Nachrichten getagged: Explosive Media

DVD-Rezension: “Strasse der Gewalt“

Von , 27. Oktober 2015 21:04

strassedergewaltCarrol Jo „CJ“ Hummer (Jan-Michael Vincent) ist aus dem Vietnamkrieg heimgekehrt. Er plant zusammen mit seiner Jugendliebe Jerri (Kay Lenz) eine Familie zu gründen und ins Trucker-Geschäft einzusteigen. Er nimmt einem Kredit auf und kauft einen Truck, den er „Blue Mule“ tauft. Seinen ersten Auftrag hofft er beim alten Partner seines Vater, Duane Haller (Slim Pickens) zu bekommen. Doch als CJ feststellt, dass er nebenbei noch Glücksspielautomaten und Zigaretten schmuggeln soll, gerät er außer sich und verzichtet wütend auf den Job. Sehr schnell muss CJ allerdings feststellen, dass es damit nicht getan ist. Einige von Hallers Männern schlagen ihn zusammen, und auch alle anderen Speditionen wollen ihn nicht mehr anheuern. CJ will sich nicht unterkriegen lassen und fordert von Haller mit Waffengewalt, ihm eine Fahrt zu verschaffen. Doch damit fängt sein Ärger erst richtig an…

vlcsnap-00052vlcsnap-00051

Achtung: Diese Besprechung enthält Spoiler

„White Line Fever“, so der Originaltitel von „Strasse der Gewalt“, bezeichnet den hypnotischen Zustand, der eintritt, wenn man nachts auf dem Highway zu sehr auf die weißen Linien starrt. Auch Carrol Jo ist von einem „White Line Fever“ erfasst. Denn für ihn gibt es nichts Größeres, als mit seinem eigenen Truck über die Landstraßen zu brausen und das Gefühl von Freiheit zu spüren. Im Bonusmaterial der vorliegenden DVD weist Co-Drehbuchautor Ken Friedman darauf hin, dass „Strasse der Gewalt“ ein „Western im Peckinpah-Stil“ sein sollte. Nur eben mit Convoys, statt Pferden. Westernmotive kann man dem Film durchaus unterstellen. Statt aus dem Bürgerkrieg, kehrt der aufrechte Carrol Jo Hummer allerdings aus dem Vietnamkrieg zurück. Und die bösen Großrancher, die gegen die armen Farmer vorgehen, sind hier ein mächtiges Kartell. Es hat sich in den letzten 100 Jahren also nicht viel getan im Wilden Westen.

vlcsnap-00058vlcsnap-00069

Jonathan Kaplans fünfter Spielfilm. Nachdem er bei der AIP von Roger Corman erstmals auf dem Regiestuhl Platz nahm, entstand „Strasse der Gewalt“ für  der wieder für die Colombia, einem der Majors. Trotzdem erinnert der Film stark an die Filme, die zeitgleich Gene Corman, Rogers Bruder, produziert. Filme wie „Dillinger“ und der ein Jahr nach „Strasse der Gewalt“ entstandenen „Vigilante Force“. Filme, die einen hohen Unterhaltungs- und auch Gewaltfaktor besitzen, aber auch ein pessimistische, soziale Aussage. Hier wie dort wird ein Individuum durch die Umstände korrumpiert und zur Gewalt gezwungen. Generell weißt der Film einige Parallelen zu vorgenannten „Vigilante Force“ auf, nicht nur durch die Besetzung der Hauptrolle mit Jan-Michael Vincent. Während die Hauptfigur in „Vigilante Force“ nur einen scheinbaren Sieg erringt, da er sich auf das Niveau seiner Gegner begibt, ist das Ende von „Strasse der Gewalt“ noch viel ambivalenter. Denn der kleine Triumph des Carrol Jo wird bitter erkauft. Sein Lächeln in Anbetracht der ihm zujubelnden Menge wirkt beinahe schon psychotisch. Kaplan gibt den passenden Kommentar, indem er auf Carrol Jos Ehefrau Jerri schwenkt, die mit ausdruckslosem Gesicht am Fenster zu sehen ist. Denn CJs scheinbare Sieg ging auf ihre Kosten. CJ hat nicht nur seine Familie, sondern auch ihren Traum, ihre Zukunft mit seiner Sturheit und seinem Kampf für Freiheit und Gerechtigkeit zerstört. Am Ende steht die Frage: War es das wirklich wert?

vlcsnap-00076vlcsnap-00082

Dieses bittere Ende kommt recht überraschend, denn zu Beginn tarnt sich „Strasse der Gewalt“ als gradliniger und sehr unterhaltsamer Rache-Film, indem ein Mann für das Recht kämpft, selber über sein Leben zu bestimmen. Die Art und Weise, wie er dies tut, dieses ständige hin und her, wenn mal die eine Seite, mal die andere die Oberhand gewinnt, deutet noch nicht darauf hin, dass der Kampf vergebens sein wird, und unser Held am Ende alles verliert und sein Glück nachhaltig zerstört. Kaplan wählt bei diesem Kampf des Einen gegen die Übermacht der Anderen einen überaus realistischen Stil. Hier tun die Prügel richtig weh, die jemand einstecken muss. Und die größte Schmach des jungen CJ ist dann auch keine physische Gewalt, sondern eine lang ausgespielte Fahrt gegen die Uhr und die eigene Erschöpfung, welche sich am Ende als vollkommen nutzlos herausstellt, da CJ verfaulte Ware untergejubelt wurde. Kaplan lässt auch Interviews einfließen, welche als dokumentarisches Material verkauft werden. Ob dies den Tatsachen entspricht mag dahingestellt sein, denn die ganz am Anfang interviewte Figur taucht auch in der Spielfilmhandlung kurz auf.

vlcsnap-00089vlcsnap-00095

Eine wahre Tragödie, die nicht im Film vorkommt, ist allerdings das traurige Schicksal seines Hauptdarstellers Jan-Michael Vincent. Nachdem ich nun innerhalb kurzer Zeit zwei seiner frühen Filme gesehen habe, und Herr Vincent auch hier die Idealbesetzung für den naiven, halsstarrigen Jungen vom Lande war, wollte ich wissen, was aus demjenigen geworden ist, der Anfang der 80er der bestbezahlteste TV-Star der Welt war. Schließlich hat man gefühlt seit „Airwolf“-Zeiten nichts mehr von ihm gehört. Im Internet stieß ich auf ein erschütterndes Video. Von Drogen und Alkohol schwer gezeichnet, gab Jan-Michael Vincent dort ein Interview. D.h. Es wurde versucht mit ihm ein Interview zu führen. Der alte, verwahrlost aussehende Mann hatte dabei deutlich Schwierigkeiten den Fragen des Interviewers zu folgen, gab nur stockend Antwort und konnte sich an fast nichts mehr erinnern. Zudem war ihm ein Bein amputiert worden, ebenfalls eine Folge seines jahrelangen, exzessiven Alkohol- und Drogenmissbrauch. Laut Jonathan Kaplan begann Jan-Michael Vincent wohl bei den Dreharbeiten zu „Strasse der Gewalt“ damit, Kokain zu konsumieren. Vergleicht man die Bilder des jungen, athletischen und spitzbübisch aussehenden Vincent mit dem tatterige Wrack im Rollstuhl, kann man nur jedem zurufen: Hände weg von den Drogen. Was der Mist mit Jan-Michael Vincent gemacht hat ist nicht nur erschütternd, sondern vor allem eine sehr deutliche Warnung.

vlcsnap-00098vlcsnap-00103

„Strasse der Gewalt“ ist ein Western im Trucker-Gewand. Jonathan Kaplan inszeniert den Kampf eines aufrechten Truckers gegen ein korruptes Kartell mit einigen Härten und größtenteils sehr realistisch. Und er zeigt dabei deutlich, was man aufs Spiel setzt, wenn man diesen Kampf aufnimmt. Ob sich dieses Risiko lohnt, muss der Zuschauer dann für sich selbst beantworten.

vlcsnap-00107vlcsnap-00108

Die DVD von Explosive Media hat eine gute Bildqualität.  Der Ton liegt in Englisch und in der deutschen Synchronisation jeweils in 2.0-Stereo vor und sit gut zu verstehen. In Sachen Extras hat sich Explosive Media ebenfalls ins Zeug gelegt und eine 51-Minütige Doku mit auf die Schaibe gepackt, in der sich Drehbuchautor Ken Friedman an alle Aspekte der Produktion erinnert. Desweiteren findet sich auf der DVD ein knapp 3-minütiger Kurzkommentar von Regisseur Jonathan Kaplan, der deutsche und englische Original-Kinotrailer und eine Fotogalerie mit Szenenbildern, Aushangfotos und Werbematerial. Alles in allem eine runde Sache.

DVD-Rezension: “Sie sind verdammt”

Von , 22. Oktober 2015 19:19

siesindverdammtDer Amerikaner Simon Wells (Macdonald Carey) befindet sich mit seiner Segel-Yacht auf einer Törn vor der Küste Englands. Als er in einer kleinen Küstenstadt festmacht, wird er dort Opfer eines Überfalls durch eine Bande Jugendlicher, die von King (Oliver Reed) angeführt wird. Bald schon kreuzen sich Wells Wege wieder mit denen von Kings Schwester Joan (Shirley Ann Field), die von der Bande als Lockvogel genutzt wird. Joan schließt sich gegen den ausdrücklichen Willen ihres Bruders Wells an. Dies führt zu weiteren Konfrontationen mit Kings Bande, in dessem Verlauf sowohl Wells und Joan, als auch King auf ein sorgsam abgeschirmtes militärisches Gelände geraten. Hier wacht der geheimnisvolle Bernard (Alexander Knox) über ein streng geheimes Projekt. Wells und Joan stürzen von King verfolgt ins Meer. Sie werden von einem Jungen aufgelesen, der sie in ein unterirdischen Bunker-Komplex bringt. Hier treffen die Beiden auf noch mehr Kinder, die allerdings alle seltsam kalt sind…

vlcsnap-00109vlcsnap-00110

Nach vielen Jahren erhält die Hammerproduktion „Sie sind verdammt“ endlich eine deutsche Heimkinoauswertung. Die lange Wartezeit muss mit Lizenzproblemen zusammenhängen, denn anders ist es nicht zu erklären, dass dieses Kleinod bisher ein Dornröschenschlaf erdulden musste. „Sie sind verdammt“ ist einer der ungewöhnlichsten Filme, die aus den Hammer Studios kamen und gleichzeitig auch einer der Besten. Ein Film, der sich nicht in Schubladen stecken lässt. Häufig läuft er unter dem Label „Science Fiction“, was durchaus nicht ganz falsch, aber auch nicht wirklich richtig ist. Er verwirrt seine Zuschauer, legt falsche Fährten, um dann seine losen Fäden zu einem Seilen zu binden, welches sich dem Zuschauer langsam um den Hals legt und ihm dann erbarmungslos die Kehle zuschnürt. Dabei nimmt „Sie sind verdammt“ bereits 1963 Bilder und Themen auf, die sich bei Stanley Kubrick in seinen später entstandenen Meisterwerken „Dr. Seltsam“ und „Uhrwerk Orange“ wiederfinden. Zumindest hallen einem diese beiden Film im Kopf wieder, sobald „Sie sind verdammt“ zu Ende ist.

vlcsnap-00115vlcsnap-00121

Inszeniert wurde „Sie sind verdammt“ von Joseph Losey, einem der interessantesten amerikanischen Regisseure, dem heute leider nicht der Platz in der Filmgeschichte eingeräumt wird, der ihm zusteht. Sein „Der Junge mit den grünen Haaren“ hat mich als Kind nachhaltig verstört, „Im Visier des Falken“ dann als Heranwachsender. Werke wie „Der Mittler“ oder „Monsieur Klein“ begeisterten noch heute die Kritiker. „Sie sind verdammt“ gehört in die zweiten Phase seines Werkes. Als er der USA den Rücken kehrt musste, da er wegen kommunistischer Sympathien unter den Bann der Behörden geraten war und in Europa sein Glück suchte (und fand). Unterstützt wird er durch die fantastische Kameraarbeit von Arthur Grant (der bei zahlreichen Hammer-Fan-Favoriten der zweiten Reihe die Kamera führte), dem grandiosen Set-Design von Don Mingaye (wie Grant ein Hammer-Veteran), der grandiosen und sehr stimmungsvollen Musik von Hamer-Stammkomponist James Bernard und natürlich von den Darstellern. Zwar ist es etwas unwahrscheinlich, dass eine junge, sehr attraktive Dame in einen älteren, langweilig wirkenden Herrn verliebt und dessen machohaft-ruppigen Annäherungsversuchen spontan erliegt. Aber andererseits ist der Amerikaner Simon Wells für die junge Joan mehr ein Ausweg aus der Umklammerung ihres Bruders, als eine echte Liebesaffäre. Das ambivalent-ungesunde Verhältnis zwischen Joan und King wurde von Losey zunächst deutlicher betont, dann aber von den Produzenten etwas entschärft. Aber man muss mit Blindheit geschlagen sein, um es nicht in jeder Szene, die beide zusammen haben, zu erkennen.

vlcsnap-00127vlcsnap-00132

Der blutjunge Oliver Reed dominiert den Film zunächst. Sein elegant gekleideter King, der zu dem rockigen Swing des großartigen Songs „Black Leather“ arglose Touristen zusammenschlägt, erinnert stark an den Alex aus „Uhrwerk Orange“ und Reed wäre 1961 sicherlich eine Traumbesetzung für den einerseits dandyhaften, andererseits brutal-grobschlächtigen Gewalt-Junkie gewesen. Umso bewundernswerter die Wandlung, wenn Reed aufgrund der sich langsam entwickelnden Ereignisse die Kontrolle verliert und zunehmend verwirrter und hilfloser einer Welt gegenübersteht, die um einiges brutaler agiert als er und dabei mit emotionsloser Kälte vorgeht. Ebenso zwiespältig wird der eigentliche Antagonist vorgestellt. Der von Alexander Knox brillant gespielte Bernard würde sich selber sicherlich nie als Schurke in diesem Stück sehen. Im Gegenteil, ist er felsenfest davon überzeugt, dessen Held zu sein. Derjenige, der tut, was getan werden muss. Derjenige, der am Ende unter großen persönlichen Opfern die Menschheit rettet. Bernard ist der perfekte Nazi. Menschenverachtend, dass einem übel dabei wird, aber selber felsenfest davon überzeugt, das Gute zu repräsentieren. So schwankt Knox‘ Darstellung dann auch zwischen gütiger Onkel und eiskalter Technokrat, der ohne mit der Wimper zu zucken über Leichen geht.

vlcsnap-00140vlcsnap-00144

Gedreht wurde „Sie sind verdammt“ bereits 1961. In die Kinos kam er aber erst 1963. In Deutschland erlebte er seine Premiere sogar erst am 23.9.1973 in der ARD. Nicht auf der großen Leinwand – wo er hingehört – sondern im Fernsehen. Der Grund dafür ist offensichtlich. Ein solch nihilistisches Werk, dessen Ende einem noch lange das Gefühl gibt, gehörig zwischen die Beine getreten worden zu sein, war seiner Zeit weit voraus. Ein Film, der einem jede Hoffnung raubt und die Tränen in die Augen treibt ist auch keiner, der ins Portfolio der Hammer Studios passt. Wo am Ende das Monster doch immer besiegt wieder wurde – auch wenn es im nächsten Film wieder auferstand. „Sie sind verdammt“ ist dazu die Antithese. Das Monster hat gesiegt, alle Hoffnung ist dahin. Was bleibt sind die verzweifelten Schreie der Kinder.

vlcsnap-00151vlcsnap-00158

„Sie sind verdammt“ ist ein beinahe vergessenes Meisterwerk, welches seiner Zeit voraus ist und den Zuschauer nachhaltig verstört. Grandiose Darsteller, eine wunderschöne Bildgestaltung und eine fantastische Ausstattung sind das i-Tüpfelchen auf einer lange nachhaltigen Parabel über Gewalt in all seinen Ausprägungen und den ganz normalen Faschismus.

vlcsnap-00159vlcsnap-00160

Der Film erlebt bei Explosive Media seine Heimkino-Premiere. Zuvor war er noch nicht einmal auf VHS – zumindest lässt sich darüber nichts finden – erhältlich. Umso schöner, dass sich die DVD bildtechnisch wirklich sehen lassen kann. Das schöne, schwarz-weiße Breitwand-Bild lässt wenig zu wünschen übrig. Neben der Originaltonspur liegt auch die alte TV-Synchronisation vor. Auf Letztere muss man auch als O-Ton-Hörer ab und zu zurückgreifen, denn es gibt leider keine Untertitel und der englische Slang ist an einigen Stellen etwas schwer verständlich. Auch gibt es bis auf einen Trailer keinerlei Extras, was in diesem Falle ganz besonders schade ist. Aber man muss froh sein, dass diese kleine Juwel endlich in Deutschland verfügbar ist.

DVD-Rezension: “Jagd auf Dillinger“

Von , 19. Dezember 2014 21:10

Jagd auf DillingerDer Gangster John Dillinger (Warren Oates) hat es in den Depressionsjahren zu einiger Bekanntheit und dem Titel „Staatsfeind Nr.1“ gebracht. Er und seine Bande halten das ganze Land mit Banküberfällen in Atem. Um der Situation Herr zu werden, setzt das FBI seinen besten Mann, Melvin Purvis (Ben Johnson), ein, um Dillinger und seinesgleichen dingfest zu machen. Purvis hat noch eine ganz eigene Rechnung mit den Gangstern zu begleichen und dezimiert dieses erbarmungslos. Nur Dillinger entkommt ihm immer wieder…

vlcsnap-00001vlcsnap-00003

Der Gangster John Dillinger hat die Fantasie der Filmemacher schon immer beflügelt. Ähnlich wie bei seinen Wild-West-Vorfahren Billy, the Kid oder Jesse James, entstand hier ein Mythos, der höchstwahrscheinlich nur wenig mit der realen Person zu tun hat. Zumindest die Eckdaten seiner kriminellen Karriere wurden immer wieder für die zahlreichen Verfilmung seines Lebens herangezogen. Die Banküberfälle, der spektakuläre Ausbruch aus dem Gefängnis mittels einer selbst geschnitzten Pistolen-Attrappe (großartig parodiert von Woody Allen in dessen Regie-Debüt „Woody, der Unglücksrabe“), die Jagd des FBIs auf ihn in Person des Melvin Purvis, der Medienrummel, der Zwischenfall in der Bohemia Lodge und schlussendlich seine Ende vor dem Kino „Biograph“ und die „Frau in Rot“. Zuletzt hatte Michael Mann mit „Public Enemies“ dem „Staatsfeind Nr. 1“ ein Denkmal gesetzt. Doch während Mann versuchte der Geschichte mit Digitalkameras ein modernes Gesicht zu geben, so ist John Milius Regie-Debüt „Jagd auf Dillinger“ dreckiges Testosteron-Kino klassischen Zuschnitts.

vlcsnap-00010vlcsnap-00013

Statt Johnny Depp und Christian Bale findet man in der Version von 1973 knorrige Typen wie Warren Oates und Ben Johnson in den Rollen der beiden Kontrahenten John Dillinger und Melvin Purvis. Oates hat sogar eine gewisse Ähnlichkeit mit dem echten John Dillinger, was die Integration von Originalfilmmaterial und Fotos aus den 30er Jahren erlaubt. Auch sonst ist er die Idealbesetzung für den charismatischen Gangster, der sich kein anderes Leben als die Vogelfreiheit des Gesetzlosen vorstellen kann. Einmal hat er die Chance nach Mexiko zu entkommen. Er bleibt mit dem Wagen und seiner Geliebten Frenchie in Sichtweite der Grenze stehen. Dann entscheidet er, dass das sichere Leben dort für ihn wohl zu langweilig wäre – und kehrt um. Viel mehr Psychologie braucht Milius für seinen Dillinger nicht. Die Figuren definieren sich bei ihm durch Taten, nicht durch Worte. Innere Kämpfe gibt es nicht. Ein Mann muss tun, was ein Mann tun muss. Dies gilt auch für dem bulligen Kampfhund Ben Johnson als Melvin Purvis. Am Anfang erklärt er, dass er die Gangster, die für den Tod einiger Polizisten verantwortlich sind, stellen und hinrichten will. Und über ihren toten Leibern genüsslich, will er die Zigarren rauchen, die ihm einst einer der getöteten Polizisten schenkte. Und genau dieses Vorhaben zieht er gnadenlos und unaufhaltsam durch.

vlcsnap-00018vlcsnap-00022

John Milius ist einer der großen Macho-Regisseure Hollywoods. Seine Figuren sind vor Testosteron sprühende Kerle, die sind, wie sie sind. Die keinerlei Probleme haben, für ihre Ziele und Ideale auch mal die Waffe in die Hand zu nehmen. Was Milius 1984 dazu prädestinierte, den damaligen Skandalfilm „Die rote Flut“ zu inszenieren, in dem eine Handvoll aufrechter amerikanischer Teenies, sich einer russischen Invasion des geliebten Heimatlandes entgegen stellen. Wer sonst hätte solch eine Stoff entwickeln und umsetzen können. Oder in „Conan, der Barbar“ einen langen Monolog über den „Stahl“ unterbringen. Wobei Milius politische Ausrichtung immer ambivalent wahrgenommen wird. Wahlweise als Liberaler, dem die Freiheit des Einzelnen über alles geht, oder aber als erzkonservativen Rechten, der Waffengewalt befürwortet und fragwürdigen Feindbilder nachhängt. Was als sicher gelten kann ist, dass John Milius eine extremer Waffennarr ist, der sich auch mal sein Gehalt in Gewehren auszahlen lässt. Kein Wunder also, dass auch „Jagd nach Dillinger“ vor Schießeisen und spektakulärer shoot outs strotzt.

vlcsnap-00021vlcsnap-00027

Der Film hüpft von Szene zu Szene, hakt die bekannten Stationen der letzten 13 Monate in Dillingers Leben ab, erzählt aber keine durchgängige Geschichte. Zudem interessiert er sich auch nicht für die komplizierten Figurenkonstellationen. Milius hält die Beziehungen der Gangster untereinander bewusst simpel. Allein der hitzköpfige Baby Face Nelson gerät mit Dillinger schmerzhaft aneinander. Die anderen scheinen fast schon so etwas wie eine harmonische Familie zu bilden (was nicht den historischen Tatsachen entspricht). Auch der Zuschauer fühlt sich bei den Gangstern durchaus wohl. Diese werden von bekannten und beliebten Darstellern wie Geoffrey Lewis und Harry Dean Stanton mit Leben gefüllt. Beide liefern eine Glanzleistung in punkto Coolness und entspannter Professionalität ab. In der Rolle des hitzköpfigen Baby Face Nelson erlebt man den sehr jungen Richard Dreyfuss in einer seiner ersten Rollen, bevor ihn zwei Jahre später Steven Spielberg mit „Der weiße Hai“, und danach dann „Unheimliche Begegnung der 3. Art“, zum Star machte. Als Dillingers Geliebte Frenchie hat die Ex-“The Mamas and the Papas“-Sängerin Michelle Philips nicht viel zu tun, verleiht der Männer-Geschichte aber eine Note Sex und weibliche Attraktivität.

vlcsnap-00029vlcsnap-00008

Obwohl der Film an einigen Stellen etwas gehetzt und lückenhaft wirkt, langweilt er doch keine Sekunde. John Milius hält die Zügel fest in der Hand und streicht alles Unwesentliche aus seinem Drehbuch. Zudem nutzt er jede Gelegenheit, um explosive Actionszenen und erbarmungslose Schießereien mit viel roher Kraft und explodierenden Blutbeuteln zu inszenieren. Dabei geht er weniger stilisiert als Sam Peckinpah oder Arthur Penn zu Sache, sondern rau, unmittelbar und verdammt blutig. Hier gibt es kein ästhetisch beeindruckendes „Todesballett“, wenn die Körper von Kugeln zerrissen werden, sondern nur ein lakonisches „So ist das halt, wenn Kugeln auf Körper treffen“. Arthur Penns „Bonnie und Clyde“ kann dann auch als direkter Vorgänger des Millius-.Films gelten, trat er doch eine Welle von Gangsterfilmen los, die zur Zeit der großen Depression spielten und quasi den langsam aussterbenden Western ersetzten, indem sie die großen Gangster dieser Ära als die letzte Outlaws inszeniert. Nach „Bonny & Clyde“ hatte insbesondere Roger Corman und die Verleihfirma AIP – die auch „Jagd auf Dillinger“ produzierten – dieses Genre mit Filmen wie „Big Bad Mama“ oder „Die Faust des Rebellen“ angeheizt.

vlcsnap-00037vlcsnap-00040

John Milius Regie-Debüt „Jagd auf Dillinger“ ist ein vor Kraft und Blut strotzender B-Film. Mit seiner exzellenten Besetzung und einem gehörig Tempo, sorgt er dafür dass die Sprunghaftigkeit des Drehbuchs und die simple Charakterisierung seiner Figur mehr als ausgeglichen wird.

vlcsnap-00043vlcsnap-00045

Die Bildqualität dieser von Explosive Media veröffentlichten DVD ist guter Durchschnitt. Die deutsche Synchronisation ist zeitgenössisch etwas flapsig, so dass der ebenfalls auf der DVD befindliche Originalton zu bevorzugen ist. Das Booklet ist leider eine ziemliche Enttäuschung, da hier nur 1:1 die Trivia-Infos aus der IMDb ins Deutsche übersetzt wurde. Außer einer Trailer-Show für das weitere Explosive Media-Programm findet man hier noch den Vorspann mit der ursprünglich geplanten, alternativer Musik (einem ruhigen, eher melancholischen Stück, statt des flotten Dixieland-Songs „The Gold Diggers‘ Song (We’re in the Money) „. Ferner gibt es noch eine 5-minütigen Zusammenschnitt der besten Szenen, der auch unter dem Menü läuft und eine 2,5-minütige Slideshow mit zeitgenössischem Promomaterial.

DVD-Rezension: “Mach ein Kreuz und fahr zur Hölle”

Von , 16. Dezember 2014 21:28

Fighting MadTom Hunter (Peter Fonda) kehrt zusammen mit seinem Sohn Dylan (Gino Franco) auf die väterliche Ranch zurück. Dort muss er allerdings feststellen, dass sich der skrupellose Industrielle Pierce Crabtree (Philip Carey) in der Gegend breit gemacht hat und den Farmern ihr Land abpresst, um in der Nähe ein großes Kraftwerk zu bauen. Auch Toms Vater Jeff (John Doucette) und sein Bruder Charlie (Scott Glenn) werden von Crabtree bedroht. Insbesondere Charlie leistet erbitterten Widerstand, weshalb Crabtree seine Schläger zu ihm schickt, um ihn und seine schwangere Frau aus dem Wege zu räumen. Nach Charlies grausamen Tod, macht sich Tom daran, zu beweisen, dass sein Bruder umgebracht wurde. Damit gerät auch Tom ins Fadenkreuz…

vlcsnap-00250vlcsnap-00251
Der legendäre B-Film-Produzent Roger Corman hatte schon immer ein Näschen für die momentane n Filmmoden. Nachdem die Filme „Billy Jack“, „Der Große aus dem Dunkeln“ und „Kesse Mary – Irrer Larry“ an den Kinokassen recht erfolgreich waren, sollten die scheinbar erfolgreichsten Elemente dieser Filme zu einer neuen Corman-Produktion verschmolzen werden. Wie so oft, gab Corman bei der Regie einem jungen Talent eine Chance. Jonathan Demme hatte für Corman bereits den heutigen Kultfilm „Caged Heat – Das Zuchthaus der verlorenen Mädchen“ und „Crazy Mama“ inszeniert. „Mach ein Kreuz und fahr zur Hölle“ war der letzte Film, den er für seinen Mentor inszenierte. Kurze Zeit später sollte er mit dem wegweisenden Konzertfilm „Stop Making Sense“ mit den Talking Heads für Furore sorgen und 1992 den Regie-Oscar für sein „Schweigen der Lämmer“ erhalten. Bei den nächsten Oscars konnte sein Aids-Drama „Philadelphia“ mit Tom Hanks ebenfalls kräftig abräumen. An diese großen Erfolge konnte er in der Folge dann nicht mehr anknüpfen. Allein sein Remake von „Der Manchurian Kandidat“ brachte ihn noch einmal einem größeren Publikum in Erinnerung. Ansonsten dominieren TV-Arbeiten und Musikvideos. „Mach ein Kreuz und fahr zur Hölle“ macht noch nicht den Eindruck, dass hier ein zukünftiger Oscar-Gewinner das Zepter schwingt, man erkennt aber durchaus, dass hier jemand am Werk ist, der seine Materie versteht.

vlcsnap-00264vlcsnap-00270
„Mach ein Kreuz und fahr zur Hölle“, oder „Fighting Mad“, wie der treffende Original-Titel lautet, ist eine gute Ergänzung zu „Vigilante Force – Die Gewalt sind wir“ (Kritik hier), der ebenfalls vor Kurzem bei Explosive Media erschienen ist und wie „Fighting Mad“ aus der AIP-Schmiede stammt. Und der letzten Endes auch der bessere Film ist, hat er doch mit Kris Kristoffersen einen charismatischen und gefährlichen Schurken. Eine Qualität, die „Fighting Mad“ leider vollkommen abgeht. Allenfalls der Sonnenhut-bewehrte, etwas dickliche Handlanger stellt so etwas wie eine erinnerungswürdige Bedrohung dar. Der von Philip Carey gespielte Hauptschurken bleibt ebenso abziehbildhaft und blass, wie die anderen Streiter auf der bösen Seite. Die ambivalente Rolle des Sheriffs könnte zwar interessant sein, doch das Drehbuch vernachlässigt ihn sträflich. Auch der Held, der von Peter Fonda gegeben wird, kann kein besonderes Profil gewinnen. Peter Fonda hatte sich zwar mit „Easy Rider“ als eine Ikone der Gegenkultur etabliert, dieser Ruhm verblasste allerdings schnell, angesichts seiner Auftritte in preisgünstigen Action-Thrillern. In diesen sollte er als harter und zorniger junger Mann aufgebaut werden.

vlcsnap-00273vlcsnap-00275
In „Fighting Mad“ funktioniert dies aber nur bedingt. Abgesehen von seinen manchmal cholerisch und auch unnötig anmutenden Wutausbrüchen, wirkt sein Tom Hunter eher wie eine linker Lehrer, den es zufällig auf eine Farm verschlagen hat. Außer Wut, scheint er keinerlei großen Gefühle zu hege. Auch als sein Bruder brutal ermordet wird, ist von tiefer Trauer nicht viel zu spüren. Nur in einer einzigen Szenen, in der er erst seinen Sohn anraunzt und dann doch reumütig und voller Liebe zu ihm geht, deutet sich ein Potential an, welches der Film und sein Hauptdarsteller aber sonst an keiner Stelle wirklich ausschöpfen. Vielmehr bleiben dem Zuschauer die handelnden Charaktere herzlich egal. Tom Hunter agiert häufig unsympathisch und auch seiner Freundin Lorene gegenüber nicht besonders liebevoll. Auch sein Vater kann – obwohl die Figur darauf angelegt ist – nicht das emotionale Loch füllen, welches das Drehbuch hinterlässt. Einzig Lynn Lowry kann als Lorene ein wenig menschliche Wärmen einbringen. Die lebendigsten und interessantesten Figuren sind allerdings der von Scott Glenn gespielte Bruder des Helden und seine Frau. Leider werden beide schon früh durch einen ausgesprochen brutal inszenierten Mord aus der Handlung entfernt.

vlcsnap-00254vlcsnap-00255
Wie schon „Vigilante Force“ hat auch „Fighting Mad“ eine erzreaktionäre Botschaft: Wenn dem guten Amerikaner sein Land weggenommen werden soll, so rechtfertigt dies alle Mittel, um sich zu wehren. Und das wirksamste Mittel gegen die Gewalt ist Gegengewalt, die hier völlig ironiefrei und ungebrochen zelebriert und für gut befunden wird, wie das merkwürdig fröhliche Schlussbild suggeriert. Der sadistische Mord an Tom Hunters Bruder und Schwägerin und Hunters finaler und ausgesprochen blutig inszenierter Rachefeldzug bilden die beiden Höhepunkte des Filmes. Zwischen diesen passiert zwar einiges, aber nichts davon bleibt wirklich nachhaltig im Gedächtnis hängen. Abgesehen vielleicht von einem völlig an den Haaren herbeigezogenen Mord an einem Richter, der auch wie aus einem anderen Film hineingeschnitten wirkt und die Nacktszenen der zauberhaften Lynn Lowry. Ebenfalls im Gedächtnis, wenn auch aus weniger erfreulichen Gründen, bleibt der zum Teil schrecklich dudelnde Synthie-Sountrack von Bruce Langhorne, der auf Peter Fondas speziellen Wunsch mit an Bord gebracht wurde.

vlcsnap-00281vlcsnap-00284
Zwischen zwei brutalen und packend inszenierten Höhepunkten, kommt „Mach ein Kreuz und fahr zur Hölle“ nicht wirklich vom Fleck, was auch an seinem nicht wirklich sympathischem Helden und den blassen Nebenfiguren liegt. Dafür, dass hier der zukünftige Oscar-Gewinner Jonathan Demme seine letzte Roger-Corman-Produktion abliefert, ist das Endergebnis etwas enttäuschend.

vlcsnap-00290vlcsnap-00286

Die Bildqualität der bei Explosive Media herausgekommenen DVD ist im mittleren Sektor anzusiedeln, und reißt nicht unbedingt zu Begeisterungsstürmen hin. Allerdings erscheint sie dem dreckigen, kleinen Film durchaus angemessen. Die englische Tonspur ist etwas leise und besonders die Geräusche und Hintergrundmusik verschwinden etwas. Daher ist der deutsche Ton hier ausnahmsweise einmal vorzuziehen, wenngleich man ihm sein Alter durchaus anhört. An Extras gibt es nur den Trailer und eine Trailershow zum restlichen Programm des Labels.

DVD-Rezension: „Robot Jox“

Von , 14. November 2014 21:25

Robotjox50 Jahre nach dem 3. Weltkrieg, der die Erde verheerend zerstört hat, sind Kriege verboten. Stattdessen kämpfen stellvertretend die besten „Jox“ der beiden Weltmächte „Market“ und „Konföderation“ in gigantischen Robotern um die Herrschaft in den verbliebenen Ländern der Welt. Der beste Jox des „Market“ ist Achilles (Gary Graham), der bereits 9 seiner vertraglich geforderten 10 Kämpfe gewonnen hat. Er muss gegen den sadistischen Alexander (Paul Koslo) von der „Konföderation“ antreten. Beim Duell der Beiden kommt es zu einer Katastrophe. Durch einen unfaireren Angriff Alexanders kommen hunderte Zuschauer zu Tode. Der Kampf wird als Unentschieden gewertet. Voller Gewissensbisse lehnt Achilles eine Wiederholung ab, wodurch die junge Athena (Anne-Marie Johnson), die als In-Vitro-Kämpferin nur für diesen Zweck gezüchtet wurde, ihre Chance wittert als erster weiblicher Jox anzutreten…

vlcsnap-00941vlcsnap-00942

Robot Jox“ ging bereits 1986, auf dem Höhepunkt der damals grassierenden „Transformers„-Hysterie (die TV-Animationsserie und die Spielzeuge waren damals DER Renner in us-amerikanischen Kinderstuben) in die Planung. Stuart Gordon hatte die Idee, aus der Animationsserie einen Live-Action-Film zu machen und trat damit an Charles Bands Empire-Studio heran, die Gordons erste Erfolge produziert hatten. Diesem war das Projekt zunächst zu teuer, ließ aber von einige Stop-Motion-Sequenzen, die Gordon als Demo erstellt hatte, doch überzeugen mit 7 Millionen US-Dollar das höchste Budget für eine „Empire“-Produktion überhaupt. Der preisgekrönte SF-Autor Joe Haldemann wurde engagiert zusammen mit Gordon das Drehbuch zu schreiben, aber bald schon knallte es zwischen den beiden, da man sich über die Ausrichtung des Filmes nicht einige wurde. Haldemann plante einen „Erwachsenenfilm, den auch Kinder schauen können“, während Gordon in Richtung Kinderfilm, der auch für Erwachsene unterhaltsam ist, einschlagen wollte. Neben diesen Spannungen waren auch die Dreharbeiten von unvorhergesehenen Schwierigkeiten geplagt. Nachdem der größte Teil des Filmes in Italien abgedreht war, sollten die Szenen mit den Robotern in San Bernardino gedreht werden, so allerdings Sandstürme und Fluten die Kulissen zerstörten. Am Ende betrug das Budget dann 10 Millionen US-Dollar, die man dem Film allerdings zu keiner Sekunde ansieht.

vlcsnap-00945vlcsnap-00950

Als der Film endlich fertiggestellt war, ging „Empire“ in den Bankrott und „Robot Jox“ bliebt zunächst einmal im Regal liegen. Erst Ende 1990 kam er dann in die Kinos. Von den „Transformers“ wollte zu diesem Zeitpunkt niemand mehr etwas wissen und auch der alte „Kalte Krieg“-Konflikt, mit dem „Robot Jox“ offensiv spielt, war mittlerweile Geschichte. Und so wollte dann auch niemand mehr „Robot Jox“ sehen. Ob der Film allerdings drei Jahre vorher ein größeres Publikum gefunden hätte, bleibt Spekulation. Das Hauptspektakel des Filmes sind die Roboter-Kämpfe, doch diese kommen etwas zu kurz. Nur zwei Kämpfe gibt es zu bestaunen, wovon der erste schon recht schnell vorbei ist. Gedreht wurden die Duelle vorwiegend in Stop-Motion. Aber auch eine Marionette mit deutlich erkennbaren Fäden) kommt zum Einsatz. Obwohl man den Spielzeugcharakter der Maschinen nicht verleugnen kann, hat dies doch weitaus mehr Charme als seelenlose CGI. Zudem hat man bei den Robotern eine Menge Kreativität bewiesen. So klappt der russischen Kampfmaschine auch schon mal eine Kreissäge aus dem Gemächte. Gerne hätte man davon noch mehr gesehen, doch den größten Teil der Zeit muss an sich damit begnügen, die seelischen Konflikte des Helden mitzuerleben oder einer halbgaren Spionage-Geschichte zu folgen.

vlcsnap-00971vlcsnap-00954

Wie eingangs bereits geschrieben, scheint der größte Teil des Budgets irgendwo versickert zu sein. Massenszenen werden durch eine Ansammlung von maximal 20 Personen gedoubelt und in der Zentrale der vereinten westlichen Welt arbeiten ebenfalls nur eine überschaubare Anzahl Personen. Leider keine besonders interessanten. Die Geschichte um die Gruppe In-Vitro-Kämpfern z.B. ist nicht besonders packend, was auch daran liegt, dass der Konflikt zwischen Athena und ihrem Konkurrenten um Achilles Nachfolge ebenso klischeehaft, wie vorhersehbar ist. Ein wandelndes Klischee ist auch unser Held Achilles, der von Gary Graham seltsam lustlos gespielt wird. Demgegenüber geben die Herren Paul Koslo als böser Alexander und Michael Alldredge als legendärer Tex Conway umso mehr Gas. Insbesondere um Paul Koslo muss man sich Sorgen machen, dass er vor lauter wildem Augenrollen und hämischen Lachen keinen Herzinfarkt bekommt. Und Michael Alldredge als verfetteter Ex-Star-Jox, der ständig einen Cowoby-Hut trägt und pseudo-coole Macho-Sprüche um sich wirft, kann trotz seines Enthusiasmus, den er in die Rolle einbringt, auch nicht gerade zu den Sympathieträgern gezählt werden. Die eingeflochtene Geschichte um einen Verräter in den Reihen der „Western Market“-Kämpfer baut auch keine übermäßige Spannung auf.

vlcsnap-00957vlcsnap-00962

Aber immerhin ist Stuart Gordon ein versierter Regisseur, der aus dem wenigen, was ihm zur Verfügung steht, einen soliden B-Film zaubert, dem zwar sämtliche Kinoqualitäten abgehen, der sich aber gut in den Regalen der Videotheken macht. Eine effektive Lichtsetzung sorgt für die nötige Stimmung und täuscht über die spärlichen Kulissen hinweg. Die stereotypen Figuren werden angenommen und es wird nicht vorgegaukelt große Kunst abzuliefern. Stuart Gordon sorgt eben für dass, was er von Anfang an im Sinn hatte: Gute Unterhaltung für große Kinder. Wären dort nicht einige kleine Geschmacklosigkeiten (in der US-Fassung mit PG-13-Rating dann auch sorgsam eliminiert wurden), könnte der Film auch im Rahmen einer Vorabendserie laufen. Daher ist es nicht verwunderlich, dass der Film mittlerweile eine kleine Fan-Gemeinde hat, die den Film als Haupt-Inspiration für Guillermo del Toros „Pacific Rim“ ansehen.

vlcsnap-00967vlcsnap-00974

Trotz eines klischeebeladenen Drehbuch und altbekannten Stereotypen, bringt Stuart Gordon seinen kleinen B-Film über die von sogenannten Jox gesteuerten, riesigen Robotern gut über die Runden. Von den ausgesprochen charmant und ohne viel Geld animierten Roboter-Kämpfen hätte man allerdings gerne mehr gesehen, statt die Zeit mit den uninteressanten Helden zu vertrödeln.

vlcsnap-00977vlcsnap-00978

Explosive Media hat den Film in einer unspektakulären Ausgabe veröffentlicht. Bild und Ton sind zwar gut, doch irgendwelche Extras sucht man, abgesehen von einer kleinen Bildgalerie, vergeblich. Bezüglich der nur auf Englisch vorliegenden Untertitel bestehen die selben Probleme, wie bei der „Vigilante Force – Das Gesetz sind wir“-DVD. Sie geben nicht immer das Gesprochene wieder und sind teilweise fehlerhaft.

Panorama Theme by Themocracy