam, handelte es sich doch hierbei um „Lolita am Scheideweg„. Einem selten gezeigten Film des von mir sehr verehrten Jess Franco.

Da ich verschiedentlich darum gebeten wurde, den Vortrag noch einmal zur Verfügung zu stellen, werde ich Ihn hier nun einer breiteren Masse zugänglich machen.

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„Der amerikanische Filmjournalist Tim Lucas schrieb einst, man kenne keinen Jess-Franco-Film, bis man sie nicht alle gesehen hätte. Das ist vielleicht überspitzt formuliert, trifft aber den Kern der Sache. Francos Filme sind kleine Mosaiksteinchen, die sich am Ende zu dem Bild eines besessenen Filmemachers zusammenfügen, welcher uns mit glühender Leidenschaft an seinen Fetischen, Träumen und Albträumen teilhaben lässt.

Laut der IMDb hat der am 12. Mai 1930 in Madrid geborene Jesús Franco Manera zwischen 1957 und 2013 bei 202 Filmen Regie geführt. In den 70er und den 80er Jahren waren es manchmal bis zu 14 Filme in einem Jahr. Jess Francos Leben war Film und er lebt in seinen Filmen weiter, denn er hat sie bedingungslos mit seiner Persönlichkeit, seinen Obsessionen und seiner ganze Liebe gefüllt.

Seine Schauspieler waren für ihn seine Familie. Und dies manchmal nicht nur im übertragenen Sinne, wie man an seiner Ehefrau Lina Romay sieht. Mit ihr war er ab 1973 zusammen und bis zu ihrer schweren Krebserkrankung 2005 trat sie fast jedem seiner Filme auf (in „Lolita am Scheideweg“ ist sie „Sultana“, die Hundefrau, welche man gleich am Anfang sieht). Antonio Mayans alias Robert Forster, der Franco seit den frühen 70er Jahren begleite, kümmerte sich in dessen letzten Monaten um ihn, und beendete seinen letzten Film „Revenge of the Alligator Ladies“, nachdem Jess Franco am 2.April letzten Jahres verstarb. In „Lolita am Scheideweg“ sehen wir ihn gleich in der Rolle des Alberto de Rosa.

Das leider schon lange vergriffene Buch „Obsession – The Films of Jess Franco“, welches heute auf Amazon und eBay nur noch zu Fantasiepreisen von um die Euro 400,- zu bekommen ist, unterteilt Jess Francos Karriere in sieben Phasen, die ich hier der Einfachheit halber übernehmen möchte. Auch wenn ich mit den Einteilungen nicht wirklich zufrieden bin, und man diese auch sicherlich noch einmal diskutieren müsste.

Jess Francos Karriere beginnt danach mit den „Classical Years 1952-1965“ in denen er seine ersten Schritte im Filmgeschäft unternahm und zunächst alle möglichen Genres bediente, wie die Komödie, das Musical oder sogar den Western. Der Krimi „La Muerte Silba un Blues“ (1962), eine Mischung aus „jazzy film noir“ und Eurospy, gefiel dem von Franco hoch verehrten Orson Welles so gut, dass er Franco später mit den 2nd Unit Aufnahmen seiner Shakespeare-Verfilmung „Chimes at Midnight“/“Falstaff“ (1965) betraute. Wichtiger aber noch ist Francos erster Horrorfilm „The Awful Dr. Orlof“, der ihn nicht nur mit seinem späteren Stammschauspieler und guten Freund Howard Vernon zusammenführte, sondern auch den Startschuss zu Francos eigentlicher Karriere gab. Franco führte in diesem Film erstmals zahlreiche Themen und Motive ein, zu denen er in den nächsten 50 Jahren immer wieder zurückkehren sollte.

Die zweite Phase nennt „Obsession“: „The Pop Art Years 1965-1967“. Hier drehte Franco z.B. für die Münchener Aquila Film des Schauspielers und Regisseurs Adrian Hoven. Dazu gehörten zwei Filme um das von Franco erfundene weibliche Detektiv-Dou „Die Roten Lippen“: „Sadisterotica“ (unter dem blumigen Titel „Der Wolf – Horror Pervers“ später auf Video veröffentlicht) und „Küß Mich, Monster“. Sowie einer seiner berühmtesten Filme: Der surrealen „Necronomicon – Geträumte Sünden“, welcher sogar der Regielegende Fritz Lang gefiel.

Das höchste Budget seiner langen Karriere, dürfte Franco in den „Harry Alan Towers Years 1968-70“ zur Verfügung gestanden haben. Für den britischen Filmproduzent drehte er den aufwändigen „Der Hexentöter von Blackmoor“ mit zahlreichen Massen- und Schlachtszenen, „Nachts, wenn Dracula erwacht“ mit Christopher Lee in der Titelrolle. Und einen meiner Lieblings-Francos: Die surreale Jazz-Fantasie „Venus im Pelz“. Zudem fällt in diese Phase auch „Eugenie – The Story of her Journey into Perversion“ alias „Die Jungfrau und die Peitsche“, wiederum mit Christopher Lee, der gar nicht erfreut war, als er im Nachhinein feststellte, dass er in einem Sexfilm besetzt worden war. Dieser Film ist quasi die „Urfassung“, des Filmes, den wir heute Abend sehen. Dazu aber später mehr.

Es folgen „The Peak Years 1970-73“ in denen Franco u.a für Artur Brauners CCC die wunderbaren Klassiker „Vamypros Lesbos“ und „Sie tötete in Ekstase“ drehte. In diesen Filmen spielte seine damalige Muse Soledad Miranda alias Susann Korda die Hauptrolle. Leider kam sie mit nur 27 Jahren 1971 bei einem Autounfall ums Leben, was Franco ziemlich aus der Bahn warf. 1971 wechselte er auch zu Robert de Nesles berüchtigte Billigfirma C.F.F.P. Dort realisierte er die surreal-bizarren Frankenstein-Filme „Die Nacht der offenen Särge“ und „Erotic Rites of Frankenstein“ (schöner deutscher Titel „Das Blutgericht der gequälten Frauen“). Bei den Dreharbeiten zu Letztgenanntem, lernte er die junge Rosa María Almirall Martínez kennen, die hier noch als Statistin arbeitete, doch schnell das Herz Francos gewann und von ihm 1973 unter dem Namen „Lina Romay“ in „Female Vampire“ („Entfesselte Begierde, Erotikill“) in der Hauptrolle besetzt wurde. Diese spielte sie ab da auch in seinem Leben.

Die Phase von 1973-1979 wird in „Obsession“ etwas derespektierlich unter „The Porno Holocaust Years“ zusammengefasst. Was ich unglücklich finde, da „Porno Holocaust“ erstens ein recht schlechter Zombie-Porno-Mix von Joe D’Amato ist, und zweitens in diese Phase einige hochinteressante Franco-Filme fallen. Wie z.B. sein beinahe autobiographischer Schlüsselfilm „The Sadist of Notre-Dame“, sowie die Filme, die er zwischen 1975 und 1977 für Erwin C. Dietrich drehte und welche heute zu seinen bekanntesten Arbeiten zählen. Wie „Frauengefängnis“, „Jack the Ripper“ oder “Liebesbriefe einer portugiesischen Nonne“.

Der heute gezeigte Film „Lolita am Scheideweg“ gehört in die „The Homecoming Years 1980-1987“, die ihn mit dem Umweg über die Lisa-Film – für die er u.a. den in Deutschland noch immer verbotenen „Die Säge des Todes“ mit Oliva Pascal inszenierte – zurück in seine Heimat Spanien führte, wo 1980 auch „Lolita am Scheideweg“ entstand. Leider ist von diesen spanischen Filmen – von denen er teilweise acht Stück pro Jahr drehte – kaum ein Titel außerhalb Spaniens veröffentlicht worden. Am Ende dieser Phase stehen dann einige billige Pornos, die er zusammen mit Lina Romay unter dem Pseudonym Lulu Laverne herstellte. Wie die „Falcon Crest“-Parodie „Falo Crest“ oder „Lulu’s Talking Asshole“.

Die „Autumn Years ab 1987“ fingen zunächst sehr vielversprechend an. Eurociné gab Franco noch einmal richtig Geld in die Hand, mit dem er „Faceless“ drehen konnte. Dieser war mit Helmut Berger und Telly Savalas ausgesprochen prominent besetzt und seine größte Produktion seit den späten 60er Jahren. Nach 1990 wurde es dann ruhig um Franco und erstmals seit über 30 Jahren legte er auch Pausen ein. In dieser Zeit restaurierte er Orson Welles unvollendetes „Don Quixote“-Projekt aus den 50er Jahren. Francos restaurierte Fassung hatte 1992 unter dem Titel „Don Quijote de Orson Welles“ in Cannes Premiere. 1993 erschien dann das Buch „Obsession – The Films of Jess Franco“ und vor lauter Euphorie steckten – bzw. versenkten – zwei der Herausgeber 1997 ihr Geld in Francos Film „Tender Flesh“. Dieser wurde erstmals auf Video gedreht und markiert den Anfang dessen, was ich „The Final Years 1997-2013“ nennen möchte.

Auf „Tender Flesh“ folgten noch zahlreiche weitere, billig auf Video gedrehte Filme.Vor allem in den letzten Jahren waren dies mehr oder weniger private Angelegenheiten, die in Francos eigener Wohnung mit kaum mehr als einer Handvoll Laien-Darsteller inszeniert wurden. Am Ende verzichtete Franco dann vollständig auf eine Narrative und konzentrierte sich gänzlich darauf, seine voyeuristischen Träume in Bilder zu fassen. Sein letzter Film war 2012 „Al Pereira vs. the Alligator Ladies“, in dem er noch einmal auf die von ihm entwickelte (und teilweise auch gespielte) Figur des heruntergekommenen Privatdetektivs Al Pereira zurück griff.

Immer wieder tauchen in Francos Werken die gleichen Namen und Figuren auf. Neben Al Pereira sind die z.B. Orloff, Morpho, Radek, Martine de Bressac oder eben auch Eugenie. Oftmals kehrte er auch zu Themen zurück, die ihn ihn schon zuvor beschäftigt hatten. Die Geschichte seines Film „The Awful Dr. Orlof“ beispielsweise verwendete er nicht nur in „Jack the Ripper“, sondern gleich auch noch einmal in „Faceless“, sowie teilweise auch in „Die Rache des Hauses Usher“. Und auch die Geschichte um „Eugenie“ verfilmte er mehrfach. Dabei kann man aber nicht unbedingt von schlichten Remakes reden. Franco war nicht nur Filmemacher, sondern auch leidenschaftlicher Jazzmusiker und daher wäre es nur angebracht, besser von verschiedenen Variationen eines Themas zu sprechen.

Im dem Buch „Pioniere und Prominente des modernen Sexfilms“, welches sich 1983 erstmals in deutschsprachigen Raum ernsthaft mit Francos Arbeit beschäftigte, wird er mit folgenden Worten zitiert: „Ich bin ein sexuell Besessener, ein enorm Besessener. Ich bin ein Voyeur, und ich will davon nicht geheilt werden – daher mein gigantisches Vergnügen, Sexszenen zu erfinden, sie zu dirigieren, sie zu sehen und sie obendrein zu filmen… Das erfreut mein ganzes Wesen.“
Genau diese Freude an der Inszenierung seiner ganz eigenen, voyeuristischen Bedürfnisse, wird auch immer wieder ganz direkt in seinen Filmen thematisiert. So gibt es häufig minutenlange Nachtclub-Sex-Shows, die mit der eigentlichen Handlung des Filmes nichts, oder nur partiell zu tun haben. Auch die Kamera ist Francos Filmen immer voyeuristisch. Sie verbirgt sich hinter Weingläsern, Aquarien oder Blumenkübeln, um aus diesem Versteck heraus, heimlich die Liebesspiele der Akteure zu beobachten. Oder sie lässt den Blick schnell einmal über eine Brustwarze – oder noch lieber zwischen die Schenkel einer der Darstellerinnen – wandern, auch wenn eine klassische Bildauflösung nach einer ganz anderen Einstellung verlangt hätte.

Aber nicht nur nackte Menschen haben es Franco angetan. In seinen Filmen widmet er sich auch ausführlich anderen schönen Dingen. Kaum ein Film, in dem der Establishment shot – also eine Landschaftseinstellung, die die Handlung verortet – nicht sehr viel länger als eigentlich nötig über die Landschaft streicht. Oftmals benutzt Franco auch ungewöhnliche Architektur oder Interieurs als Hintergrund für seine Filme. Wie den Apartment-Komplex „El Xanadu“ des spanischen Architekten Ricardo Bofill Levi in Calpe/Alicante an der Costa Blanca, den er in „Sie tötete in Ekstase“, „La Comtessa Perverse“ und in unserem heutigen Film „Lolita am Scheideweg“ als Kulisse nutzte.

Ebenfalls wichtig für das Werk Francos, sind die Schriften des Marquis de Sade, die ihn immer wieder inspiriert haben. Insbesondere „Die Philosophie im Boudoir oder Die lasterhaften Lehrmeister“ hatte es ihm angetan. Der Untertitel des Buches lautet „zur Erziehung junger Damen bestimmt“ und es handelt davon, wie die freigeistige Madame de Saint-Ange und ein Freund ihres Bruders, der Libertin Dolmancé, die Sexualerziehung des 15 Jahre alten Mädchens Eugénie übernehmen. Der Unterricht umfasst die anatomische Erörterung der Sexualorgane und der erogenen Zonen, die praktische Überprüfung des Gelernten in konkreten Sexualhandlungen, sowie sittlich-moralische Betrachtungen über das Sexualverhalten der Geschlechter im Besonderen und über deren Sozialverhalten im Allgemeinen. Im Verlauf der praktischen Erziehungsarbeit werden weitere Personen wie der Bruder von Madame de Saint-Ange und ihr Gärtner unterstützend hinzugezogen.

Franco hat seine Version der „Philosophie im Boudoir“ erstmals 1969 als „Eugenie… the Story of her Journey into Perversion“ (Die Jungfrau und die Peitsche) mit Marie Lilljedahl als Eugenie, Maria Röhm Mme de St. Ange und Christopher Lee als Dolmancé verfilmt. Im selben Jahr folgte „Eugenie de Sade“ mit Soledad Miranda als Eugenie und Paul Muller in der Rolle ihres Vaters. Dieser Film erzählt in einer von der de Sadeschen Geschichte inspirierten Handlung davon, wie Eugenie Radeck von ihrem Vater in die Welt der sexuellen Perversion eingeführt wird. 1978 inszenierte Franco die Geschichte noch einmal als Porno unter dem Titel „Cocktail Spécial“. Und 1980 entstand „Lolita am Scheideweg“ mit der damals gerade einmal 14-jährigen Katja Bienert als Eugenie.

Die spanische Originalversion dieses Filmes trägt den Titel „Eugenie, Historia de una Perversion“ und ist 94 Minuten lang. Für den deutschen Markt wurde der Film von Carl Spiehs für seinen Residenz-Verleih gekauft und bearbeitet. Die Kinofassung – die wir heute sehen – ist nur noch 77 Minuten lang, die Videoversion dann 70, die RTL-TV-Ausstrahlung nur noch 64 Minuten. Die getragene Jazz-Musik, die im Original von Franco und Pablo Villa alias Daniel J. White stammt, wurde in der deutschen Fassung komplett durch einen weitaus schmissigere Score von Gerhard Heinz ersetzt, zudem wurden einige Szenen aus der 1977er Lisa-Produktion „Die Insel der 1000 Freuden“ von Hubert Frank als Traumsequenzen in den Film hereingeschnitten. Und wie man am Titel bereits sieht, wurde aus „Eugenie“ in dieser Fassung dann auch noch „Lolita“.

Ich wünsche Euch allen nun viel Spaß bei dem jetzt folgenden Film: „Lolita am Scheideweg“.“

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Das Bloggen der Anderen (27-10-14)

Von , 27. Oktober 2014 21:57

bartonfink_type2– Patrick Holzapfel von Jugend ohne Film ist auf der Viennale zu Gast und hat dort den neusten Film der überaus talentierten Jessica Hauser gesehen: „Amour Fou“. Sein Fazit: „Der romantischte Film über die Lächerlichkeit von Romantik, den ich gesehen habe.“ Rainer Kienböck verteidigt „Listen Up Philip“ von Alex Ross Perry, der von den meisten Kritikern als „Sundance Bullshit“ abgekanzelt wird. Und, hui, eine sehr kritische Besprechung eines Filmes, auf den ich mich trotzdem (oder gerade deswegen?) ganz besonders freue: „Es ist schwer ein Gott zu sein“.

– Unglaublich, dass selbst die Filme solcher Kanon-Regisseure wie Michaelangelo Antonioni bis heute nicht wirklich für das deutschsprachige Heimkino ausgewertet wurden. So auch sein Frühwerk „Chronik einer Liebe“, welches Udo Rotenberg auf L’amore in città vorstellt.

– Regie: Wolfgang Staudte. Drehbuch: Horst Wendlandt. Darsteller: Martin Held, Mario Adorf, Walter Giller, Agnes Windeck, Hannelore Elsner, Sabine Bethmann, Herbert Fux, Rudolf Platte, Heinz Erhardt, Siegfried Schürenberg. Da schnalzt man doch genüßlich mit der Zunge. Zurecht, wie Udo in seiner Besprechung des Klassikers „Die Herren mit der weißen Weste“ auf Grün ist die Heide findet.

– In den 50er Jaren gab es eine Phase, in der mit zweisprachigen Filmfassungen experimentiert wurde. Otto Premingers „Die Jungfrau auf dem Dach“/“The Moon Is Blue“ 1953 ist hierfür wohl das prominenteste Beispiel. Da wurden dann eine deutschsprachige Fassung und (mit den selben oder anderen Schauspielern) eine englischsprachige Fassung simultan gedreht. Einer dieser Filme ist der österreichisch-amerikanische film noir „Abenteuer in Wien“, bzw. „Stolen Identity“ von 1952, welcher von Manfred Polak sehr ausführlich und detailliert auf Whoknow presents untersucht wird.

– Alex Klotz hat für hypnosemaschinen wieder ein interessantes Werk ausgegraben: Den Horrorfilm „Sleepwalker“, den Saxon Logan 1984 inszenierte, der sogar vor begeistertem Publikum auf der Berlinale lief – um dann keinen Verleih zu finden und für lange Zeit in der Versenkung zu verschwinden. Spannend.

– Das Magazin des Glücks beschäftigt sich mit zwei Fernsehfilmen von Alan Bennett (Drehbuch) und John Schlesinger (Regie) von 1983 bzw. 1991.

Movies&Sports hat das Programm des 1. Auswärtigen Sondergipfels des Hofbauer-Kommandos online.

– Harald Mühlbeyer war wieder bei einer Grindhouse-Nacht dabei und sah zwei japanische Spielfilme, die er auf screenshot bespricht: „Die Exekution” von Chûsei Sonne und „Sternenkrieg im Weltall“ von Kinji Fukasaku.

– Christian Gertz hat auf Mehrfilm endlich den Abschluss seines vierteiligen Berichts vom Internationalen Filmfest in Oldenburg veröffentlicht. Überraschenderweise schreibt er, dass die Sonntagnachmittag-Vorstellung von Till Kleinerts empfehlenswerten „Der Samurai“ ausverkauft war. Da hatte ich Glück, denn am Samstagabend waren noch reichlich Plätz frei geblieben.

– In Oldenburg lief auch „White Bird in a Blizzard“ von dem Der Kinogänger recht begeistert ist.

– Auch Thorsten Krüger hat „White Bird in a Blizzard“ gesehen und kommt auf Komm&Sieh zu einem positiven Fazit. Gleiches gilt für den neuen Film eines meiner Lieblinge, Roy Andersson, mit dem wunderbar sperrigen Titel „Eine Taube sitzt auf einem Zweig und denkt über das Leben nach“.

– Oliver Armknecht hat für film-rezensionen.de den vielgelobten „Love Steaks“ besprochen und freut sich über den frischen Wind. Und als Papa werden für mich auch Kinderfilme immer wichtiger, und darum freue ich mich über die Empfehlung des Animationsfilms „Khumba – Das Zebra ohne Streifen am Popo“.

– Jennifer Borman interviewt für B-Roll das Regie-Team Taika Waititi und Jemaine Clement, welches den Festival-Liebling „5 Zimmer Küche Sarg“ auf die Leinwand brachten. Joachim Kurz schreibt über Filmfestivals im Herbst und Lucas Barwenczik stellt das Animationsfilm-Studio Laika („ParaNorman“, „BoxTrolls“) vor.

– 1984 starb Francois Truffaut. Ein ausführliches Essay zum 30. Todestag von Pascale Anja Dannenberg auf critic.de.

– So ganz warm ist Lukas Foerster mit Domink Grafs „Die reichen Leichen. Ein Starnbergkrimi“ nicht geworden. Gefallen hat er ihm aber trotzdem. Warum schreibt er auf Dirty Laundry.  Außerdem: Kommentarlose Bewertungen der Filme, die auf dem Filmfestival in Osnabrück liefen. Scheint ein großartiges Programm gewesen zu sein. Nächstes Mal muss ich da auch hin.

– Sascha Nolte empfiehlt einen Film, der mir auch sehr am Herzen liegt: „I Declare War“ (meine Besprechung hier). Zu finden auf Die seltsamen Filme des Herrn Nolte.

– cutrin schreibt auf filmosophie über Chaos-Cinema und The Zero Theorem.

– Oliver Nöding ist auf Remember It For Later sehr enttäuscht von Denis Villeneuves neuem Film „Enemy“.

– Goetz schreibt auf Schöner Denken ein hingerissene Kritik des neuen Christian-Petzold-Films „Phoenix“.

– Und auch Bettina Klix auf new filmkritik mochte „Phoenix“ sehr. Auch wegen eines bestimmten Liedes.

– Einmal auf Rockys Fußspuren wandeln? Filmtourismus.de zeigt wo und wie.

– Was hört man so in den deutschsprachigen Film-Podcasts? Max verrät es auf Wiederaufführung.

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