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Bericht vom 4. Mondo-Bizarr-Weekender in Düsseldorf – Tag 1

Von , 7. Februar 2018 23:33

Am vergangenen Wochenende machte ich mich mit einer sehr netten Truppe aus Bremen, Kirchweyhe und Herford auf den Weg ins karnevaleske Düsseldorf. Aber mitnichten, um diesem seltsamen närrischen Treiben beizuwohnen, sondern um an einer der schönsten Kinoveranstaltungen des Jahres teilzunehmen: Dem vierten „Mondo Bizarr Weekender“ in dem Kino Black Box, welches sich im schönen Filmmuseum Düsseldorf befindet. Uns erwarteten acht Filme aus aller Welt, die in den 60er, 70er und frühen 80er Jahren in die deutschen (Bahnhofs-)Kinos kamen. Alles natürlich stilecht als 35mm-Kopien. Ein Traum für jeden Filmfreund, der ein großen Flecken in seinem Herzen für die buckeligen Wege neben der gut asphaltierten Kanon-Filmgeschichte hat.

Der „Mondo Bizarr Weekender“ ging drei Tage, und unsere gut gelaunte Reisegruppe war im Hotel Kastens untergekommen, welches ich schon von unserem Deliria-Italiano.de-Forentreffen vor zwei Jahren gut kannte. Das Kastens schien generell das bevorzugte Hotel der von weiter weg kommenden „Mondo“-Gäste zu sein. Zumindest sah man morgens im Frühstücksraum bekannte Gesichter und unzählige männliche Gäste in thematisch gut abgestimmten T-Shirts. Zur Black Box ist es auch nicht weit, und so waren wir trotz eines langen Staus im Ruhrgebiet pünktlich und sogar noch beim Libanesen um die Ecke gut gestärkt im Kino. Am Freitag lief zunächst ein Double-Feature.

Argoman – Der fantastische Supermann – Man hätte das kleine Festival der guten Laune nicht besser starten können als mit diesem bunten Superheldenfilm aus dem wundervollen Italien. „Argoman“ war Teil einer kleiner Superhelden-Welle Ende der 60er Jahre, die weniger an Marvel und Konsorten, sondern eher an die italienischen Fumetti erinnerten. Dementsprechend hat Argoman zwar Superkräfte, befindet sich aber näher an seinem schurkischen Kollegen Diabolik und den damals populären Agentenfilmen.

Argomans Kraft ist Telekinese. Einmal nutzt er diese, um eine hinreißende Brünette samt ihres Hoovercrafts auf seine luxuriöse Insel zu bringen. Keine gute Idee, denn nach dem Sex verliert unser Held seine Kräfte immer für sechs Stunden. Was sein treuer Diener (Schurken- und Patriachendarsteller Eduardo Fajardo mit Bräunungscreme und Turban) minutiös protokolliert. Argoman heißt in zivil Sir Reginald Hoover und wird von dem Amerikaner Roger Browne gespielt, der eine gewisse Ähnlichkeit mit Barbies Ken aufweist und über ähnliche schauspielerische Fähigkeiten verfügt. Browne ist auch der Schwachpunkt des Filmes, denn sein stets siegesgewiss grinsender, extrem übergriffiger Sir Reginald besitzt weder Charme, noch besonders viele Sympathiepunkte. Eigentlich muss man sogar sagen, dass man dem schmierigen Gockel von Herzen unsympathisch findet. Ihm wird Jenabell, die „Königin der Welt“ gegenübergestellt. Gespielt von der schönen Dominique Boschero, die in jeder Szene ein neues, extravagantes Kostüm trägt und weitaus mehr Präsenz verspürt als unser Argoman.

Die Geschichte ist zwar unnötig kompliziert erzählt, aber wunderschön gefilmt und voller herrlichem Zeitkolorit. Regisseur Sergio Grieco ist hier noch sehr viel dichter an seinen vielen ebenfalls unter dem Pseudonym Terence Hathaway gedrehten James-Bond-Rip-Offs als an seinem rauen Meisterwerk „Der Tollwütige“. „Argoman“ ist zu keiner Sekunde langweilig. Man greift sich zwar des öfteren an den Kopf und auch die ein oder andere sexistische Szene lässt einem heutzutage den Magen grummeln, aber man ist durchaus bereit, dies dem bunten Film zu verzeihen, der eben ein typisches Kind seiner Zeit ist. Untermalt von der fluffigen Musik eines Piero Umiliani lässt man den farbenfrohen Bilderreigen über sich hinweg rauschen und ist am Ende dann ein wenig in Dominique Boschero verliebt.

Planet des Schreckens – Auf diese Roger-Corman-Produktion hatte ich mich sehr gefreut. Hatte ich doch kurz zuvor den schwer unterhaltsamen „Mutant“ gesehen, der teilweise in denselben Kulissen entstand. Leider konnte mich dieser Planet nicht ganz überzeugen. Vielleicht waren einfach die Erwartungen zu hoch. Vielleicht tat der Schlaf, der mich zu dieser späten Stunde immer wieder übermannte sein übriges. Vielleicht muss ich mich noch einmal in die „Galaxy of Terror“ schießen lassen, um dem Film gerecht zu werden. So bleibt ein ziemlich „krauchiger“ Film, der ewig braucht, um in Fahrt zu kommen und sich immer wieder in seine eigene, von „Alarm im Weltraum“ inspirierte Geschichte verheddert.

Oftmals hat man das Gefühl, dass die Macher um Regisseur Bruce D. Clark selber nicht so recht wussten, worum es eigentlich gehen soll und manche Szenen einfach so entlang des Weges improvisiert wurden. Egal, ob sie nun in den Handlungsfaden passen oder nicht. Es scheint fast so, als ob jemand die Idee hatte, wie das wohl wäre, wenn eine attraktive Frau von einer riesigen Made vergewaltigt würde – und sich dann angestrengt eine Handlung drumherum ausgedacht hätte. So bleibt der Film leider Stückwerk, welches sich um jede nachvollziehbare Logik einen Dreck schert.

Was bleibt sind die fantastischen Kulissen, die ein junger James Cameron aus alten Pappkartons und Spucke gezaubert hat, und die von Kameramann Jacques Haitkin (später auch bei Wes Cravens „A Nightmare on Elm Street“ und dessen Fortsetzung als „Director of Photography“ hinter der Kamera, heute an großen Produktionen wie den Marvel-Filmen, Fast&Furious-Serie oder „Kong“ beteiligt) beeindruckend eingefangen wurden. Ja, „Planet des Schreckens“ sieht einfach toll aus. Er besitzt auch einige bemerkenswerte Szenen (wie Robert Englunds Kampf gegen sich selber oder eben die schon erwähnte Madenszene), die aber zusammen nicht wirklich ein Ganzes ergeben. Da können auch die gern gesehen Schauspieler, wie Grace Zabriskie (die schon als junge Frau sehr creepy aussah), Robert „Freddy“ Englund, die großartige Fresse Sid Haig und Ray Walston nicht viel ausrichten. Die Helden bleiben demgegenüber sehr blass und der spätere Produzent von stylischer 80s Erotik, Zalman King, darf over-acten und so ekelhaft blöd daher kommen, dass gerade sein Kotzbrocken Baelon ganz besonders im Gedächnis bleibt. Schade. Aber durchaus einen zweiten Blick wert. Irgendwann.

Insgesamt aber ein toller Auftakt, der viel für das weitere Wochenende versprach. Ein Wort noch zu den 35mm-Kopien. Diese waren absolut tadellos und sahen einfach fantastisch aus. Nach dem Kino suchten wir noch eine nette Schänke, um in einer kleinen Gruppe das Gesehene zu verarbeiten. Doch seltsamerweise werden in Düsseldorf Freitags nach Mitternacht die Bürgersteige hochgeklappt. Wir fanden schließlich noch eine recht großes Gasthaus, welches aber nach – mit für Düsseldorf scheinbar typisch rauer Herzlichkeit ausgeführten – Ausschank auch schon bald die Pforten schloss. Also ab ins Hotel und Schlaf für den folgenden Tag tanken.

DVD-Rezension: “The Executor – Der Vollstrecker”

Von , 3. Februar 2015 21:28

executorNach dem großen Atomkrieg ist das Wasser knapp geworden. Eine Gruppe Überlebender hat sich in eine Höhe zurückgezogen, wo sie Nahrungsmittel züchten. Doch ohne Wasser wird es auch bald keine Nahrung mehr geben. Der Vater des jungen Tommy (Luca Venantini) ist einst losgezogen, um die letzten Wasser-Reservoirs zu finden, doch er kehrte nie zurück. Nun wird ein letzter Trupp in die Wüste geschickt, um das kostbare Nass zu den Überlebenden zu bringen. Tommy hat sich in einen der Tanker geschlichen, mit denen das Wasser transportiert werden soll. Als der Convoy von Crazy Bull (Fernando Bilbao) und seiner wilden Bande überfallen wird, kann Tommy als Einziger entkommen. Auf der Flucht trifft er den Einzelgänger Tiger (Robert Iannucci), der ihm nicht ganz selbstlos auf der Suche nach dem Wasser hilft. Bald schon werden sie aber erneut mit Crazy Bull und seinen Leuten konfrontiert und gefangengenommen…

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Als 1981 in Australien ein einsamer „Road-Warrior“ namens „Mad Max“ durch die Wüste bretterte, war dies nicht nur ein weltweiter Erfolg, sondern hatte auch einen großen Einfluss auf die italienische Filmproduktion. Dort hatte man eben noch versucht, sich ein großes Stück vom „Krieg der Sterne„-Kuchen abzuschneiden, jetzt schwenkte man um auf die weitaus kostengünstiger herzustellenden Endzeitfilme. Bereits 1982 kamen die ersten Italo-Kracher auf dem Markt: Joe D’Amatos „2020 – Texas Gladiators“ und die beiden hervorragende „Metropolis 2000“ (der beste Film, der jemals in einer Kiesgrube gedreht wurde) und „The Riffs – Die Gewalt sind wir!„, beide von Action-Spezialist Enzo G. Castellari. 1983 war dann das große Jahr der italienischen Endzeitfilme. Gleich neun (!) Produktionen kamen in diesem einem Jahr ins Kino. Danach flaute der Ausstoß an Italo-Endzeit ebenso schnell wieder ab, wie er gekommen war. Bis 1989 folgten nur noch 12 weitere Filme, die gerne noch damals populäre US-Produktionen wie „The Terminator“ oder „The Running Man“ mit in die postapokalyptische Suppe mischten. Giuliano Carnimeos „The Executor – Der Vollstrecker“ kam während des Hochjahres 1983 raus und imitierte ganz schamlos das große Vorbild „Mad Max 2“. Während der italienische Titel „Il giustiziere della strada“ ungeniert den US-Titel „The Road Warrior“ kurzerhand ins Italienische übersetzt, klatschten die Deutschen ihrem „Executor“ noch den selben Zusatz – „Der Vollstrecker“ dran, der hierzulande auch schon „Mad Max 2“ zierte.

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Regisseur Giuliano Carnimeo kommt vom Italo-Western, wo er unter dem Pseudonym Anthony Ascot häufig mit George Hilton zusammen drehte. Sein schönster Film dürfte allerdings der Giallo „Das Geheimnis der blutigen Lilie“ mit der wunderschönen Edwige Fenech (und natürlich George Hilton) sein, der im Original den poetischen Titel „Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer?“ trägt. Sein letzter Film, „Ratman“ war dann 1989 weniger schön ausgefallen und vor allem dadurch bekannt geworden, dass hier der mit 72cm kleinste Mensch der Welt, Nelson de la Rosa, die titelgebende Mutation spielt. Immerhin konnte Carnimeo dort auf bekannte Genregrößen wie David Warbeck, Janet Agren und Werner Pochath zurückgreifen. Große Namen findet man in „The Executor“ vergeblich. Zwar tauchen in Nebenrollen der damals sehr gut beschäftigte „italienische Peter Lorre“ Luciano Pigozzi alias Alan Collins und „Django„-Bösewicht Eduardo Fajardo auf, doch insbesondere Fajardo dürfte seinen Part an einem Nachmittag abgedreht haben. Filmbösewicht Fernando Bilbao kennen die Spezialisten aus seinen Auftritten in diversen Jess-Franco-Filmen oder Christian Anders unglaublichen „Die Brut des Bösen„. was man seinem Film durchaus ansieht. Die beiden nominellen Hauptdarsteller Robert Iannucci (ein Model) und die attraktive Alicia Moro sind demgegenüber unbeschriebene Blätter. Wobei die Moro immerhin noch in so schrägen Werken wie Juan Piquer Simóns „Slugs“ und José Ramón Larraz‘ „Edge of the Axe“ dabei war. Robert Iannucci sollte nach „The Executor“ für immer von der Bildfläche verschwinden.

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Der gelockte Iannucci macht seine Sache in „The Executor“ aber nicht schlecht. Wobei auch keine großen schauspielerischen Anforderungen an seine Rolle gestellt werden. Im Grunde fährt oder latscht er nur durch die Gegend und gibt mehr oder weniger coole Sprüche von sich. Dabei wirkt er zwar immer ein wenig zu gutaussehend und weich, aber da hat man schon schlimmeres gesehen. Immerhin praktiziert er keine unnatürliche Körperhaltung wie sein Kollege Mark Gregory in den beiden „The Riffs“-Filmen. Iannucci Rolle heißt „Tiger“ und soll ein ganz abgebrühter Hund sein. Tatsächlich überlässt er einmal das Kind Tommy ohne mit den Wimpern zu zucken der Schurkenbande, doch natürlich rettet er es dann in letzter Sekunde. Wobei er sich damit immerhin so viel Zeit lässt, dass der arme Tommy seines Armes verlustig geht. Tommy wird von Luca Venantini gespielt, der im Vorjahr auch in „Ein Zombie hing am Glockenseil“ mitgespielt hat und heute noch sporadisch vor der Kamera aktiv ist. Sein Vater ist der vielbeschäftige Nebendarsteller Venantino Venantini, der auch in „The Executor“ eine kleine Rolle hat. Leider ist Tommy das typische Filmkind. Nervig, neunmalklug und mit Gewalt auf „niedlich“ und „liebenswert“ getrimmt, was selbstverständlich nach hinten losgeht und die Abneigungen des Zuschauers nur noch befeuert. Immerhin haben die drei Drehbuchautoren – so denen auch Fulci-Stammautor Dardano Sacchetti gehört – hat man eine kleine Überraschung eingebaut. Als Tommy in einem gelungen Schreckenssekunde der Arm abgerissen wird, stellt sich heraus, dass dieser mechanisch ist. Praktischerweise kann der von Pigozzi gespielte „Papillon“ diesen dann wieder anschrauben und auch noch so manipulieren, dass er zur tödlichen Waffe wird. Dass der junge Tommy – der vielleicht 11 oder 12 ist – dabei mit reichlich Bier abgefüllt wird, erklärt vielleicht, warum der Film lange Zeit in Deutschland auf dem Index stand. Einen Grund für diese vorbeugende Maßnahme ist nämlich sonst nirgendwo zu finden.

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Carnimeo macht das Beste aus seinem geringen Budget. Die Drehorte beschränken sich auf eine Kiesgrube, bei der man im Hintergrund auch schon mal kleine Häuschen und Schuppen stehen sieht, sowie eine Höhle, die in gleicher Ausstattung auch in Tonino Riccis im gleichen Jahr entstandenen „Rush“ Verwendung fand. Hier drapiert er alles um drei große Actionszenen herum. Einer mehr oder weniger spektakulären Autoverfolgung am Anfang, den Angriff der Bösen auf die Wassertanker der Gute – eine Szene, die bis hin zur Aufmachung des Anführers der Angreifer, so sehr „Mad Max 2“ nachempfunden ist, dass man man sie als durchaus als billige Kopie bezeichnen kann, sowie dem großen Finale am Schluss, welches Carnimeo mit Zeitlupenaufnahmen und Explosionen würzt. Dazwischen passiert nicht viel, oftmals sehen wir „Tiger“ und Tommy einfach beim Wandern durch die Kiesgrube zu. Kleinere Scharmützel, wie der Angriff der Strahlungsopfer bei der Wasserquelle, lockern das Ganze aber immer wieder so gut auf und helfen über einige Längen und den nervigen Tommy hinweg. Keine große Hilfe ist allerdings die Musik von Detto Mariano, welche von obskur, aber hörbar bis hin zu sinnlosem Gefiepe reicht.

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Western-Regisseur Giuliano Carnimeo alias Anthony Ascot ist Routinier genug, um sein ausgesprochen kostengünstiges Kiesgruben-„Mad Max“-Rip-Off „Der Executor“ trotz einiger Längen, eines nicht gerade charismatischen Haupt- und eher nervigen Kinderdarstellers recht unterhaltsam zu gestalten.

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Das Bild der in der Reihe „Cinema Treasures“ ist keine Offenbarung, aber für einen Anfang der 80er Jahre billig heruntergekurbelten Streifen recht gut. Der Ton liegt lediglich auf Deutsch vor und hat in einer Szene erhebliche Probleme mit Störgeräuschen. Als Basis würde ein französisches Master verwendet, so sind dann auch die in der alten detuschen Fassung fehlenden Szenen auf Französisch mit deutschen Untertiteln enthalten. Bei den Extras herrscht leider gähnende Leere.

DVD-Rezension: „Die Koch Media Italowestern-Enzyklopädie No. 1“

Von , 16. April 2013 11:08

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Nach etlichen Verschiebungen ist sie nun endlich da: Die seit langem angekündigte „Koch Media Italowestern Enzyklopädie Vol. 1“. Vor kurzem hat Koch Media ja schon mal einen Schwung Italowestern unter dem Label „Western Unchained“ auf den Markt geworfen. Darunter einige Repacks aus der legendären „Italowestern“-Reihe, aber auch einige interessante DVD-Premieren. In der „Italowestern Enzyklopädie“ werden nun ausschließlich Erstveröffentlichungen präsentiert. Zwar wurden „Amigos“ und „Shamango“ in der Vergangenheit auch von anderen Labels veröffentlicht, allerdings nur in gekürzter Form.

Hier liegen alle Filme im richtigen Bildformat und ungekürzt vor. Wie bei der „Giallo“-Box aus demselben Haus, verwundert es etwas, dass die Bildqualität nicht den hohen Standards entspricht, die Koch Media in der Vergangenheit an den Tag gelegt hat. „Schweinehunde beten nicht“ sieht sehr „gebraucht“ aus und stammt scheinbar von einer sichtbar alten 35mm Rolle. Das Bild von „Drei Halunken und ein Halleluja“ ist sehr grobkörnig und wirkt bei Aussenaufnahmen zum Teil etwas milchig. Dies kann aber durchaus auch am bei der Produktion des Filmes verwendeten Filmmaterial liegen. „Shamango“ wirkt nicht unbedingt gestochen scharf und auch etwas milchig. Am besten schneidet „Amigos“ ab. In Sachen Extras befinden sich die Veröffentlichungen aber auf dem gewohnt guten Niveau, für das Koch Media bekannt ist.

 

Schweinehunde beten nicht  (I vigliacchi non pregano, 1969)

Der Ex-Soldat Brian (Gianni Garko) kehrt nach dem Bürgerkrieg heim zu seiner Frau. Doch das Glück währt nicht lang. Ein Trupp Nordstaatler überfällt sein Haus, vergewaltigt und tötet seine Frau und lässt den halbtot geschlagenen Brian in der brennenden Ruine zurück. Der zufällig vorbeikommende Daniel (Ivan Rassimov alias „Sean Todd“) rettet ihn. Gemeinsam Weiter lesen 'DVD-Rezension: „Die Koch Media Italowestern-Enzyklopädie No. 1“'»

Western Unchained: „Die Zeit der Geier“ & „Mercenario – Der Gefürchtete“

Von , 28. Februar 2013 15:23

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Kitosch (George Hilton) arbeitet auf der Farm des Großgrundbesitzers Don Jaime Mendoza (Eduardo Fajardo). Hier sorgt er mit amourösen Ausschweifungen besonders bei den Ehefrauen seiner Kollegen für Unruhe. Als er eines Tages mit der Frau von Don Mendoza erwischt wird, flüchtet er von der Ranch. Doch Don Mendoza hetzt den Sheriff auf Kitosch und so landet er im Gefängnis. Hier wird er von dem berüchtigten „Schwarzen Tracy“ (Frank Wolff) befreit. Die beiden bilden schon bald ein Team. Tracy ist hinter einem ehemaligen Freund her, der ihn einst an den Sheriff ausgeliefert hat. Auf der Suche nach dem Verräter erkennt Kitosch immer mehr, mit was für einem gefährlichen Mann er da unterwegs ist…

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Die Zeit der Geier“ lockt den Zuschauer zunächst auf eine falsche Fährte. Der Film beginnt mit einer fröhlichen Prügelei und führt den vom Uruguayer George Hilton gespielten Kitosch als Schürzenjäger und unbekümmerten Hallodri ein. Das passt auch gut zu Regisseur Nando Cicero, der in den 70ern fast ausnahmslos Komödien drehte. Hilton verkörpert hier zunächst einen jugendlichen Draufgänger, so dass man sich in dieser Rolle auch sehr Giuliano Gemma vorstellen könnte.

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Doch bald schon ändert sich die Stimmung des Filmes. Bereits am Anfang, wenn Kitosch gebrandmarkt wird und später von den Männern seines Arbeitgebers (Eduardo Fajardo in einer für ihn typischen Rolle) verfolgt und bedroht wird, schwingt eine raue Brutalität mit, die so gar nicht zu dem Anfang passen will. Ganz finster wird es, wenn der von Frank Wolff bravourös gespielte „Schwarze Tracy“ auf einer Totengräberkutsche und Sarg auftaucht. Frank Wolff spielte in der Regel gutmütige – wenn auch manchmal etwas korrupte – Charaktere. Als Bösewicht sah man ihn eher selten. Vielleicht hat er nur darauf gewartet, seine dunkle Seite zeigen zu können. Hier lässt er den Zuschauer schon recht bald erschauern. Obwohl er bereits in der ersten Szene keine Skrupel zeigt, zahlreiche Ordnungshüter über den Haufen zu schießen, so glaubt man zunächst daran, dass sich zwischen ihm und Hilton so etwas, wie eine Vater-Sohn- oder zumindest Großer-Bruder/Kleiner-Bruder-Beziehung entwickeln könnte. So wie zwischen Lee van Cleef und Giuliano Gemma in „Der Tod ritt dienstags“. Das tut es auch, aber anders als geglaubt.

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Tracy ist ein Psychopath und Sadist, der in seiner Mordlust weder vor unbewaffneten Bürgern, noch wehrlosen Frauen zurückschreckt. Er mordet und quält mit einer Leidenschaft, die ihn – neben Kinskis Loco in „Leichen pflastern seinen Weg“ – zu einer der erschreckensten Figuren in der Geschichte des Italo-Western werden lässt. Wie Hilton mehr und mehr in seinen Bann gerät und mit der Zeit alle Skrupel verliert, ist spannend und in dreckigen, rauen Bildern erzählt. Die Fotografie von „Zeit der Geier“ besitzt keinerlei Eleganz, unterstützt aber gleichzeitig durch ungewöhnliche Winkel und Bildausschnitte das psychotische seiner Hauptfiguren.

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Der Film liegt nun erstmals vollständig in Deutschland vor. Für die Kinoauswertung waren damals zahlreiche Szenen geschnitten worden, in denen Tracy immer wieder an epileptischen Anfällen leidet. Vielleicht dachte der Verleih damals, es könnte eine Verbindung zwischen der Krankheit und Tracys eiskaltem Sadismus hergestellt werden. Neben den überzeugenden Hauptdarstellern sei hier auch die feine Musik von Piero Umiliani erwähnt und ein früher Auftritt der schönen Femi Benussi , die hier sehr gut ihr Mieder füllt.

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„Zeit der Geier“ ist einer der Filme, die Quentin Tarantino 2007 im Rahmen einer Italo-Western-Retrospektive auf dem Filmfest in Venedig zeigte. Die Bildqualität ist durchwachsen und reicht von leicht milchig bis sehr scharf. Das stört aber nicht sonderlich. Der Ton liegt auf Deutsch, Italienisch und Englisch vor. Die im Kino fehlenden Szenen wurden auf Italienisch mit deutschen Untertiteln eingefügt. Die Extras bestehen aus einer 12-minütigen Doku mit dem schönen Namen „Liebesgrüße aus Uruguay“, in der George Hilton über seine Karriere erzählt. Neun Minuten dauert die Doku „Mit Kitosch kam der Tod“ in dem der Filmhistorikers Fabio Melelli über „Die Zeit der Geier“ seine Einordnung im Italowestern spricht. Leider taucht hier erstmals das Problem auf, dass Melellis Ausführungen mit derart schlechten Untertiteln versehen sind, dass der Sinn teilweise untergeht.

 

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Mexiko 1910: Zur Zeit der mexikanischen Revolution rebelliert der Minenarbeiter Paco Roman (Tony Musante) gegen den Grubenbesitzer García (Eduardo Fajardo). Fortan nennen sich Paco und seine Männer „Revolutionäre“, sind aber in erster Linie nur am Rauben und Plündern interessiert. Sie heuern den Waffenhändler und Söldner Kowalski (Franco Nero), genannt der Pole, an, der ihnen beibringen soll, wie man „Revolution macht“. Aber Kowalski ist nur an seinem eigenen Vorteil interessiert, und als er immer höhere und abstrusere Forderungen stellt, eskaliert die Situation.

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Innerhalb des Italo-Westerns ist der Revolutions-Western ein Sub-Genre, in dem sich vornehmlich politisch motivierte Regisseure tummelten, die in der mexikanischen Revolution eine Parabel auf das sahen, was sie Mitte/Ende der 60er Jahre überall auf der Welt erlebten. Die Studentenunruhen, der Krieg in Vietnam und der Beginn eines terroristischen Untergrundes. Damiano Damiani schuf „Töte Amigo“, Sergio Sollima „Von Angesicht zu Angesicht“ und zu guter Letzt erzählte sogar Sergio Leone in „Todesmelodie“ vom Aufstand der ungebildeten Bauern und von den Gringos, die sich als Söldner in Mexiko verdingten.

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Auch Sergio Corbucci, der Schöpfer von „Django“ und Regisseur des wohl bittersten und nihilistischsten Italo-Westerns überhaupt, „Leichen pflasterten seinen Weg“, lieferte hierzu zwei Beiträge ab: „Zwei wilde Companeros“ und den hier besprochenen „Mercenario – Der Gefürchtete“. Beide mit Franco Nero in der Rolle des Gringos. „Mercenario“ ist der erste dieser beiden Filme, und er drückt sowohl Corbuccis Zynismus, als auch sein Mitgefühl für die Unterdrücken aus. Neros „Pole“ ist ein eiskalter, zutiefst zynischer Geschäftsmann, der schon lange nicht mehr an irgendwelche Ideale glaubt. „Ideale sind der Dünger für Friedhöfe“, sagt er irgendwann. Kowalski ist nur sich selbst und dem Geld verpflichtet. Für Leute wie Paco (Tony Musante in einer typischen Tomas Milian-Rolle) hat er nur ein müdes Lächeln übrig.

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Paco wiederum ist auch nicht gerade zum Revolutionär geboren. Revolution heißt für ihn erst einmal, seinen eigenen Bauch voll zu schlagen. Revolutionäre Ideen werden ihm von anderen eingepflanzt, vor allem von der schönen Giovanna Ralli. Bis dies aber Früchte trägt, wird er erst einmal von Kowalski wie eine Puppe gelenkt und immer wieder manipuliert. Wobei Kowalski natürlich nur eins im Sinn hat: Mit Pacos Hilfe möglichst viel Geld zu verdienen. Wie wenig Paco ein echter Revolutionär ist, erkennt man in der berühmten Szene, in der ihm Kowalski die Revolution anhand eines nackten Frauenkörpers erklärt: Der Kopf, das sind die Mächtigen, der Arsch, das sind die Unterdrückten – dazwischen ist der Rücken, und der verhindert, dass der Arsch sich an die Stelle des Kopfes setzt.

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In „Mercenario“ werden sowohl die sogenannten Revolutionäre vorgeführt, die weniger an der sozialer Gerechtigkeit, als an eigener Macht und Wohlstand interessiert sind. Aber auch der kapitalistische Westen, der die Unruhen noch anheizt, um daraus seinen maximalen Profit schlagen zu können, bekommt sein Fett weg. Immerhin gönnt Corbucci – im Gegensatz zu „Leichen pflastern seinen Weg“ – dem Zuschauer am Ende ein kleines Stück Hoffnung. Überhaupt ist die Inszenierung eher leicht und unterhaltsam, als schwer und tragisch. Dafür sorgt schon Ennio Morricones verspielte Musik und der großartige Jack Palance in einer bis an die Grenzen der Parodie gehenden Darstellung eines Profi-Killers, sowie der bei Leone abgeschaute finale Showdown.

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„Mercenario“ nimmt in Quentin Tarantinos Top 20 Italo-Western die Nummer 4 ein. Die DVD ist ein Repack der bereits 2010 erschienen Koch-DVD. Dementsprechend enthält sie die gleichen Extras. In „Die Regeln der Revolution“ (41:29 Minuten) werden Interviews mit Franco Nero, Drehbuchautor Luciano Vincenzoni und Sergio Corbuccis Witwe Nori Corbucci, sowie älteres Material mit Sergio Corbucci und Tony Musante präsentiert.Ferner gibt es einen knapp vier-minütigen Drehorte-Vergleich zwischen entsprechenden Filmausschnitten und aktuellen Aufnahmen der Drehorte, an denen „Mercenario – Der Gefürchtete“ gedreht wurde. Die Bildqualität ist okay, der Ton liegt auf Deutsch, Italienisch und Englisch vor.

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